Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 15): Shortwave, de Ryan Gregory Phillips

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Shortwave
  • Año: 2.016
  • Duración: 85 min.
  • País: USA
  • Director: Ryan Gregory Phillips
  • Guión: Ryan Gregory Phillips
  • Fotografía: Lucas Gath
  • Reparto: Juanita Ringeling, Cristobal Tapia Montt, Kyle Davis, Jay Ellis, etc.
  • Productora: Cue Mark Films
  • Género: Terror, thriller psicológico, drama, ciencia ficción.

https://www.youtube.com/watch?v=aDp9i9oqSFs

De nuevo me encuentro ante otro caso como el de “Sam was here”. Aunque en esta ocasión no salí del cine cabreado, poco faltó; bueno, ligeramente mosqueado sí que salí. Y es que me encontré con una película que mezclaba ciencia ficción y terror, una fotografía sublime, intriga y tensión continuas, un ambiente claustrofóbico, una premisa de lo más atractiva y el notable debut en Hollywood de la chilena Juanita Ringeling, y que a la vez combinaba todo esto con escenas oníricas y tediosas y un guión que deja más interrogantes que respuestas. Por momentos una obra de arte y por momentos un suplicio aburrido.

short5“Isabel lleva a su hija a una librería. La pierde de vista un momento y desaparece. Un año después, ella y su marido Josh se trasladan a un nuevo hogar aislado en medio del bosque. Isabel, incapaz de superarlo, se refugia en su propio mundo de pesadilla, con alucinaciones, ruidos y presencias que la acechan, a la vez que comienza a desarrollar agorafobia. Por su parte, Josh y su compañero Thomas trabajan para el gobierno descifrando señales de radio procedentes del espacio. En uno de los análisis descubrirán una señal de vida inteligente procedente de otro planeta y, que junto a ésta, viaja otra de baja frecuencia dirigida exactamente a las coordenadas donde se ubica la nueva vivienda de Josh e Isabel.”

     Excelente sinopsis la que nos trae el debutante director y guionista Ryan Gregory Phillips. Protagoniza Juanita Ringeling —“The ABC’s of death: Segment C is for Cycle”, “Chipe libre”, etc.—, una conocida y prestigiosa actriz chilena que debuta en Hollywood y lo hace a lo grande, puesto que toda la película gira en torno a su personaje y tiene oportunidad de dar un auténtico recital dramático. Pese a todo, sería injusto no destacar al también chileno Cristobal Tapia Montt —“Buena conducta”, “Feroz”, etc.—, ya que no sólo está convincente en su papel, sino que ambos forman una pareja con mucha química, aunque aquí la historia de amor esté supeditada a una trama de terror y locura.

short4 Como pasó con “Sam was here”, Ryan Gregory Phillips conoce todo los resortes del terror y el suspense y además lo adereza con elementos de ciencia ficción, y en este sentido ha sido muy cauto al limitar la “tecno cháchara” al mínimo para no pillarse los dedos. Toda la historia de las señales de audio es creíble y consecuente con la evolución de Isabel, sin embargo, también ha pecado de crear un envoltorio de pesadilla olvidándose de profundizar y dar una explicación a lo que sucede.

Parte de culpa en ese envoltorio de pesadilla la tiene el director de fotografía Lucas Gath, quien ha conseguido crear un entorno asfixiante y claustrofóbico en una casa que no tiene nada de eso; es más, es una casa luminosa, minimalista, con una vistas a la short3naturaleza de auténtico ensueño, pero que en sus manos se ha convertido en un lugar que no le gustaría a nadie visitar.     Respecto al guión, es cierto que hay algo de explicación a lo sucedido en la película durante el brutal clímax, pero es algo que genera más dudas que soluciones, y por en medio se han quedado varias escenas sin sentido. Sin ir más lejos, la supuesta intriga inicial es más bien un WTF? en toda regla: Isabel va con su hija a la librería, la deja con otros niños al cuidado de una monitora, entra al lavabo y cuando sale no hay niños ni monitora ni dependiente ni cajero ni cliente alguno. Francamente, había formas más sencillas y creíbles de idear un secuestro y, como espectador, me cuesta creer luego que la mujer esté tan afligida por la desaparición de su hija cuando dicha desaparición carece de lógica.

Shortwave” lo tenía todo a su favor para ser una obra maestra, pero su creador ha pecado de querer ser demasiado onírico, bizarro y artístico y al final se ha quedado a medias entre lo aburrido y lo genial.

 

LO MEJOR

  • Todo el plantel de actores, desde los protagonistas a los secundarios.
  • El intenso registro dramático de Juanita Ringeling.
  • La premisa de la señal extraterrestre y cómo afecta a la protagonista.
  • La fotografía.
  • El salvaje clímax, con buenas dosis de angustia y gore.
  • El futuro de Ryan Gregory Phillips en el cine de terror siempre que profundice más en el guión que en la parte visual.

 LO PEOR

  • Plantear muchas incógnitas y no resolver casi nada ni dejar pistas para que el espectador las resuelva.
  • El poco creíble arranque inicial.
  • La cantidad de escenas oníricas y terroríficas que provocan más confusión y aburrimiento que miedo.

LA ESCENA

  • Los últimos diez minutos.

 

 

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 14): Shin Gojira, de Hideaki Anno y Shinji Higuchi

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título para el mercado internacional: Shin Godzilla / Godzilla resurgence
  • Título original: Shin Gojira
  • Año: 2.016
  • Duración: 122 min.
  • País: Japón
  • Director: Hideaki Anno y Shinji Higuchi
  • Guión: Hideaki Anno
  • Fotografía: Kosuke Yamada
  • Reparto: Hiroki Hasegawa, Satomi Ishihara, Ren Ohsugi, etc.
  • Productora: Toho Pictures
  • Género: Monstruos mutantes, cine catastrófico, política ficción

 

https://www.youtube.com/watch?v=63DxDcZnEEU

 

Que aberraciones como “Frankestein island” o “Double Dragon” hayan sido de lo que más he disfrutado durante este festival no habla muy bien de mí, pero ayuda a comprender el ansia porque llegara el domingo 9, pudiera acudir al Retiro (lástima no haber podido hacerlo el día antes en el Auditori Melià, ya que habría sido una experiencia orgásmica) y apareciera ante mis retinas el lagarto gigante de goma más famoso de la historia del cine. Y si añadimos el hecho de que la película está firmada por Hideaki Anno —“Neon Genesis Evangelion”— y Shinji Higuchi —“Ataque a los Titanes”—, no podía haber ningún tipo de duda: el freak que habita en mí exigía el verla.

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Sin embargo, una vez visionada, salí con una rara sensación puesto que acababa de enfrentarme a la película más lenta, extraña y diferente de la historia del género kaijü eiga. Tanto, que por momentos me había parecido realmente una buena película, pero de las buenas de verdad, algo que uno no espera cuando va a ver a un lagarto atómico gigante pelearse contra una polilla alienígena gigante o a un dragón de tres cabezas… gigante. Y esa buena película parecía más bien una larga crítica a la burocracia gubernamental y en la que no se veía a un lagarto atómico gigante pelearse contra… vale, no hace falta que lo repita.

“Un extraño fenómeno provoca el rápido calentamiento del agua de la bahía de Tokio a la vez que las autoridades descubren la existencia de una gran masa de agua que se acerca a la orilla. De ahí emergerá una extraña criatura similar a una serpiente que repta sobre sí misma, pero que con el transcurrir de las horas irá mutando hasta transformarse en un dinosaurio gigante que arrasa todo a su paso.

Si bien la criatura no se muestra violenta, su sola presencia en medio de la ciudad es un peligro ya que emana radiación por su piel y con el más mínimo movimiento destruye edificios, por lo que el primer ministro se pondrá manos a la obra para detenerlo. Sin embargo, la férrea burocracia del gobierno pondrá límites a cada uno de los departamentos implicados en el asunto, haciendo que su labor sea cada vez más compleja, en especial cuando los Estados Unidos pidan permiso para lanzar un ataque nuclear sobre la ciudad.”

Siguiendo este argumento ya os habréis dado cuenta de que “Shin Godzilla” reinicia la saga. Teniendo en cuenta que en USA ya han hecho dos remakes, puede ser bastante mosqueante el hecho de que en su país de origen hagan lo mismo. Sin embargo, si no me falla la memoria, esta es la tercera vez que la saga japonesa es reiniciada, por lo tanto, es lo que hay. También es cierto que si la aparición del entrañable monstruo en los años 50 correspondió a una plasmación audiovisual del horror que supusieron los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki y su importancia en la cultura japonesa, es del todo lícito y comprensible que el renacido pánico a todo lo nuclear tras la tragedia de Fukushima haya acabado derivando en una nueva entrega de Godzilla, y teniendo en cuenta que el monstruo lo es sólo en sus películas iniciales para convertirse a continuación en salvador de la humanidad, era lógico que se reiniciase la saga y fuese convertido en un ser destructor. Y la verdad sea dicha, desde un punto de vista japonés y de la manera en que ha sido hecha esta película, puedo imaginar en algunas personas más sensibles el mismo impacto que debió provocar la primera película en la década de los 50.

godz2    Y es que aquí más que nunca Godzilla es una formidable amenaza, pero aún lo es más que ante la ausencia de un plan de actuación por parte del gobierno en un suceso así (algo comprensible), se siga a rajatabla unos trámites burocráticos lentos que obligan a reunirse diversos departamentos, luego los delegados de cada departamento, luego los delegados de cada delegado con el primer ministro, y ante la siguiente duda, vuelta a repetir todo el proceso, mientras el bicho va haciendo de las suyas.

Por tanto, es más una película de reuniones, decisiones políticas y más reuniones que un kaijü eiga al uso con escenas de destrucción por doquier. Pero que no cunda el pánico, las dos escenas de batalla del ejército contra el monstruo son impresionantes, de lo mejor del año en F/X. Olvidaros de tanques de juguete, el lagarto de goma y edificios de cartón que se rompían de un soplido. Toda la película hace gala de un CGI tan impresionante que se ve del todo natural, perfectamente integrado con los paisajes reales y que permite disfrutar de esas dos escenas tan magistrales. Pese a todo, me resulta curioso que todos los F/X tengan tanta calidad y sin embargo, cante un poco la primera aparición de Godzilla como serpiente/babosa/lo que sea que va reptando y escupiendo sangre, en especial por esos extraños y ridículos ojos que le han puesto.

Estamos también ante una película coral con multitud de diálogos en la que hay que agradecer el complejo trabajo realizado en el subtitulado, así como en el próximo doblaje, ya que la película se va a estrenar en cines españoles. Dada la gran cantidad de actores que intervienen y el poco tiempo en el que se desarrolla la acción —apenas un par de días—, los personajes son planos y no evolucionan nada, sin embargo, están bien concebidos e interpretados, y es fácil empatizar con ellos. Habría que destacar a Ren Ohsugi —“Audition”, “Hana-bi. Flores de fuego”, etc.—como el primer ministro Seiji Okochi, quien aún siendo la máxima autoridad en Japón no puede tomar una decisión sin el consenso del interminable equipo de asesores, Hiroki Hasegawa —“¿Por qué no jugamos en el infierno?”, “Ataque a los Titanes”, etc.— como Rando Yaguchi, el principal responsable científico de la crisis y a la bellísima Satomi Ishihara —“Ataque a los Titanes”, “Sadako 3D”, “Monsterz”, etc.—, quien interpreta a un interesante personaje llamado Kayoko Ann Patterson, enlace durante la crisis entre el gobierno japonés y norteamericano, y que puede lograr el triple combo en la política de los USA: ser la primera mujer menor de cuarenta años y de padres extranjeros en convertirse en presidenta, pero siempre que gestione bien la crisis con Japón en nombre de USA.

godz4   Y dentro de todo el conflicto político interno, a veces tenso, a veces cómico del que hace gala la película, añadimos un factor externo que me pareció muy inteligente: el gobierno americano, al ser aliado de Japón, ofrece su ayuda en forma de bombardeo nuclear sobre Tokio, lo que lleva a cierto sector del gobierno japonés a pensar en que una vez más, se los quieren quitar de encima. Yaguchi y Ann Patterson tendrán que trabajar a contrarreloj para encontrar una solución que detenga a Godzilla antes del bombardeo nuclear, pese a que para la muchacha, apoyar esta opción pueda ser un revés en sus aspiraciones políticas.

Como veis, la película no tiene mucho que ver con lo que se esperaría de un kaijü eiga, y por supuesto, nada que ver con la última encarnación de la franquicia rodada hace doce años ya, la entretenida y muy matrixera Godzilla: Final Wars”. Pero lo que para mí ha sido un acierto, reconozco que para otros pueda ser tedioso ya que pese a durar dos horas, da la sensación de ser más larga. Sin embargo, el virtuosismo técnico de las escasas escenas de acción creo que serán suficientes como para satisfacer las ansias de los amantes de Godzilla, ya que estamos ante la versión más brutal y peligrosa que ha aparecido jamás en una pantalla de cine (joder, que mide más de 180 metros, ¡da miedo de verdad!).

 

LO MEJOR

  • El insólito planteamiento y desarrollo, basado en reuniones y tensiones políticas, en las antípodas del clásico kaijü eiga.
  • La crítica a la política interna de Japón y a la injerencia norteamericana
  • El bestial rediseño de Godzilla.
  • Los efectos especiales y el realismo de las secuencias de acción.
  • La tremenda química existente entre Hiroki Hasegawa y Satomi Ishihara. No tendría sentido alguno una relación entre ambos personajes en esta trama, pero dan ganas de verlos juntos en una película romántica.
  • La explicación al funcionamiento interno de Godzilla.

 LO PEOR

  • El planteamiento y desarrollo que he alabado, puede ser lo que haga aburrirse a mucha gente que espere otra cosa.
  • La falta de más escenas de acción.
  • Que los F/X sean tan perfectos y la primera aparición de Godzilla tenga un aspecto tan ridículo (¿¿¿quién puñetas diseñó esos ojos???)

LA ESCENA

  • Las dos batallas contra Godzilla.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 13): Sam was here, de Christophe Deroo

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Sam was here
  • Año: 2.016
  • Duración: 75 min.
  • País: Francia
  • Director: Christophe Deroo
  • Guión: Christophe Deroo y Clement Tuffreau
  • Fotografía: Emmanuel Bernard
  • Reparto: Rusty Joiner, Sigrid La Chapelle, Rhoda Pell, etc.
  • Productora: Nightcall Productions
  • Género: Suspense, thriller, road movie

 

Lunes. Retiro. 12:15. Sin saberlo, me dispongo a enfrentarme al mayor de mis miedos… al “efecto Lost”. Ya lo padecí en menor medida el día anterior con “Shortwave”, pero en esta ocasión lo iba a sufrir a tope.

Como ahora mismo estaréis un poco perdidos, permitidme que haga un corta pega de un pasaje publicado en la introducción al festival aparecido en la crítica de “31”.

“…Y el segundo punto a destacar sería lo que denomino como “efecto Lost” o “me importa una mi…. que no te enteres”. Y es que de un tiempo a esta parte, estoy viendo un fenómeno que me saca de quicio, y que normalmente se da en el género de suspense o terror: el no explicar nada. Estoy de acuerdo en que Hollywood tiene lobotomizado el cerebro a muchas personas con productos clónicos y previsibles, y no está nada mal en enfrentarnos de tanto en tanto con producciones que te hagan pensar, que no te lo den todo hecho. Films como “Memento” o “Mullholland drive” te hacen comerte la cabeza pero puedes establecer algún tipo de teoría sobre lo visto. Sin embargo, el “efecto Lost” visto en, por ejemplo, la multipremiada “It follows”, sería el tipo de historia cuyo guión no explica nada de lo sucedido y lo que es peor, tampoco da pistas o claves para que te montes tu propia película mental. Pero ojo, que la situación es todavía más lamentable, porque encima estamos hablando de películas muy bien hechas a casi todos los niveles y con unos elevados niveles de tensión, suspense y “nopuedoapartarlamiradadelapantallaostiaquebienmeloestoypasando”. O sea, que estamos ante unos guionistas y directores que conocen todos los resortes del entretenimiento, que te ofrecen un producto distinto y bien hecho pero que se centran únicamente en la parte estética olvidando (o queriendo olvidar) que están contando una historia y que ésta ha de ser explicada en algún momento o que pueda intuirse lo sucedido.”

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Todo este tochopasaje entrecomillado resume el desconcierto mío y de buena parte de los asistentes al salir de la proyección. Y es que no hay nada peor que que te den un caramelo y te lo quiten apenas lo has saboreado. Es decir, que “Sam was here” es cojonudamente buena… hasta que se termina y entonces te das cuenta de que te han  estafado, bien por ineptitud, bien a propósito.

La sinopsis reza así: “Sam es un comercial a puerta fría que viaja por el desierto de California. La mala suerte le persigue puesto que nadie responde cuando llama a las casas. Al cabo de un tiempo empieza a sospechar algo raro al comprobar cómo, en gasolineras, bares de carretera o moteles, tampoco encuentra a nadie, pese a haber en ellos platos con comida caliente o ceniceros con colillas aún humeantes. Sam también descubrirá algo en común en los sitios que visita: en todos ellos hay una radio encendida sintonizando la misma emisora, y en ésta, un locutor con voz y estilo de la década de los 50 habla sobre la peligrosidad que encierra un asesino que mató de forma cruel a una niña y se fugó, y cómo, la policía con la colaboración de algunos vecinos, está estrechando el círculo. Y llegará un momento en que la peor pesadilla de Sam se haga realidad, cuando descubra que él es la persona de la que hablan por radio.”

sam5    Hasta aquí todo muy bien. Tenemos una sinopsis interesante con su dosis de intriga, un personaje que no entiende lo que sucede genialmente interpretado por Rusty Joiner, situación límite, tensión, una impresionante fotografía (genial los luminosos planos del desierto o el lúgubre interior de la habitación secreta del motel), escenas de acción escasas pero bien rodadas e introducidas en la trama, el misterioso locutor que conoce todos los movimientos que realiza el protagonista, etc. En definitiva, una road movie de manual, que te tiene pegado a la butaca sin que puedas pestañear hasta que termina y te quedas con cara de imbécil, esperando que haya una escena post créditos que te explique algo de lo que has visto. Y a eso viene lo del “efecto Lost”. Muchos fans de la serie defienden todo su desarrollo basado en acumulación de cliffhangers sin explicación argumentando que “lo importante es el viaje, no el destino”. Perfecto. El que acepte eso disfrutará de lo lindo con “Sam was here”. Por mi parte, soy de los que no lo aceptan con tanta tranquilidad. Que no me importa que se deje algún cabo suelto, algo con lo que teorizar al respecto, vale, pero sí me importa el que no haya NI UNA SÓLA explicación a lo sucedido. Y cualquiera puede teorizar al respecto de esta película, es cierto; se puede teorizar sobre si Sam es el asesino al que buscan pero que ha perdido la memoria, si no la ha perdido y está haciendo un papel, si ha muerto y está en el infierno sufriendo su condena… cualquier posibilidad puede ser la correcta o no, ya que no hay ni la más mínima pista que te haga decantarte por una teoría u otra. Y eso jode. Al menos a mí. Pero si para ti “lo importante es el viaje, no el destino”, esta es tu película, porque si obviamos la parte argumental, no hay duda de que está muy bien hecha.

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Sam was here” ha sido la película más corta que he visto en este festival. Apenas 75 minutos. Y es verdad que esta duración permite quitar paja e ir al grano y que el nivel de tensión no disminuya en ningún momento. Esto es algo de lo que deberían de tomar nota ciertos directores empeñados en rodar películas que pasen de las dos horas, pero también es verdad que diez minutos más de metraje dedicados a aclarar que es lo que ha pasado habrían venido muy bien.

 

LO MEJOR

  • La interpretación de Rusty Joiner.
  • La impecable fotografía de Emmanuel Bernard.
  • El relato del cerco al asesino por parte del locutor de radio.
  • Conseguir tal nivel de intriga con tan pocos actores.
  • El aire a historia de “Twilight Zone” que tiene.

 LO PEOR

  • Un desarrollo basado en trucos y trampas dignas del mejor cine de suspense pero que evita dar cualquier tipo de explicación a lo sucedido.
  • La aparición en escena del locutor de radio, que arroja todavía más dudas.

LA ESCENA

  • La mencionada aparición del locutor de radio y su manera de comportarse.

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 12): Rupture, de Steven Shainberg

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Rupture
  • Año: 2.016
  • Duración: 102 min.
  • País: USA
  • Director: Steven Shainberg
  • Guión: Brian Nelson y Steven Shainberg
  • Fotografía: Karim Hussain
  • Reparto: Noomi Rapace, Peter Stormare, Kerry Bishé, Michael Chiklis, etc.
  • Productora: Ambi Pictures y Tango Pictures
  • Género: Terror, drama, torture porn

 

Llegamos a una de las películas que más ganas tenía de ver del festival. A la dirección está Steven Shainberg, realizador de películas tan destacables como “Retrato de una obsesión” y “Secretary”. El guión lo firma el propio Shainberg junto a Brian Nelson, veterano escritor que ha guionizado capítulos de series como “Tierra: conflicto final” y “Da Vinci’s demons”, y en cine la popular entre el fandom freak “30 días de oscuridad” y la magistral muestra de suspense “Hard candy” (tal vez el mejor thriller de la pasada década). Encabezando el casting está Noomi Rapace, a la que adoro desde que encarnó de forma tan brillante a Lisbeth Salander en la trilogía “Millenium”, siendo acompañada de un plantel de estupendos secundarios como Michael Chiklis, Kerry Bishé y Peter Stormare. Por tanto, con todos estos nombres involucrados, era difícil que saliera algo mal. Y no ha sido así, pero tampoco la obra maestra que podría haber sido.

rup4   Allá va la sinopsis: “Una mujer con fobia a las arañas es secuestrada por una desconocida organización, llevada a sus instalaciones y obligada a participar en una terapia de choque extrema. Los secuestradores la torturan obligándole a enfrentarse a sus miedos con tal de que alcance el “punto de ruptura”. Tras un intento de fuga descubrirá que el punto de ruptura no consiste en hacer que consiga superar sus miedos y fobias, sino algo mucho más terrorífico y peligroso.”

Inquietante, angustiosa y con su punto de mal rollo, así es la película. La historia se beneficia de una cuidada estética, sucia y opresiva, así como de unas excelentes interpretaciones (inclusive de un Peter Stormare menos histriónico de lo habitual), en la que destaca Noomi Rapace, por supuesto. Sin embargo, director y guionista, antes de iniciar un interesante aunque algo previsible giro de guión final, han pecado de no atreverse a situar la trama de la mayoría del metraje en el torture porn y sí en el thriller de suspense, cuando la trama permitía y demandaba lo primero. No siempre es justificable la violencia en el cine, pero “Rupture” recuerda en cierto modo a “Hostel”, por lo que un contenido más heavy habría sido bienvenido.

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También peca de un ligero exceso de metraje y eso que sólo dura una hora y cuarenta y dos minutos, pero en concreto, la escena del intento de fuga de la protagonista es bastante larga y contribuye a restar ritmo a la película.  Diez minutos menos habrían venido de perlas.

rup5    No puedo mencionar mucho más sin entrar en terrenos de spoilers. De hecho, a diferencia de las otras críticas, no he querido incluir el tráiler tras los créditos iniciales. El motivo es que el video te cuenta toda la peli ya desde el inicio, en el que la voz de uno de los malos explica su particular filosofía, así que he decidido incluirlo al final. La parte final previsible en la cual se conoce el misterio que rodea al “punto de ruptura hace recordar a cierta saga muy popular que tampoco nombraré, pero el inquietante ambiente y particular estética permiten que no sea algo muy molesto (aunque sí que provoca un cierto desencanto en plan “vale, era esto, pues vaya”). Y lo más curioso es que el final, abierto a más no poder pide a gritos una secuela. Estamos ante una de las pocas veces en que estaría justificada una segunda parte.

En cualquier caso, “Rupture” es una propuesta de lo más atractiva para amantes de la temática.

 

LO MEJOR

  • Noomi Rapace.
  • Las inquietantes intervenciones de los personajes secundarios.
  • La propuesta inicial.
  • La peculiar estética y ambientación.

 LO PEOR

  • Que te deja un poco frío el conocer lo que está ocurriendo.
  • El final abierto no será del gusto de todos y tampoco implica que vaya a rodarse la tan necesaria secuela.
  • Que no se hayan atrevido a subir el nivel de intensidad y meterse de lleno en terrenos del torture porn.

LA ESCENA

  • Los momentos de soledad del personaje de Noomi Rapace en su celda y cómo prepara el plan de fuga.

 

Y ahora sí; bajo vuestra cuenta y riesgo, el spoileante tráiler. Estáis avisados.

 

 

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 11): Raw, de Julia Ducournau

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Raw
  • Año: 2.016
  • Duración: 99 min.
  • País: Francia
  • Director: Julia Ducournau
  • Guión: Julia Ducournau
  • Fotografía: Ruben Impens
  • Reparto: Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Naït Oufella, Laurent Lucas, etc.
  • Productora: Petit Film, Rouge International y Frakas Productions
  • Género: Drama, adolescencia, canibalismo, thriller

 

 

Aunque va en contra de mis principios el denominar a una película que estoy viendo en versión original con un título diferente al propio, cuando lleguemos a las críticas de películas orientales lo haré con su nombre internacional en inglés, puesto que es más cómodo de escribir y de pronunciar; sin embargo, en esta ocasión, me niego a llamar a esta película con el título de “Grave (Crudo)” —así tal cual, con la traducción incorporada—, que es como la publicitó tanto el propio festival como algunos medios. Sin embargo ya no es sólo que muchos medios franceses y la Biblia IMDB la llamen “Raw” —aunque esta última ha actualizado recientemente la ficha para llamarla “Grave”—, sino que es lo que se ve en letras enormes en los títulos de crédito iniciales de la misma película. Por tanto, para mi es y será siempre “RAW”.

Y tras estas disquisiciones lingüísticas, decir que para que una producción de cine independiente francesa, con un presupuesto justito y actores poco conocidos, abarrotara de público y prensa un miércoles el Auditori Melià ¡¡¡a las 8:15!!! de la mañana, algo tiene que tener de especial. Y lo tiene, o no, eso ya lo dejo a vuestro criterio, estimados lectores ausentes, pero lo cierto es que de las tropecientas películas programadas en el festival, esta cinta francesa era la que más expectativa e interés previo había provocado. Si el término tan de moda “hype” fuese una película, sin duda sería “Raw” (hmm, vale, y “Rogue One” también).

ras2   Los motivos para crear tanta expectación fueron tres. Primero: la sinopsis… “Justine, una adolescente abandona el nido familiar para estudiar veterinaria en una universidad. Sobreprotegida, mimada y marcada por una rígida forma de vida vegana, se enfrentará de repente a un mundo de drogas, alcohol, libertinaje, sexo y novatadas humillantes, y a Alexia, una hermana mayor que es de todo menos un modelo a seguir.

Cuando Justine sea obligada en una novatada a comer un trozo de carne, despertará en su interior una mezcla de lujuria reprimida, violencia y apetito desmedido por la carne y la sangre humanas.” Segundo: las escenas gores de canibalismo. Tercero: la gente vomitando y desmayándose durante la proyección en el Festival de Toronto.

Y la gran pregunta que os estaréis haciendo es si era para tanto. No. Pero un NO ROTUNDO. Lo cual no quita para que algunas escenas den algo de grima, pero cualquiera que haya aguantado la crudeza y brutalidad de “Human Centipede 2”, esto le parecerá un juego de niños.

ras1  Todo el asunto del canibalismo o los momentos en los que la directora pretende derivar a su obra hacia el terror no es más que una metáfora, violenta y desagradable, de mostrar la transición de la adolescencia a la etapa adulta. Si eliminamos la parte fantástica, estamos ante un realista relato sobre la represión y posterior liberación emocional de una adolescente, y la lucha entre querer encajar en un sitio nuevo y sus propios miedos a no conseguirlo. O sea, nada que no se haya visto antes. Y que conste que tampoco es una crítica, porque como digo, sin esa parte fantástica estaríamos igualmente ante un excelente drama adolescente. Parte de culpa la tiene el estupendo trío protagonista, Garance Marillier —Justine—, Ella Rumpf —Alexia— y Rabah Nait Oufella, quien interpreta a Adrien, el compañero de habitación de Justine, homosexual, prototipo de tronista en “Hombres, mujeres y viceversa” y su interés romántico/sexual. Y parte de culpa, cómo no, radica en la realizadora Julia Ducournau, quien tiene muy claro lo que quiere mostrar sin importar las críticas. Obsesionada por el cuerpo humano y ayudada por un fantástico director de fotografía como es Ruben Impens —“Alabama Monroe”, “The sky above us”, “Black mirror”, etc.—, no duda en mostrar tanto la parte más erótica como la más desagradable de Justine. Es capaz de trasformar a la joven Garance Marillier de una mosquita muerta en la que nadie se fijaría a un ser libidinoso que exuda sexualidad y erotismo por todos sus poros y a la vez, dar una vuelta de tuerca y conseguir que la escena de su primera relación sexual incomode más que excite por su intensidad y nivel de violencia (eso no quita para que esté rodada de PM). Y sobre lo de mostrar la parte más desagradable, pues Ducournau ha conseguido que después de que el espectador sexualice a un personaje que en un principio no provocaba esa emoción, sintamos asco o desaparezca la empatía hacia ella (la escena de la depilación o verla degustando con placer un dedo humano).

ras5  Sin embargo, no podemos quitarnos de encima el asunto del canibalismo y la pretendida deriva de la película hacía el terror, puesto que aunque pueda ser visto como la metáfora mencionada, tiene mucha importancia en la trama y es un apartado que no está bien desarrollado. Es decir, alguien que ha sido vegano por dieciocho años, no puede convertirse en carnívoro (y mucho menos en caníbal) por comerse un trocito minúsculo crudo de riñón de conejo de un día para otro —literal—. Y las escenas en las que se sugiere que hay un trasfondo oculto para este comportamiento, no son explicadas, dejando al espectador con demasiadas dudas.

También es obligado destacar que aunque no estemos ante una película de gran presupuesto, no luce pobre y los contados efectos especiales y de maquillaje son de lo más realistas. Olivier Alfonso —“À l’intérieur”, “Les revenants”, etc.— ha sido su responsable y el resultado no podría haber sido mejor.

A Julia Ducournau se le concedió el premio de mejor directora novel, sin embargo, aunque estemos ante una directora con un personal sello, cabe decir que ya había codirigido una película en 2.012, por lo tanto estamos ante una directora “semi novel”, así que no le tendrían que haber dado el premio. ¡Qué puñetas! ¡Se lo merece!

Otro asunto que no dejó de rallarme desde que salió la lista de premiados por el festival, fue el hecho de que la pequeña Sennia Nanua ganase uno de los premios gordos del festival, el de mejor actriz por ”Melanie, the girl with all the gifts”, teniendo a su lado a una inmensa Glenn Close. Que ojo, lo hace sensacional, pero comparada con Garance Marillier, su trabajo no destaca tanto. Está muy bien que premios importantes vayan a jóvenes talentos, pero podrían crearse las categorías de actores y actrices noveles para evitar situaciones así. Aunque es cierto que igualmente habrían competido Nanua y Marillier, puesto que la francesa también debutaba en esta película.

Este premio no ha sido el único que la cinta ha ganado, también se ha llevado el “Méliès d’Argenta mejor película europea y elPremio del Jurado Carnet Jovea mejor película, siendo así una de las cintas más premiadas del festival.

En resumen, película muy recomendable, con interpretaciones de altura, una dirección magistral y ciertos toques de gore y violencia que no son lo que nos habían vendido, pero que provocan mal rollo.

 

LO MEJOR

  • Las excelentes interpretaciones de Garance Marillier y Ella Rumpf.
  • La intensa química entre estas dos actrices.
  • El ambiente crudo y realista.
  • El talento exhibido por Julia Ducournau en cada escena.
  • El maquillaje y efectos especiales.
  • La evolución de Justine, que va de tímida e ingenua a bomba sexual incontrolable para acabar en psicópata caníbal, y cómo está interpretada por Garance Marillier.

LO PEOR

  • La parte del canibalismo aparece de forma rápida y precipitada y no es explicada, dejando al espectador con demasiadas dudas.
  • La evolución de Justine en el apartado anterior, excesivamente rápida y poco creíble.
  • El exagerado hype creado ante unas escenas de canibalismo que ni son tantas ni para tanto.

LA ESCENA

  • Justine perdiendo la virginidad con su compañero de habitación.
  • La escena de la depilación.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 10): Melanie, the girl with all the gifts, de Colm McCarthy

Por Albert Sanz.

 

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Melanie, the girl with all the gifts
  • Año: 2.016
  • Duración: 111 min.
  • País: Inglaterra
  • Director: Colm McCarthy
  • Guión: Mike Carey
  • Fotografía: Simon Dennis
  • Reparto: Gemma Arterton, Glenn Close, Sennia Nanua, Paddy Considine
  • Productora: Poison Chef, BFI Film Fund y Altitude Film Sales
  • Género: Zombis, infectados, terror, ciencia ficción, drama, mutaciones

 

https://www.youtube.com/watch?v=HjGkB_oWTe0

 

melal4    Mi debut en este Sitges fue con esta película y además iba con una expectativa muy alta. Y es que si tenemos a un director —Colm McCarthy— especializado en televisión de calidad —“Sherlock”, “Los Tudor”, “Doctor Who”, “Murphy’s law”, etc.—, a un guionista — Mike Carey— que es además el escritor de la alabada novela que ésta película adapta, y el co-protagonismo de una siempre extraordinaria Glenn Close, y le sumamos lo huérfanos que estamos de producciones zombis de alto presupuesto para cines, está claro que estamos ante una de las películas de las que más se había hablado con anterioridad y que más ganas tenía de ver el público, que abarrotó todos los pases.

Además, como comenté en mi primer artículo del festival —introducción al mismo más la crítica de “31”—, en esta edición he visto una serie de películas con un marcado carácter femenino siendo “Melanie, the girl with all the gifts” una de ellas, en la que el peso dramático lo llevan las actrices en detrimento de sus compañeros masculinos, ya que ninguno de ellos interpreta a un personaje de peso en la trama.

 melal3   “En un futuro cercano, el Reino Unido ha sucumbido a la pandemia zombi. En Birmingham sobrevive una base militar fuertemente custodiada a cuyo frente está la científica del ejército, Caldwell, quien intenta buscar una cura. En la misma base conviven un grupo de niños que forman parte de una segunda generación de zombis, con el mismo apetito de sangre pero con conciencia, sentimientos y facultades mentales como los humanos. La profesora Justineau cree en su humanidad y se encariña de Melanie, la niña más sensible del grupo, pero la vida de ésta está en peligro ya que la doctora Caldwell ha descubierto que en su sangre reside la cura para el virus Z. 

Cuando la base es atacada, Caldwell, Justineau, Melanie y un grupo de soldados han de huir hacía otra base cercana. Y no tendrán más remedio que confiar en la niña y dejarla libre, ya que es la única que puede ayudarles a atravesar un territorio plagado de zombis, mientras descubren el horror que puede traer la tercera generación de infectados.”    

Lo cierto es que la sinopsis es muy sencilla, pero con todo lo visto, no vamos a pretender ahora buscar la originalidad. Más vale hacer algo de calidad de principio a fin que no hallar un camino original para luego perderse en su desarrollo (sí, hablo de “Swiss army man”, pero eso es otra historia). Y aunque este film peque en algunos momentos de previsible, no desarrolle casi nada a sus personajes y esté coprotagonizado con bastante desgana por Gemma Arterton (que curiosamente, ha trabajado mejor y estuvo más entregada en blockbusters palomiteros como “Hansel y Gretel: cazadores de brujas”, “Prince of Persia: las arenas del tiempo” o “Quantum of solace”), se ve con agrado, te mantiene en tensión, empatizas con los personajes y encima tiene un final tan inesperado como sorprendente.

melal5   Parte de lo bueno de la película radica en dos de las mujeres del trío protagonista. Glenn Close se sale de su zona de confort habitual para mostrarnos a una científica militar muy cabrona. No es un témpano de hielo como sugieren sus primeras escenas, pero está dispuesta a todo con tal de ayudar a la humanidad, aunque sea matando a un grupo de chiquillos. Y la pequeña Sennia Nanua como Melanie también demuestra ser toda una estrella en ciernes y una actriz a la que habrá que seguir atentamente. Sin embargo, creo algo exagerado por parte la organización haberle otorgado el premio de mejor actriz, ya que realiza una grandísima interpretación pero no increíble, y porque una vez vista la película, no queda claro quién es más protagonista en el trío Close-Arterton-Nanua.

También es obligatorio destacar la fotografía, con muchos tonos marrones y anaranjados que le dan una estética especial tanto a los paisajes desolados como a los llenos de zombis, y las referencias directas a “El día de los trífidos” y “El señor de las mocas” e indirectas a “Mad Max: más allá de la cúpula del trueno” (referencias que han sido criticadas por algunos pero que a mí me han parecido un acierto).

En definitiva, “Melanie, the girl with all the gifts” y su más que probable horrible título que le pondrán cuando se estrene en España (voto por “La divertida niña caníbal pasea por el campo”), no innova y peca de un desarrollo algo previsible, pero se ve con agrado, presenta a un joven valor como es Sennia Nanua, demuestra que Glenn Close es capaz de adaptarse a todo, tiene las mencionadas referencias que aportan algo de diferenciación, posee un marcado carácter femenino y su final es de esos que cuesta de olvidar, entre agridulce y sorprendente; por tanto, recomendación absoluta.

 

LO MEJOR

  • Ver a Glenn Close fuera de su zona de confort habitual y comprobar una vez más que es un seguro de vida para cualquier producción.
  • El aire de cine independiente pese a ser un blockbuster.
  • El descubrimiento de Sennia Nanua.
  • Poder ver diferentes tipologías de zombis.
  • El inesperado final.
  • Las referencias directas o indirectas a clásicos del cine y la literatura.
  • Que el trío protagonista esté interpretado por mujeres.
  • Que volvamos a disfrutar en cines de una película Z de alto presupuesto.

LO PEOR

  • Un desarrollo algo previsible.
  • Carencia de algunas escenas más de acción.
  • Que Gemma Arterton no haya aprovechado esta oportunidad y parezca que sobre cuando está junto a Close y Nanua.
  • La planicie de casi todos los personajes.

LA ESCENA

  • La presentación de los niños en la base militar.
  • Los últimos diez minutos.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 9): Hardcore Henry, de Ilya Naishuller

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Hardcore Henry
  • Año: 2.015
  • Duración: 95 min.
  • País: Rusia
  • Director: Ilya Naishuller
  • Guión: Ilya Naishuller y Will Stewart
  • Fotografía: Pasha Kapinos, Vsevolod Kaptur y Fedor Lyass
  • Reparto: Sharlto Copley, Danila Kozlovsky, Haley Bennett, Tim Roth, etc.
  • Productora: Bazelevs Production y Versus Pictures
  • Género: Acción

 

 

    En 2.013, un desconocido realizador ruso llamado Ilya Naishuller, dirigió el videoclip del tema “Bad motherfuckers” perteneciente a su propio grupo de rock indie, Biting Elbows, —enlace aquí—. El resultado fueron cinco minutos de pura adrenalina en los que veíamos cómo un tipo escapaba de un edificio con un objeto que permite teletransportarse, mientras era perseguido por decenas de sicarios. Disparos, explosiones, acción, artes marciales, carreras y saltos a lo parkour, violencia gratuita y mucho humor negro. Un resultado espectacular pero que no se habría convertido en viral de no ser porque estaba todo rodado en primera persona.

hh3   Tras el éxito del videoclip —casi sesenta millones de reproducciones entre YouTube y Vimeo— vinieron un par más en la misma línea y con ello una idea que le rondaba a Naishuller: el rodar la primera película en primera persona. O como se dice en jerga de videojuegos, un “first-person shooter”. Para plasmar su idea contactó con el director Timur Bekmambetov, defenestrado por la crítica por el nefasto remake de “Ben-Hur”, pero un tipo al que le atraen los retos y con una creatividad para la acción enormes, como demostró en ”Abraham Lincoln: Cazador de vampiros”, “Wanted: Se busca” y la reivindicable saga formada por “Guardianes de la noche” y “Guardianes del día”.

Con la producción de Bekmambetov y la dirección de Naishuller nació “Hardcore Henry”, un delirio de acción frenética que no da descanso. Y si bien la película fue estrenada en 2.015 —aunque nunca llegó a España—, y muchos ya la habían visto, lo cierto es que el pase del Auditori, en jueves y a las 16:45 (la hora “tonta” de después de comer), congregó a más gente de lo que podía imaginar.

No negaré que iba con miedo, puesto que no es lo mismo ver un videoclip de cinco minutos en este formato que una película entera. Si ya en ocasiones cansa el ver una película found footage, imaginad ese concepto llevado al extremo con un protagonista que prácticamente no deja de correr ni saltar durante todo el metraje. Y más en una sala con una pantalla de dimensiones épicas como es la del Auditori del Hotel Melià. Y con otro punto negativo como es el concepto mismo de película-videojuego, ya que no es lo mismo jugar a un videojuego que ver jugar un videojuego.

Sin embargo, reconozco que la experiencia acabó siendo emocionante y divertida; y a ello contribuye su sencilla pero atractiva premisa: “Henry despierta en un laboratorio sin recordar quién es. Tras un accidente, ha sido reconvertido en cyborg con aspecto humano por Stelle —Haley Bennett—, quien se presenta como su esposa. Sin tiempo a reaccionar y sin que se le haya podido instalar el módulo de voz, el laboratorio es atacado por Akan —Danila Kozlovsky—, un enigmático malo con poderes telequinéticos y su ejército de soldados, los cuales secuestran a Stelle. Henry entonces tendrá que huir y luchar por su vida mientras intenta recuperar a su mujer, siendo ayudado por decenas de tipos con la cara de Sharlto Copley”.

hh4    El desarrollo es simple: corre, salta, esquiva, dispara o golpea y mata. Igual que en un videojuego; pero el misterio de desconocer el pasado de Henry, el hecho de que el tal Jimmy —Sharlto Copley— no pare de morir ayudándolo y resucitando con otro aspecto y otra personalidad, el diseño casi de cómic del malo de turno, el humor presente y la aparición milimétricamente estudiada de clásicos del rock, convierten a “Hardcore Henry” en una puta obra maestra del cine de acción. Y ojo, tampoco diré que sea original, ni tan siquiera el videoclip de Biting Elbows lo es, puesto que ahí tenemos la genial escena en primera persona de “Doom” —Andrzej Bartkowiak, 2.005— en la que se homenajeaba al videojuego que presuntamente adaptaba, o el videoclip de The Prodigy, “Smack my bitch up” —1.997—; pero a día de hoy, “Hardcore Henry” lleva este concepto a un nuevo nivel y ya de paso, supera de pleno a las películas de acción que yo creía que eran la cumbre del frenesí y la locura, como son “Crank: Veneno en la sangre” y “Crank: Alto voltaje”.

Incluso aunque a alguien no le haya gustado, es imposible que no caiga rendido ante el virtuosismo técnico de toda la película. Los efectos especiales, carreras, saltos, coreografías, la ingente cantidad de extras que aparecen, la espectacular fotografía y montaje, etc., todo ello remite a una producción de una dificultad enorme y de la que me encantaría ver un making off. Pero no solamente se puede destacar el apartado visual, puesto que Sharlto Copley realiza un despliegue interpretativo que deja al mostrado en “Distrito 9” a la altura del betún, encarnando al menos diez personajes —llegó un momento en que perdí la cuenta—, cada uno de ellos con distintas personalidades, acentos y apariencia.

Hardcore Henry” es toda una experiencia que te deja pegado a la butaca.

 

LO MEJOR

  • Que el formato “first-person shooter” no cansa tanto como podía imaginar.
  • Sharlto Copley.
  • El cameo de Tim Roth.
  • El sentido del humor.
  • El creativo e inhumano despliegue técnico, al nivel o superior al del más caro blockbuster hollywoodiense.
  • La brutal fotografía y montaje.
  • El enfrentamiento final entre Akan y Henry.

 LO PEOR

  • Que el formato “first-person shooter” pueda ponerse de moda como pasó en su día con el “found footage” y empiecen a llegar mediocridad tras mediocridad.
  • No conocer el origen de Henry ni su destino tras el final de la película.
  • Quedarnos con la duda de la valía como director de Ilya Naishuller, en espera de que ruede una película “normal” con más diálogos y personajes.

LA ESCENA

  • La magistral secuencia inicial de créditos, combinando la elegancia de los créditos de las películas de James Bond con una violencia inaudita.
  • El baile entre Henry y los Jimmys (sí, en plural).
  • Toda la épica batalla final.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 8): Frankestein island, de Jerry Warren

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Frankestein island
  • Año: 1.981
  • Duración: 97 min.
  • País: USA
  • Director: Jerry Warren
  • Guión: Jerry Warren
  • Fotografía: Murray De Ately
  • Reparto: Robert Clarke, Steve Brodie, Cameron Mitchell, Katherine Victor, John Carradine, George Mitchell, etc.
  • Productora: Chriswar Films
  • Género: Terror, ciencia ficción, monstruos mutantes, caspa

 

https://www.youtube.com/watch?v=Vyqx-Nwa4vM

 

Visita a Brigadoon para ver un truñofilm. Lo cierto es que no conseguí acreditación para las películas que quería haber visto esa noche, pero aún así, pese a la caña de días anteriores conservaba energía para una dosis más, y teniendo en cuenta que todo lo proyectado en Brigadoon es gratis, pues para allí que fui. Aunque vamos, no es que me cueste mucho esfuerzo ver cine casposo.

Frankestein island” es una abominación audiovisual, con una premisa fruto de combinar sin pudor varios iconos del terror e ideas, un guión demencial, un desarrollo por momentos incompresible, interpretaciones nulas y un presupuesto casi inexistente. O sea, un maravilloso delirio y toda una joya que sólo podrán disfrutar los amantes de la caspa más avanzados, y que cuenta además con el dudoso honor de tener un 1.9 sobre 10 en la IMDB.

 fias3   “Un grupo de amigos aventureros realizan un viaje en globo cuando un accidente les obliga a aterrizar en una isla desconocida. Allí conocen a una tribu de mujeres amazonas que intentan sobrevivir al acoso y persecución de un par de viejos borrachos y un grupo de soldados de gran fuerza física, pero con las capacidades mentales mermadas para obedecer a sus amos. Los viejos llevarán a los amigos a una vieja mansión en la que vive Sheila Frankenstein, nieta del célebre doctor, que siguiendo la tradición familiar, trabaja en terribles experimentos.

    La doctora Frankestein intentará convencer a uno de los amigos que es médico para que le ayude a salvar a su anciano marido de doscientos años de edad y que se encuentra ya permanentemente postrado en la cama. Su marido, el doctor Van Helsing, cree que la clave para su recuperación está en mezclar la sangre de un humano sano al que tienen encarcelado con la de la tribu de amazonas, ya que éstas son descendientes de extraterrestres altamente avanzados que en tiempos pasados usaron la isla como base secreta en la Tierra.

  fias5  Mientras tanto, Sheila mantiene el cerebro intacto y con vida de su abuelo, el doctor Frankestein, y éste, tras alcanzar un nivel de conciencia elevado, es capaz de canalizar desde el más allá y desde el espacio poderosas energías que le permiten hablar, aparecer como un holograma y controlar todo lo que sucede en la isla y sus alrededores. Además, espera el momento en que su mejor creación, el monstruo de Frankestein original, que se encuentra atrapado bajo el mar cerca de la costa en una cueva subterránea, escape, y con la ayuda de su nieta y de Van Helsing, le sea reimplantado su cerebro en el cuerpo del monstruo y así pueda resucitar transformado en un ser inmortal de fuerza legendaria e inteligencia sin igual.”

WTF???????? ¿Cuántas drogas hay que consumir para idear una premisa de este tipo? ¡Y luego dicen que la saga “Sharknado” es una locura sin sentido! ¿Y esto qué es?

fias4   En fin, la cosa es que pese a la premisa deliciosamente absurda y delirante, la película tiene varios momentos de aburrimiento y largas escenas en las que no pasa nada con diálogos absurdos escritos para confundir al espectador, como la sobreactuada presentación del personaje de Cameron Mitchell, el preso al que usan como cobaya humana en los experimentos. Por fortuna, todo lo que se ven pantalla es de tan ínfima calidad (actuaciones, diseño de personajes, el monstruo de Frankestein, efectos especiales, decorados, la aparición de apenas un minuto del veterano John Carradine a pesar de ser nombrado en la carátula como el actor principal, etc.) que al final es imposible no echarse unas risas.

Concluyendo, sólo recomendable para amantes de la mierda con estética y sabor añejo o valientes que quieran introducirse en el submundo del cine de serie Z.

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La delirante y abarrotada de detalles premisa inicial.
  • Que pese a ser una producción de 1.981, tiene una estética y ambientación de los años 70 e incluso 60.
  • Que Katherine Victor como Sheila Frankestein tiene cierta clase y no lo hace del todo mal.

LO PEOR

  • Prácticamente todo.
  • Un desarrollo en algunos momentos aburrido.
  • La abultada trama da lugar a cierta confusión que por supuesto, no es explicada
  • Que para un único actor bueno que hay —John Carradine—, no aparezca más de un minuto y encima con su voz doblada.

LA ESCENA

  • La lamentable pelea entre los soldados y el monstruo de Frankestein contra el grupo de amigos protagonistas y sus aliadas amazonas.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 7): Fantasticozzi, de Felipe M. Guerra

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Fantasticozzi
  • Año: 2.016
  • Duración: 64 min.
  • País: Italia
  • Director: Felipe M. Guerra
  • Guión: Felipe M. Guerra
  • Fotografía: Martina Dreyer y Felipe M. Guerra
  • Reparto: Luigi Cozzi, Dario Argento, Eliseu Demari, Felipe M. Guerra, etc.
  • Productora: Fantaspoa Produções
  • Género: Documental

 

https://www.youtube.com/watch?v=P43dowfdaqU

 

El miércoles 12 hice doble visita a Brigadoon, y las dos fueron para encontrarme con la misma persona, el gran Luigi Cozzi. Tal y como expliqué en la crítica de “Blood on Melies moon”, el realizador italiano ha visitado el festival para presentar su última producción, y a su vez, la organización decidió proyectar en el mismo día este documental.

fatz4  Con dirección y guión del brasileño Felipe M. Guerra, “Fantasticozzi” —rodado en italiano— permite a Cozzi hablar de sí mismo, de su estrecha relación con Dario Argento, del modo de rodar cine de guerrilla y por supuesto, de su obra cumbre, “Starcrash: choque de galaxias“, una descarada explotation de “Star Wars”, icónica entre los amantes de la caspa y que supuso un enorme éxito mundial al contar con estrellas de talla internacional como Christopher Plummer, Caroline Munro y ¡¡David Hasselhoff!!

El documental también permite explicar al director su obsesión por la ciencia ficción y la fantasía. Ya desde la infancia le encantaban estos dos géneros y su sueño era convertirse algún día en director de este tipo de películas. Lo consiguió, pero a lo largo de cuatro décadas se ha enfrentado a presupuestos ajustados, productores mafiosos y mutilaciones de guión en contra de sus deseos. Su historia, contada a través de sus películas, es la historia de una lucha por rodar unos géneros en un país con poca tradición e interés en ellos.

fatz5   “Fantasticozzi” resume una docena de horas de entrevistas a Cozzi y muestra una gran cantidad de material de sus películas, en ocasiones inédito. Así, podemos ver muchos de sus desconocidos cameos como figurante o secundario en películas de Dario Argento o Mario Bava y se nos da a conocer la manera de trabajar en el cine low cost italiano de los 60 y los 70.

El resultado, pese a ser una única persona hablando todo el rato, es muy divertido y entretenido, ya que Cozzi siempre ha tenido un gran sentido del humor, y pese a que algunas de las cosas de las que habla son duras e incluso tristes, lo hace siempre de forma simpática.

Una buena forma de conocer los entresijos del cine italiano fantástico.

 

LO MEJOR

  • Conocer de primera mano de uno de sus referentes, el fantástico italiano del pasado siglo.
  • El humor y optimismo que siempre derrocha Cozzi.
  • Saber detalles hasta ahora desconocidos de Caroline Munro, David Hasselhoff y del rodaje de la mítica “Starcrash: choque de galaxias”.
  • Ver extractos de sus películas, algunas de ellas casi imposible de localizar.

LO PEOR

  • Que el documental esté protagonizado casi en exclusiva por él mismo y apenas salgan otras voces hablando sobre él.

LA ESCENA

  • Cualquier momento en el que Cozzi salga hablando de su obra cumbre, “Starcrash: choque de galaxias”.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 6) Cine Basura: La peli

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Cine Basura: La peli
  • Año: 2.016
  • Duración: 88 min.
  • País: España
  • Director: Paco Fox y Miguel Ángel Viruete
  • Guión: Fernando Hugo y Rodrigo Blanco
  • Fotografía: Christina Moerrath
  • Reparto: Paco Fox, Miguel Ángel Aijón, Natalia Alvarez-Bilbao, Agustín Jiménez, Amarna Miller, etc.
  • Productora: Pecker Audiovisuals
  • Género: Caspa, comedia, ciencia ficción, fantasía, acción, videojuegos

 

https://www.youtube.com/watch?v=jncwDmjPfcA

 

En el anterior artículo os hablé del programa de televisión que se emitía en Canal + Xtra llamado “Cine Basura” y de sus ediciones en directo durante el festival. Os remito a esa entrada para que podáis entender la génesis de este proyecto. Y es que si te pasas muchos años hablando de y analizando aberraciones audiovisuales, al final pueden ocurrir dos cosas: que enloquezcas o que quieras ponerte a dirigir una película mala.

Y esto último es lo que le pasó a Paco FoxMiguel Ángel Viruete —hermano de José Viruete, co-creador de “Cine Basura”—, que al final su nivel de casponita interior creció hasta tal punto que amenazaba con destruir el continuo espacio-tiempo, por lo que se pusieron manos a la obra para traer al mundo “Cine Basura: La peli”, todo lo que los fans de la roña visual anhelábamos que sucediera. ¡Por fin una película casposa española!

Y así fue como nació gracias a una campaña de crowfunding este entrañable ñordo que contiene todo lo negativo que se le puede achacar al cine de serie Z o cine casposo, pero que también ha sido hecho con amor y con mucho más esfuerzo de lo que uno pueda imaginar.

sf4“Dos video bloggers tienen un accidente tecnológico casero, por el cual se abre un portal dimensional que les absorbe y les hace aparecer en medio de la mítica película de serie Z “Manos: The hands of fate”. Tras sobrevivir como pueden, consiguen volver su dimensión. Lejos de estar tranquilos, al regresar comprueban como la cutrez ha invadido el mundo amenazando con destruir el universo. Todo lo que es habitual en el cine casposo se está mostrando en la realidad: zombis, ninjas, dinosaurios, freaks de todo tipo, cromas horribles, F/X de saldo, etc.

Los dos video blogger con la ayuda de una amiga deberán, usando sus vastos conocimientos de cine malo, salvar a la humanidad y al universo de la invasión de la cutrez.”

Sencillamente brillante. Esta genial premisa sirve para hacer un alocado homenaje al cine de serie B y Z; así que la cosa es más profunda y seria que la de “una comedia chunga más”. En verdad, destila amor y pasión por una forma de hacer cine basada en la carencia de talento y presupuesto (no siempre, que también existe la caspa de altos vuelos), pero ojo, que aunque yo esté en contra de la existencia de la caspa intencionada, también admito que hacerlo de este modo, en plan homenaje con referencias continuas, un equipo de gente no profesional y contando con un presupuesto limitado, tampoco puede ser tan fácil.

Y es que el resultado final de los guionistas Fernando Hugo y Rodrigo Blanco y los directores Paco Fox y Miguel Ángel Viruete ha acabado siendo muy divertido y no tan horrendo como podría parecer. Hay mil y unas referencias, tenemos cameos de personalidades del mundo de la caspa española y de la adorable actriz porno Amarna Miller, Natalia Alvarez-Bilbao, que además de pibonazo es una buena actriz, pese a haber rebajado su nivel interpretativo para la ocasión se le sigue notando un enorme carisma escénico (o dicho a modo de “ranciofact”: “enamora a la cámara”) y Paco Fox sorprende, porque aún no actuando y haciendo de Paco Fox, no pierde chispa y se le ve cómodo en la situación. Todo lo contrario a Miguel Ángel Aijón, el otro coprotagonista, que pese a mostrar química con sus compañeros, no destaca mucho por sus habilidades interpretativas (pero que hablando de cine casposo puede decirse que esto es una virtud).

sf3  Sin embargo, la película muestra un problema de fondo, y no tengo muy claro si es la falta de experiencia en un proyecto de esta índole o si ha sido algo buscado, y es que la cantidad de referentes que aparecen forman parte de chistes, gags, secuencias cómicas o como queráis llamarlo, y parece que la risa deba aparecer por acumulación de chorradas y no porque éstas sean graciosas de verdad. O sea, que si al final hiciéramos un listado de todos los momentos cómicos, veríamos que no nos hemos reído con tantos. Pese a esto, es imposible no mencionar la escena en que el trío protagonista se introduce en un videojuego de aventura gráfica noventera tipo “Day of the tentacle”. Una escena de animación con un nivel técnico notable y que hace gala de un humor ingenioso. Lástima que la cinta no haya podido mantener ese nivel de comedia como lo mostrado en la mencionada escena, aunque por otra parte, si lo hubiese conseguido estaríamos hablando de una comedia que pasaría a los anales de la historia por su calidad, y se supone que eso no debe suceder si estamos hablando de cine cutre.

También podría achacar como algo negativo la cantidad de referentes que aparecen y que no siempre son muy evidentes, lo cual obliga a tener que ver la película más de una vez. Pero también es cierto que la persona que se acerque a un producto de este tipo es porque le mola el rollo y tiene la resistencia suficiente como para repetir, por lo que podría considerarse como positivo el hecho de que la película te obligue a repetir su visionado.

En conclusión, sus creadores han conseguido un bonito homenaje al cine cutre y que pese a su alocado desarrollo, el humor por acumulación de gags y querer imitar a lo peor de ese cine, ha terminado siendo un proyecto ni tan cutre ni tan malo, demostrando que hay madera en ese equipo de guionistas y directores para intentar acometer en un futuro un proyecto “más serio”.

Aunque como amante de la caspa, no sé si es lo que querría que sucediera.

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La premisa explicada en la sinopsis. Absolutamente brillante.
  • Natalia Alvarez-Bilbao.
  • La siempre adorable presencia de Amarna Miller.
  • La cantidad de referencias y homenajes.
  • Los cameos de personalidades relacionadas con la caspa española.
  • Que Paco Fox haga de Paco Fox en una película con argumento y aún así quede divertido y natural.

LO PEOR

  • Las referencias y homenajes no siempre son tan evidentes, por lo que obliga a verla más de una vez.
  • Diálogos ridículos y efectos especiales lamentables.
  • Que el humor funcione por acumulación de gags en vez de centrarse en unos cuantos menos mejor trabajados.
  • Que como buena película española, no haya la consabida escena sexual.

LA ESCENA

  • Los protagonistas dentro de un videojuego.
  • La ingeniosa aventura en “Manos: The hands of fate”, combinando planos de la misma película con otros que la recrean.
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