La Tierra permanece, de George R. Stewart (Gigamesh Ficción)

Buenas tardes, mis queridos Lectores Ausentes.

Volvemos a la carga y puesto que hoy toca hablar de libros, nos hemos decantado con otro gran clásico de la literatura de ciencia ficción que estos días ha vuelto a ocupar el lugar que le corresponde en las librerías.  La Tierra permanece, de George R. Stewart,  es un título que los lectores más curtidos tenemos en un pedestal, pero que quizás a alguno de vosotros le resulte desconocido, ya que pese a ser uno de los imprescindibles dentro del género, por alguna extraña razón nunca ha obtenido el mismo reconocimiento popular que sus homólogos “Un Mundo Feliz” o “1984“. Por fortuna para todos, la editorial Gigamesh acaba de reeditar esta maravilla en su colección Ficción, permitiéndonos recuperar de este modo una joya que todos deberíais leer.

ltpg1Si hay algo que cabe destacar de La Tierra Permanece, es sin duda su singular perspectiva de lo que sería un futuro post-apocalíptico y lo que significaría ello para la raza humana. Entre tantas y tantas obras escritas sobre el tema, esta fue la primera en ofrecernos una imagen distinta a la que tenemos por costumbre.

Por lo general, todos los relatos sobre la caída de la civilización siguen una constante: El superviviente no olvida quien es y lucha por recuperar ese status de hombre civilizado a pesar de las circunstancias. Tras el primer shock inicial frente al desastre,  la premisa es que el protagonista utiliza todo aquello que puede serle útil para sobrevivir y tiempo después, cuando logra una relativa seguridad y asume la realidad de su situación, su principal objetivo es restaurar en la medida de lo posible el modo de vida anterior al desastre, aunque sea a largo plazo. Emplea los conocimientos que la raza humana ha adquirido a lo largo de su historia en todos los ámbitos posibles y se vale de ellos para empezar desde lo mínimo para ir cada vez a mejor. La ciencia, la mecánica, la agricultura, por citar solo algunas de las áreas en las que el saber, lo aprendido a lo largo de los siglos, es la esperanza para el resurgir de la raza y de la sociedad.Y he aquí donde radica la diferencia a la que me refería.

El personaje principal, Isherwood Williams,  está en las montañas del norte de California, cuando sufre un inesperado accidente que lo mantendrá totalmente incomunicado. Mientras permanece aislado, una mortal epidemia ha sido capaz de erradicar la práctica totalidad de la humanidad. Una plaga a la que tan solo sobrevivieron aquellos naturalmente inmunes o que como en su caso, se hallaban sin contacto con el resto del mundo por ciertas circunstancias inusuales.

Cuando Ish logra recuperarse y volver a la civilización, se encuentra con que la sociedad ha dejado de existir y que tan solo unos pocos individuos como él han logrado seguir vivos. Sin nada mejor que hacer y reticente a asentarse y unirse a los pocos supervivientes con los que se topa al principio, decidirá recorrer el país intentando comprender lo ocurrido, lo que le llevara a toparse con retos y situaciones que el hombre ordinario no habría imaginado jamás, y que le harán plantearse cuál es el futuro que les aguarda.

A lo largo de las tres partes del libro, que coinciden con las tres edades del hombre (juventud, madurez y ancianidad), veremos cómo Ish es testigo, guía y leyenda viva en ese  nuevo mundo  que se forja a partir de la destrucción de la civilización.

En su vagabundeo,  va encontrando con toda una serie de personajes con los que finalmente decidirá formar piña e incluso formar una familia, bastante atípica, pero funcional. Y es a partir de este hecho cuando la novela empieza a dar lo mejor de sí misma.

Ish logra su propósito de formar un asentamiento y todo parece ir bien al principio. Pero para su pesar, a medida que pasa el tiempo todos los esfuerzos por preservar lo que el llama “el ser civilizado“,  va resultando cada vez más una utopía y parecen inútiles. No logra que el resto del grupo, de su clan,  se preocupe en intentar recuperar el legado de la sociedad, ni por levantarla ni por recuperar lo poco que ha quedado de ella. Nadie se preocupa por intentar recuperar infraestructuras, ni de mantener las aun existentes. Los pocos supervivientes parecen haber aceptado su condición de simples seres vivos y no tienen más ambición que el ir tirando, sobrevivir un día más con lo que ya tienen y adaptándose a las circunstancias tal como van surgiendo.

Nada importa que el conocimiento se pierda, que los libros se quemen o acaben destruidos por las inclemencias. No importa si las matemáticas, la literatura, las ciencias ni el arte acaban en el pozo del olvido. Solo existe el “aquí” y el “ahora” y la única ambición es cubrir las necesidades básicas. Una especie de retroceso, que supone dejar atrás el concepto de sociedad y asimilar poco a poco el de tribu.

Pasan los años y es evidente una cosa: El ser humano está destinado a involucionar, olvidando la electricidad, la gasolina y la televisión y recuperando el arco y las flechas, lo que a la larga significara que hombres vestidos con pieles volverán a cazar en las grandes praderas, del mismo modo que antaño lo hacían sus antepasados. “Nativos americanos´´, curiosa expresión… Y una herramienta, un simple martillo, convertido en un símbolo, en un talismán, en un objeto de poder.

ltpg2Es ahora cuando debemos responder a la gran pregunta que se nos plantea a lo largo del texto y que nos hace reflexionar y cuestionarnos que significa realmente y cuál es el propósito de lo que llamamos sociedad, ya que viendo las circunstancias a las que se enfrentan los personajes:¿Es preferible abandonarse al destino, a la mera supervivencia, a conformarse con lograr cazar algo que llevarse a la boca y tener un lugar seco donde dormir,  o debería imperar la lucha por organizarse y levantar nuevamente una civilización sobre las ruinas y conocimientos de la antigua?

La Tierra Permanece es, sin lugar a dudas,  una de las obras más sugerentes y originales del género, de las pocas que son capaces de dejar una huella tan profunda en el lector, de obligarle a pensar y posicionarse. Se trata de una narración apta para cualquier tipo de lector, incluso para aquellos que no son aficionados a este tipo de temáticas y me atrevería a decir que especialmente indicada para ellos. Intensa, absorbente, filosófica en muchos aspectos, solo puedo decir que no habéis leído algo tan bueno en mucho, mucho tiempo…

Gracias a Gigamesh por haber rescatado este título, por haberle hecho ese lavado de cara tan necesario y por permitirnos a todos volver a disfrutar de él.

 

La Tierra Permanece

George R. Stewart

Traducción: Lluís Delgado

Editorial: Gigamesh

ISBN: 9788416035434

Páginas: 344 páginas

PVP: 22.80€

http://tienda.cyberdark.net/la-tierra-permanece-n301.html

 

 

CINE: Mad Max, furia en la carretera, de George Miller

Un artículo de Mitsuko C.

 

Título original: Mad Max: Fury Road

Año: 2015

Duración: 120 minutos

País: Australia

Director: George Miller

Guión: Nick Lathouris, Brendan McCarthy, George Miller

Música: Junkie XL

Fotografía: John Seale

Reparto: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Zoë Kravitz, Angus Sampson, Rosie Huntington-Whiteley, Riley Keough, Nathan Jones, Abbey Lee, Josh Helman, Courtney Eaton

Productora: Coproducción Australia-EEUU; Kennedy Miller Productions / Icon Productions

Género: Ciencia ficción, acción

Web oficial: http://www.madmaxmovie.com/

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=gqXEQ0nJ_OQ

Sinopsis:

“Max Rockatansky, vive en un mundo que no es el que conocemos: La gasolina y el motor son los nuevos dioses. En este caso, Max se verá envuelto en una nueva aventura donde Imperator Furiosa, es la clave para cambiar el nuevo orden establecido.”

Premios:

2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (Fuera de Concurso)

Muy buenas Incoherentes. Sé que lo sabíais, sé que sabíais que iba a reseñar “Mad Max”, ya que es una de esas entregas que esperas con pasión y anhelo, y más cuando te has tragado las tres ediciones anteriores como si no hubiera un mañana, catalogando al “Loco Max”, como uno de los tíos más molones de la tierra.

Por mi parte he intentado evitar tráilers y teasers en la medida de lo posible, para no ir con ningún tipo de expectativa, a pesar de saber que el director de la saga sigue siendo George Miller y que el actor elegido para interpretar a Rockatansky, es Tom Hardy, un chavalín que me gusta mucho oiga, al igual que la espectacular Charlize Theron.

Hay muchos puntos innegables y destacables en esta cuarta entrega:

-No es un remake, ni una precuela. Es una historia dentro del universo “Mad Max”.

-La verdadera protagonista de la historia es Imperator Furiosa.

-El rescate de actores de otras entregas en plan “cameo” para esta cuarta entrega es de agradecer, hablamos de “Inmortan Joe”.

-Los tres guiños, clarísimos, a cada una de las pelis anteriores durante el metraje son deliciosos.

-La acción es trepidante y consigue que la adrenalina se dispare hasta límites insospechados.

-El guión, a pesar de ser simple, funciona.

-Esta es, sin duda, la parte más LOCA de toda la saga.

Es, sin lugar a dudas, una entrega que merece ser vista en pantalla grande y bien cerquita, además ya tenemos la confirmación de otra parte más: “Mad Max: En Tierras Baldías”, y ¿recordáis quién es el señor de las Tierras Baldías?…

En pocas palabras, tenemos “Mad Max”, para rato.

CINE: Blade Runner, de Ridley Scott.

Un artículo de Mitsuko C.

Título original: Blade Runner

Año: 1982

Duración: 112 minutos

País: EEUU

Director: Ridley Scott

Guión: David Webb Peoples, Hampton Fancher (Novela: Philip K. Dick)

Música: Vangelis

Fotografía: Jordan Cronenweth

Reparto:, Brion James, Joe Turkel, M. Emmet Walsh, William Sanderson, James Hong, Morgan Paull, Hy Pyke

Productora: Warner Bros Pictures

Género: Ciencia ficción

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=eogpIG53Cis

Sinopsis:

“La poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de “Replicante”. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus 6, los replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba, retiro.” (Extracto de la introducción de la misma película)

Muy buenas Incoherentes, como no podía ser menos tenía que aprovechar este reestreno en cines, de la mítica “Blade Runner” para contaros algunas de las curiosidades que encierra esta peli de culto. Si sabéis de alguna más, ni lo dudéis y ponedlo en los comentarios, ¡ahí vamos!:

-“Blade Runner” es una adaptación muy “free” del libro de Philip K. Dick: “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”. Estas son las diferencias:

LIBRO     PELÍCULA

Se desarrolla en una despoblada San Francisco

Los Ángeles, año 2019, superpoblada

 

 Las creaciones son del modelo Nexus 6, en ambos casos, pero aquí se les denomina androides,  y en modo despectivo “andrillos”

 El nombre que reciben es el de replicantes y despectivamente “pellejudos”

 

Es de gran importancia social poseer animales vivos auténticos

        No tiene ninguna relevancia, de hecho es ilegal

 

El primer androide descubierto por Rick Deckard es una cantante de ópera

            El primer replicante descubierto          por Deckard es una bailarina de un club nocturno

 

Deckard se preocupa únicamente por la adquisición de un animal vivo y está casado

      Deckard es un hombre que se   interroga por el sentido de la vida, sobre el miedo y la muerte. No tiene pareja

 

Roy Batty no es un modelo de combate

    Roy Batty es un modelo de combate y el líder del grupo

 

La ambientación es deprimente, una visión futurista absolutamente nefasta

  La ambientación es algo más optimista   que en el libro, resaltada al final cuando   Deckard y Rachel huyen en la primera   versión por un paisaje limpio y luminoso

 

John R. Isidore es el nombre que recibe J.F. Sebastian y no es asesinado

    Sebastian, muere a manos de Roy Batty

 

La empresa que crea los androides es la “Rosen Association

      La empresa es la “Tyrell Corporation

 

-El título de la película se llamó así porque Ridley Scott buscaba un nombre comercial y el guionista Hampton Fancher se encontró con una copia de “Blade Runner: A movie” (un tratado de cine escrito por William S. Burroughs), así que se hicieron con los derechos del mismo.

-El test “Voight-Kampff” con el que da comienzo la película no existe. Se trata de un test de empatía extraído de la novela de Philip K. Dick (hay una app para IPhone)

-En la película “El Sexto Día”, se repite la frase que se utilizó durante la escena de la prueba de “Voight-Kampff”.

-Existen actualmente hasta siete versiones del clásico, la última, el montaje final (The Final Cut) de 2007 y 2008 cuando cumplía 25 años de su estreno:

1. Versión previa de 1982
Un reducido número de personas de ciudades como Denver y Dallas fueron los privilegiados que tuvieron ocasión, en Marzo de 1982, de ser los primeros en visionar Blade Runner en modo prueba.

Esta versión, que sólo servía para recabar opiniones del público y ver qué partes funcionaban mejor y peor, obtuvo malas críticas. Esto provocó que los productores decidieran realizar cambios (ya sospechaban que la oscuridad y densidad argumental que impregnaba la película no sería sencilla para que el público la recibiera bien)

Como detalle, no se incluía el famoso “final feliz”, aunque sí mantenía la voz en off (aunque no en versión completa sino reducida; la voz en off se ampliaría y esa es la versión que proyectaría meses después)

2. Versión mostrada en la ciudad de San Diego (1982)
Muy similar a la anterior. Tuvo lugar en mayo de 1982 justo un mes antes de que se estrenara oficialmente la película ante el resto del país. Esto significa que EEUU vio “Blade Runner” después de los afortunados que asistieron a este evento previo y donde había 3 escenas que se recortaron después.
3. Versión 1982 (EEUU)
Muchos siguen pensando que es la mejor de todas las versiones. Es la que dio como resultado el montaje con los recortes impuestos por los productores.

En ella no aparece la escena del unicornio, mientras que se añadieron múltiples voces en off que narraban secuencias que ya estábamos viendo como espectadores.

La redundancia de las mismas le restaba magia al conjunto pero además las mayores críticas de los fans y del propio Scott es que los productores obligaron a dejar el final feliz de la historia.

4. Versión de 1982 (Internacional)
Es prácticamente similar a la versión norteamericana pero con matices: tres secuencias de acción que incluyen algo más de violencia. Se distribuyó en Europa, Australia y Asia.
5. Versión de 1986 (EEUU)
Es casi exacta a la estrenada también en EEUU en 1982, aunque con dos minutos suprimidos con escenas de violencia. Se pasó de 116 minutos a 114.
6. Versión de 1992
El décimo aniversario de la película sirvió de excusa para que saliera a la luz la llamada versión “Director’s Cut”, que al final, por desgracia, no lo fue tanto. Scott quería incluir un montaje sin ataduras por parte de los productores, recuperando las secuencias que quedaron en montaje diez años atrás.

Es decir, quería incluir su secuencia del sueño del unicornio, además de la eliminación del “final feliz” y hasta trece diálogos de Deckard en off, por ser sobre explicativos. Aún así, la falta de tiempo y dinero y el trabajo que estaba Scott realizando para “Thelma y Louise” le impidieron realizar a la perfección la historia que había querido contar desde un principio.

7. Versión de 2007
Así llegamos a la última versión de la película hasta la fecha. Esta es la que se reestrena ahora en cines. La llamada “The Final Cut o Montaje Definitivo”. Aquí, Scott sí toca y arregla digitalmente errores que le habían acontecido en el pasado y mejora la cinta que quedó algo incompleta en 1992. Por ejemplo, los labios de Deckard en una secuencia junto al vendedor de serpientes, o la recomposición del rostro de Joanna Cassidy, que sustituye al de la actriz especialista de una de las secuencias de acción. Repetimos, sin miedo a decirlo, que es la versión que Ridley Scott considera más suya y para él es “la definitiva”.

-Existe una réplica en Lego del Spinner (mítico coche de la película). La fábrica de Lego le obsequió con este regalo a Syd Mead, diseñador de los automóviles en la cinta.

-La fecha de su estreno en 1.290 salas de cine, el 25 de junio de 1982, fue escogida por el productor Alan Ladd debido al éxito obtenido con anteriores producciones como “Star Wars” o” Alien”.

-El estreno en España se produjo el día 14 de Enero de 1983 en Barcelona en el cine “Novedades”, y el 31 de Enero de 1983 en Madrid en el cine “Avenida”.

-Ese mismo mes se estrenó “ET”, por lo que finalmente la mayor recaudación se la llevó la película de Spielberg.

-Hay dos juegos de PC basados en la película, uno para Commodore 64 y ZX Spectrum de CRL Group PLC, y otro para PC de Westwood Studios. “Perfect Dark”, de la N64 se inspiró en “Blade Runner” también.

Ridley Scott llevaba consigo una foto de la famosa obra del pintor Edward HopperNighthawks“, para mostrársela durante el rodaje a sus compañeros para darles una noción de la atmósfera que quería crear para el film.

-Los replicantes experimentan a lo largo del film una curiosa evolución emocional “in crescendo”:

1) Deseo de vivir

2) Deseo de libertad, rebeldía

3) Ira, odio, frustración, agresividad

3) Miedo

4) Deseo de identidad

5) Grupalidad, compañerismo

6) Deseo, amor romántico

7) Tristeza, lástima, dolor moral

8) Piedad, amor al prójimo, incluso hacia el enemigo. La escena final introduce en cierto componente “cristianoide” en la evolución descrita. Esta secuencia de emociones se puede relacionar o bien con la evolución personal de cada humano, o bien con la evolución histórica de la Humanidad.

-El simbolismo del ojo es muy importante durante toda la película: El ojo que se ve en la escena inicial, los ojos son usados en el test “VK”, Tyrell usa cristales gruesos para hacer sus ojos más grandes, Roy juega con unos ojos en un bote en el apartamento de Sebastian, los ojos de búho se muestran varias veces…

-Un modelo de la nave “Dark Star”, del film homónimo, fue usado también como un edificio. Puede verse detrás del cartel de Asain, en la escena en donde la nave de Gaff se aproxima al edificio de la policía.

-El arma que usa Deckard es un rifle Austrian Steyr/Mannlicher con acción de seguro, pero sin la empuñadura y el cañón originales, dejando solo el recibidor. Una nueva empuñadura fue agregada como efecto.

-En julio de 2000, finalmente el director Ridley Scott reveló que Deckard es, definitivamente, un replicante. Harrison Ford lo niega (pero debemos recordar la escena del apartamento cuando Deckard se lava la cara delante de Rachel, no digo más)

-Todos los replicantes tienen los ojos claros, incluso Rachel, que los tiene de un color miel.

-En el apartamento de Deckard aparece multitud de mobiliario de los años 40. Las paredes son baldosas de la ¨The Ennis House¨ de Frank Lloyd Wright y hay muebles como una silla baja con respaldo alto que fue vista en la última escena de ¨Saló¨ de Passolini (en esa silla se sientan los ¨señores de la casa¨ para ver con prismáticos las ejecuciones de los muchachos seleccionados para tal efecto)

-El número de serie de cada replicante suma sus características, por ejemplo: Leon es “N6MAC41717”, que es Nexus-6, Masculino, físico-A, gnosis-C y fecha de creación 4/17/17 (mes 4, día 17, año 2017)

-Salió un Soundtrack de la película con la excelente música de Vangelis, pero, a diferencia de otras producciones, este no fue lanzado junto al estreno de la película, vio la luz dos años después.

-Cada personaje está asociado a un animal diferente:

Leon – tortuga

Roy – lobo – paloma

Zhora – víbora

Rachael – araña

Tyrell – lechuza

Sebastian – ratón

Pris – mapache

Deckard – pez -unicornio.

-Alguien reparó en que cierto número de las compañías cuyos logos aparecían en el filme tuvieron dificultades financieras después del estreno y se habló de la “Maldición de Blade Runner”. Atari tenía el 70% del mercado de consolas en 1982, pero sufrió pérdidas por más de 2 millones de dólares en el primer cuatrimestre de 1991. Bell perdió su monopolio en 1982. Pan-Am se declaró en quiebra en 1991. En 1982, Coca-Cola lanzó su “nueva fórmula”, perdiendo millones de dólares. Sin embargo, esta compañía ha experimentado desde entonces el mayor crecimiento de cualquier empresa americana en la historia. Cusinart se declaró en bancarrota en Julio de 1989.

Constantino Romero dobló al replicante Roy Batty y viendo un pase en televisión de la película, el hijo de Constantino le preguntó a su padre si esa voz era la suya y Constantino después de pensar un rato le dijo que sí, que creía que era su voz. No recordaba haber doblado “Blade Runner“.

-El texto completo del anuncio callejero que puede escucharse mientras Deckard espera su turno en el bar que sirve fideos es el siguiente:

Una nueva vida lo espera en las colonias del espacio exterior. La oportunidad de volver a empezar en una tierra dorada de oportunidades y aventura. Nuevo clima, facilidades recreativas… Completamente gratis. Use a su nuevo amigo como sirviente personal o un incansable trabajador de la tierra. El humanoide replicante genéticamente diseñado y vestido a la moda diseñado especialmente para satisfacer sus necesidades. Así que sigamos adelante, América, pongamos a nuestro equipo allá arriba…

En el corte del director se agrega: “Este aviso es patrocinado por la Corporación Shimato Domínguez – Ayudando a América en el nuevo mundo“.

-La foto de Rachel con su madre, tiene un efecto de movimiento cuando Deckard la mira.

Harrison Ford ha asombrado a sus fans y a los amantes del cine en general, al declarar que la magistral “Blade Runner”, que protagonizó en 1982 no le gusta: “Mi personaje era un detective que no tenía nada que investigar. No llegué a identificarme con la historia en ningún momento“.

-El departamento de Sebastian está lleno de criaturas, parte humanas, parte máquina y parte animal. Hay un unicornio relleno en la mesa de trabajo (a la derecha de la pantalla, mientras los ratones se escabullen encima de la parafernalia diseminada mientras Sebastian duerme)

-En la escena donde Deckard y Gaff se aproximan a la central de policía en una nave, se puede ver disimulado, un modelo del “Halcón Milenario” que Harrison Ford usó en “Star Wars“, en el rincón inferior izquierdo de la pantalla.

-Cuando Gaff le habla a Deckard en el restaurante chino lo hace en húngaro, diciéndole: “Azonnal kövessen engem” (Sígueme inmediatamente), “Lófasz” (“Mierda”, pero en un sentido mucho más grosero) y “Nehogy mar, te vagy a Blade Runner,” (Sin duda, tú eres un Blade Runner); después de estas frases, cambia a otro idioma. Se dice que en algún momento se habla en “esperanto”.

-Todos los replicantes son llamados por sus nombres, mientras que los humanos son llamados por sus apellidos.

-Leon le dispara a su entrevistador cuando éste le pregunta sobre su madre. El tema de las “madres” siempre es aludido por Ridley Scott en sus películas, de una forma o de otra.

-El concepto de inmortalidad tiene obvias asociaciones en la posterior confrontación entre Tyrell y Batty. En un plano, el juego de ajedrez representa la lucha de los replicantes contra los humanos: los humanos consideran a los replicantes como peones que son removidos uno a uno. Los replicantes individuales (peones) intentan volverse inmortales (una reina). En otro plano, el juego entre Tyrell y Sebastian representa a Batty acechando a Tyrell. Este comete un error fatal en el juego de ajedrez, y otro error fatal tratando de razonar con Batty.

Y si queremos saber qué partida se está jugando concretamente es esta: La conclusión de un juego disputado entre Anderssen y Kieseritzky en Londres, en 1851, que es considerado como uno de los más brillantes de todos los tiempos, y se conoce como “El Juego Inmortal“. Su expresión algebraica: 1 e4 e5 2 f4 exf4 3 Bc4 Qh4+ 4 Kf1 b5 5 Bxb5 Nf6 6 Nf3 Qh6 7 d3 Nh5 8 Nh4 Qg5 9 Nf5 c6 10 Rg1 cxb5 11 g4 Nf6 12 h4 Qg6 13 h5 Qg5 14 Qf3 Ng8 15 Bxf4 Qf6 16 Nc3 Bc5 17 Nd5 Qxb2 18 Bd6 Qxa1+ 19 Ke2 Bxg1 20 e5 Na6 21 Nxg7+ Kd8 22 Qf6+ Nf6 23 1Be7 Checkmate (si lo habéis entendido, gallifante :D)

-En la escena en la que Deckard está sentado dando la espalda a un escaparate con unas letras en chino, este ideograma significa “origen”.

Dustin Hoffman rechazó hacer el papel de Deckard.

-La pantalla del PC en el spinner de la policía muestra la misma sucesión, con la palabra “purga” que el ordenador denominado Madre en la nave Nostromo de la película “Alien: El Octavo Pasajero” (también dirigida por Ridley Scott).

-El edificio usado en la escena de la persecución final entre Deckard y Roy, el Bradbury, era el mismo edificio usado en 1964, en un episodio televisivo titulado “El hombre de las manos de cristal“, protagonizado por Robert Culp.

-Las heridas de Zhora aparecen antes del sonido de las balas de la pistola de Deckard.

-La música de la partitura que Rachel lee no es la misma que la canción que después toca en el piano.

-Se puede ver una sombra de la cámara cuando Deckard está luchando con Roy en el edificio Bradbury.

-El cine enfrente del apartamento de Sebastian, se proyectan películas de la mujer de Ridley Scott.

-La novela de Dick ofrece una explicación de por qué ciertos animales reales son tan costosos (las palomas, vistas en gran abundancia en el edificio de Sebastian, no deben de contarse entre ellos): Algunos animales son mucho más raros que otros y supuestamente las lechuzas están extintas.

-Las compañías o productos que muestran sus logos en el filme son ANACO, Atari, Atriton, Bell, Budweiser, Bulova, Citizen, Coca-Cola, Cuisine Art, Dentyne, Hilton, Jovan, JVC, Koss, Lark, Marlboro, Million Dollar Discount, Mon Hart, Pan Am, Polaroid, RCA, Remy, Schiltz, Shakey’s, Toshiba, Star Jewelers, TDK, The Million Dollar Movie, TWA, Wakamoto.

-En la película se dice que el test Voight-Kamff es la única manera que existe para descubrir a los replicantes, pero Leon y Pris muestran en sendas escenas que sus manos no son dañadas por el nitrógeno líquido ni por el agua hirviendo… Ejem…

-“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais: Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos D brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo… Como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.”

Improvisación del diálogo fundamental: Este dato a comentar merece que a Hauer se le dé un mérito enorme. ¿Sabías que este poético y deslumbrante diálogo fue improvisado en gran medida por el actor durante el rodaje? Roy Batty, personaje de Hauer, debía morir pero al actor le parecía soso y simple, hacerlo sin más. Algunas personas filtraron que a última hora se escribió la secuencia donde se decidía que podía decir algo. Es decir, se escribió la idea de que Hauer comentara algo antes de morir en la misma víspera del rodaje.

Ridley Scott usó en uno de los finales varios planos rodados por Kubrick para “El Resplandor” que no llegaron a usarse en la citada película de terror. Se trata de las montañas y paisajes que salen al principio de dicha película.

Harrison Ford no podía ni ver a Sean Young, creía que era una actriz mediocre que no estaba a su altura, le amargó el rodaje hasta el último día, incluso llevándola al llanto.

Pues hasta aquí las “Curiosidades sobre Blade Runner”, espero que hayáis disfrutado de su lectura y que vayáis al cine a ver esta joyita en pantalla grande.

CINE: Chappie, de Neill Blomkamp

Un artículo de Mitsuko C.

Título original: Chappie

Año: 2015

Duración: 120 minutos

País: EEUU

Director: Neill Blomkamp

Guión: Neill Blomkamp, Terri Tatchell

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Trent Opaloch

Reparto: Sharlto Copley, Dev Patel, Hugh Jackman, Sigourney Weaver, Jose Pablo Cantillo, Miranda Frigon, Brandon Auret, Sean O. Roberts, Ninja, Yolandi Visser, Robert Hobbs, Dan Hirst, Eugene Khumbanyiwa, Paul Hampshire, Kevin Otto

Productora: Alpha Core / Columbia Pictures / LStar Capital

Género: Ciencia ficción

Web oficial: http://www.chappie-movie.com/

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=Qid_7GfI7eM

Sinopsis:

“En un futuro no muy lejano, la seguridad de Johannesburgo no sólo depende del cuerpo de policía, sino también de robots. Chappie será el primero en desarrollar una inteligencia artificial propia.”

Muy buenas Incoherentes, ya hacía tiempo que no escribía nada por estos lares, pero ha llegado el momento de explayarse con esta maravillosa obra de Neill Blomkamp, director de “Distrito 9” y “Elysium”. Blomkamp es un perfeccionista en todo lo que hace y quiero destacar que con esta nueva cinta, el hombre lo peta.

En “Chappie” cuenta con grandes nombres como Hugh Jackman o Sigourney Weaver, y además aquí podremos disfrutar de un momento muy “·kitsch”, ya que como colaboradores de lujo del ambiente sudafricano, encontramos al grupo musical “Die Antwoord”, que no sólo dota al film de esa parte friki, sino que sus canciones suenan en muchas de las escenas convirtiéndolas en algo redondo y cuidado al milímetro.

El diseño de los robots, del ambiente y demás son fantásticos, recuerdan poderosamente a “Applesead” y por supuesto a “Robocop”, una estética muy manga para un futuro distópico, pero no por ello menos alcanzable.

Si bien nos encontramos ante una película de ciencia ficción, también vemos una parte muy tierna y emotiva en el personaje central, doblado de manera excelente por Sharlto Copley, amigo íntimo del joven director. Este es un film para alucinar con los efectos, la magnífica banda sonora, los diseños artísticos y para ver más allá de la pura acción, aquí se transmiten valores y se intenta dar un mensaje muy importante de comportamiento y educación.

Para mí, cien por cien recomendable, así que espero que os dejéis caer por las salas del cine. ¡Hasta la próxima!

CINE: Alien, el Octavo Pasajero, por Ridley Scott

Un artículo de Mitsuko C.

Título original: Alien

Año: 1979

Duración: 116 minutos

País: EEUU

Director: Ridley Scott

Guión: Dan O’Bannon

Música: Jerry Goldsmith

Fotografía: Dereck Vanlint & Denys Ayling

Reparto: Sigourney Weaver, John Hurt, Yaphet Kotto, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, Ian Holm

Productora: 20th Century Fox / Brandywine Productions

Género: Ciencia ficción, terror

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=hllv_11QTPA

Premios:

1979: Oscar: Mejores efectos visuales. Nominada a Mejor dirección artística.

1979: 2 premios BAFTA: Diseño de producción, Sonido. 5 nominaciones.

1979: Nominada al Globo de Oro: Mejor banda sonora.

1979: Festival de San Sebastián: Mejor fotografía y efectos especiales.

Sinopsis:

“La nave de transporte Nostromo se dirige de vuelta a la Tierra, pero la computadora MADRE, detecta un sistema de vida que envía una señal de socorro. Sus tripulantes se dirigen para responder a ese SOS, pero se encontrarán con un ser no muy amigable”

Esta es una de esas películas de CULTO por antonomasia. Sé que os preguntaréis porqué hago una reseña sobre ella estando los Oscar a la vuelta de la esquina. Bien sencillo, esta semana podremos disfrutar en los cines, en VOSE, de la proyección de “Alien” debido a la celebración de su 35 aniversario. Veremos metraje nunca visto y la imagen remasterizada. Así que os dejo con un mini reportaje de curiosidades sobre esta primera parte, y las dos siguientes (que creo son las que encierran más chicha), para que os animéis a ir a verla en pantalla grande y rememorar uno de los grandes clásicos de la ciencia ficción y el terror.

 Curiosidades:

Sigourney Weaver consiguió el papel debido a que Meryl Streep lo rechazó.

–El personaje de Ripley es el primer personaje “mujer” que se convierte en heroína en una cinta de ciencia ficción.

–Que Ripley vista de blanco y que el alien sea negro, no es casualidad, se pretende expresar la lucha entre el bien y el mal de una manera mística.

–El montaje original duraba 3 horas y 12 minutos.

–El personaje de Ash no aparecía en el guión original de O’Bannon, sino que fueron los productores quienes lo crearon.

–Muchos de los interiores de la Nostromo los grabaron en un cementerio de aviones.

–El interior de los huevos de los aliens se rellenó con corazones y estómagos de ganado y la cola del “Face Hugger” era de intestino de oveja.

–El nombre original de la nave era Snark.

–Fue una idea del artista Ron Cobb el que el alien tuviera ácido como sangre.

–Ridley Scott llegó a declarar que tres películas le habían influído para realizar “Alien”: “Star Wars” y “2001: Odisea en el espacio“, por su descripción del espacio exterior, y “La matanza de Texas” por su tratamiento del terror.

–Cada uno de los personajes muere por su cualidad más característica (valentía, prudencia, raciocinio…) y en sentido inverso tanto al prestigio del actor en el momento, como a la importancia del personaje en la trama. Es decir, muere primero el actor más célebre, John Hurt y científico de la nave, a continuación el siguiente en fama, hasta la que sobrevive: la actriz menos conocida en aquel momento, Sigourney Weaver y menos trascendental en la película.

–El título del film durante el rodaje fue “Star Beast“.

–Algunos componentes de la Nostromo fueron reutilizados para la película “Blade Runner” (1982), del mismo director.

–Las letras que lentamente revelan el título de la película se despliegan como una especie de arañazo, uno por cada tripulante del Nostromo que es asesinado.

–La 20th Century accedió a la realización de este film con la condición de que se disminuyera el “gore“.

–La leyenda “Weyland Yutani” (el nombre verdadero de la Compañía) aparece en la parte inferior de una de las pantallas de las computadoras, durante la secuencia de aterrizaje (en verde). Este detalle no puede verse en la versión DVD.

–La Nostromo fue construida teniendo en cuenta las especificaciones de la NASA, por aquel entonces, con respecto a las características que debería tener una nave espacial.

–La fina capa de neblina que cubre los huevos alien fue creada usando un láser intermitente y humo, los cuales fueron prestados por la banda “The Who”.

–Entre la imágenes censuradas por la Fox en el estreno de 1979 está la erótica muerte de Veronica Cartwright, ensartada entre sus piernas por la cola del alien. También fue censurada la escena en la que Dallas suplica a Ripley que lo remate cuando se convierte en una incubadora humana de aliens (en la versión extendida vemos a Ripley matar a Dallas con un lanzallamas).

–Inicialmente, los astronautas descubrían el nido de aliens en una pirámide de una civilización extraterrestre con relieves explicativos del ciclo de vida de estos seres (ideado por Giger), por razones de presupuesto, pasó a ser una nave abandonada.

–La escena en la que el embrión de alien revienta el pecho de Kane, se rodó con un tronco artificial sobre el pecho del actor y con un dispositivo explosivo situado bajo una bolsa con dos kilos de tripas de animal y dos litros de sangre artificial (aunque inicialmente se pensó en cuatro litros).

–El film se estrenó con escenas censuradas en Noruega, Australia, Argentina, Canadá, Chile, Japón, Singapur, Finlandia, Francia, Alemania, España, Irlanda, Holanda, Suecia, Inglaterra y USA.

–La escena donde la sangre ácida se come el suelo, fue hecha con ácido sulfúrico real tintado de amarillo.

–Cuando Kane está en la guarida de los huevos los movimientos que apreciamos dentro de ellos son realizados por el director Ridley Scott.

–La idea de que un alienígena deposite sus huevos en el estómago de sus víctimas conviertíendole en su huésped fue tomada de los hábitos de una especie de avispa cazadora de arañas que hace lo mismo: deposita sus huevos en sus víctimas para que sirvan como alojamiento y posterior alimento de sus crías.

–En total se emplearon tres aliens durante el rodaje. Uno de ellos era una maqueta, el segundo se trataba de un traje ocupado por Bolajo Bolaji, un miembro de la tribu de los Masai (que se distingue por su elevada estatura), que añadía un aspecto más temible a la criatura. Finalmente se creó otro traje para que lo vistiera un especialista durante las secuencias de acción y riesgo. Cada mañana la pintura de estos elementos tenía que ser repasada, ya que durante el rodaje los materiales utilizados para simular las babas del monstruo borraba la pintura acrílica de los trajes y la maqueta.

–Buena parte del diálogo del film fue fruto de la improvisación, ya que no estaba escrito previamente.

–Scott afirma que había imaginado un final distinto para la película. En él, el alien mataba a Ripley arrancándole la cabeza de un mordisco, ocupaba su lugar como piloto de la nave de salvamento y se comunicaba con la Tierra para pedir que la rescatasen imitando la voz de la protagonista. La productora rechazó esa posibilidad, no tanto porque ya se pensase en una saga, como porque creían que un desenlace tan negativo no le gustaría al público.

–En el guión original el personaje que interpretaba Verónica Cartwright era en realidad la heroína de la historia, pero esto cambió drásticamente cuando Verónica se sobresaltó en exceso en la secuencia en la que el alien se abre paso a través del estómago de John Hurt. Ridley Scott no le explicó a nadie del cásting en qué iba a consistir esta escena por lo que la impresión y el horror en los rostros de todos los actores fueron reales.

–En el primer borrador del guión Ripley era un hombre.

ALIENS, EL REGRESO

Dirigida en 1986 por James Cameron, BSO por James Horner y protagonizada por Sigourney Weaver, Paul Reiser, Lance Henriksen, Michael Biehn, Bill Paxton, Carrie Henn, William Hope, Jenette Goldstein, Al Matthews, Mark Rolston y Ricco Ross.

 

Curiosidades:

–En las tres películas en las que el actor Michael Biehn actúa con el director James Cameron (Terminator, Abbys y Aliens, el regreso) su personaje resulta herido de la misma forma, le muerden en la mano derecha.

–El médico que atiende apresurado a una histérica y horrorizada Ripley (cuando sueña que está “pariendo” a un alien, al inicio de la película) es el mismo James Cameron haciendo un rápido cameo.

–En las dos versiones de la película, los quince minutos del conteo de autodestrucción son en tiempo real.

–Se usaron tres tipos distintos de humo, uno de ellos, a partir de entonces, se volvió ilegal para ser usado en un set de filmación.

–En la escena del conducto de ventilación, donde Vásquez le dispara al alien con una pistola común, la actriz que la interpretaba Jenette Goldstein, tenía problemas para manejar el arma, por lo que se usó una doble siempre que fue necesario utilizar este arma.

–El sonido de la puerta automática del MedLab es el mismo que se escucha en la puerta del Pod de “2001: Odisea en el Espacio“.

Bishop anuncia que “no puede lastimar a un ser humano, ni permitir a otro que lo haga”. Este enunciado se corresponde con la Primera Ley de Robótica, escrita por Isaac Asimov.

–James Cameron les permitió a los actores decorar los uniformes que usaban en la película a su gusto para incrementar el realismo.

Al Matthews, que interpreta al Sargento Apone, fue en la vida real el primer marine negro en ser ascendido al rango de sargento mientras prestaba servicio en Vietnam.

–Todos los marines (con excepción de Hicks, Gorman y Ripley) usan sus nombres reales en los de sus personajes.

–Al final de la película, cuando comienzan los créditos se escucha un huevo alien abriéndose.

–Uno de los sets quedó intacto después del rodaje, fue usado después en “Batman” (1989), en la escena de la fábrica química.

–Al principio de la película, uno de los personajes hace referencia al ID laboral de Ripley como NOC14472, mientras que la pantalla del fondo muestra que es NOC14672.

–La hija de Ripley es interpretada por la madre de Sigourney Weaver.

–Algunos compases de la música se incluyeron en la banda sonora de “Star Trek III: en busca de Spock” y en la promoción de diferentes películas de acción y ciencia ficción, como por ejemplo “Starship Troopers“.

–Los rifles que portan los marines son una mezcla de la metralleta Thomsom M1A1 con un Franchi SPAS 12. Se construyeron además armas más pequeñas, las M56, que siguen el modelo de la MG 42 alemana.

–Los actores encargados de interpretar a los marines pasaron dos semanas entrenándose con los comandos de las fuerzas especiales SAS (Special Air Service) británico. El único que se quedó sin entrenar fue Michael Biehn que se incorporó tarde al reparto.

–En el primer borrador del guión, Bishop dice que fue construido por las Industrias Ciberdyne, industria que aparece en Terminator, también dirigida por James Cameron.

ALIEN 3

Dirigida en 1992 por David Fincher (Seven, El Club de la Lucha, La Red Social…), BSO por Elliot Goldenthal y protagonizada por Sigourney Weaver, Charles S. Dutton, Charles Dance, Paul McGann, Brian Glover, Lance Henriksen, Ralph Brown, Danny Webb y Pete Postlethwaite.

 

Curiosidades:

–Un fragmento de la escena donde Ripley despierta en la enfermería del Dr. Clemmmens, fue eliminado porque aparece desnuda, sólo la versión de cine de 1992 la incluía.

–La reina Alien está manejada por diez marionetistas y cada vez que en un descanso, pasaban los miembros del rodaje los asustaban.

–El guión original especifica que el alien se incuba dentro de una vaca, no de un perro.

–Se pensó en la posibilidad de incluir una especie de hembra alien, destacada por su sensualidad y por tener labios similares a los de un ser humano, para besar a sus víctimas antes de matarlas. Esta idea se descartó pero fue usada luego para la película “Species” (1995), donde Giger fue también el diseñador de la criatura.

Sigourney Weaver dijo que sólo se afeitaría la cabeza si aumentaban su salario.

–Una idea que surgió entre los realizadores del film fue que saliera un alien del cadáver de Hicks, el personaje que interpretó Michael Biehn en la anterior entrega. Biehn se enteró de esto y amenazó con demandar a la producción por utilizar su imagen sin su consentimiento, por lo que la idea fue abandonada. Más tarde, lo remuneraron para poder incluir su foto al inicio de la película.

–En un principio el director del proyecto era Renny Harlin, pero lo dejó para dirigir “Jungla de cristal 2“. Más tarde se pensó en Vincent Ward, pero por falta de entendimiento con los productores también abandonó el proyecto. Finalmente el director fue David Fincher.

Pues aquí tenéis unas cuantas curiosidades sobre esta maravillosa saga (no me lo hagáis decir… No me gusta nada la cuarta parte: Alien Resurrection), que como bien sabréis cuenta con “Prometheus” y “Prometheus 2” entre sus filas, y con uno de los videojuegos más espectaculares de Survival Horror a los que he tenido el placer de jugar: “Alien Isolation”. En este caso os insto con mucha vehemencia a que os hagáis con vuestras entradas y disfrutéis de esta obra de arte en mayúsculas… Sí, me habéis pillado, es una de mis películas favoritas y no podía dejar pasar esta oportunidad para compartir con vosotros mi pasión por este film.

CINE: Autómata, de Gabe Ibáñez

Un artículo de Mitsuko C.

 

Título original: Autómata

Año: 2014

Duración: 110 minutos

País: España

Director: Gabe Ibáñez

Guión: Gabe Ibáñez, Javier Sánchez Donate, Igor Legarreta

Música: Zacarías M. de la Riva

Fotografía: Alejandro Martínez

Reparto: Antonio Banderas, Birgitte Hjort Sørensen, Melanie Griffith, Dylan McDermott, Robert Forster, Tim McInnerny, Andy Nyman, Dadid Ryall, Andrew Tiernan

Productora: Coproducción España-Francia; Vértice 360 / Quinta Communications / Green Moon

Género: Ciencia ficción

Web oficial: http://automata-movie.com/

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=Wh_wmaOZcWo

 Premios:

2014: Premios Goya: 4 nominaciones incluyendo Mejor fotografía

2014: Festival de San Sebastián: Sección oficial de largometrajes

 

Sinopsis:

“En el año 2044, la raza humana se ha visto reducida en, aproximadamente, un 99%. Para hacer la vida más fácil se han creado una serie de robots que viven regidos por dos protocolos inalterables. Jacq Vacuan, trabajador de una agencia de seguros que tiene que ver con estos robots, verá como se altera uno de esos protocolos.”

 

Una sinopsis prometedora ¿verdad?, pues a la hora de ver la película, todo se queda en eso, es una leve promesa. Impulsada por un comienzo bastante interesante, el desarrollo del guión va mermando con el paso de los minutos.

Le podemos llamar refrito, o utilizando el lenguaje cinematográfico mash-up, una mezcla de cosas que ya hemos visto o leído: Blade Runner, Elysium, District 9, Yo, Robot… Y prácticamente cualquier cinta de ciencia ficción que se precie.

Los diseños de los “robots”, en seguida me llevaron a acordarme de los diseños de los policías de “Elysium”, la fotografía a “Mad Max”, incluso hay unas tomas en la playa con una tortuga ¿Alguien recuerda las preguntas que tienen que superar los sintéticos en Blade Runner?, si es así, comentadlo en el blog, por favor.

Para mí, “Autómata” ha sido una promesa que se la ha llevado el viento, utilizando una multitud de recursos que pueden distraer al espectador de lo que se quiere explicar: ¿Hablamos de la vida, de la evolución, del fin, de los sentimientos, de la ecología…? En realidad, se habla de todo un poco, pero no se sostiene nada y el final tampoco es que sea demasiado esperanzador, ni esclarecedor, ni mucho menos lógico, ya que quedan muchas preguntas por responder, las cuales ya puedes empezar a hacerte desde el principio de la peli, después de saber cuáles son los dos protocolos (que recuerdan tanto y tanto a las famosas leyes de la robótica de Isaac Asimov), con la consiguiente aparición de una fotografía, que si eres un poco avispado, verás que ya entra en conflicto con uno de ellos.

En mi caso, destacaría la banda sonora, que se sale de lo habitual y la fotografía, que aunque recuerde a otros films, no está tan mal… Pero aquí no encontraremos nada nuevo, ni demasiado espectacular, la decisión queda a vuestra discreción.

CINE: Coherence, de James Ward Byrkit

Un artículo de Mitsuko C.

Título original: Coherence

Año: 2013

Duración: 89 min

País: USA

Director: James Ward Byrkit

Guión: James Ward Byrkit, Alex Manugian

Música: Kristin Øhrn Dyrud

Fotografía: Nic Sadler, Arlene Muller

Reparto: Emily Baldoni, Maury Sterling, Nicholas Brendon, Elizabeth Gracen, Alex Manugian, Lauren Maher, Hugo Armstrong, Lorene Scafaria

Productora: Bellanova Films / Ugly Duckling Films

Género: Intriga, thriller, ciencia ficción

Web oficial: http://coherencethemovie.com/

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=sEceDz1Rodc

Sinopsis:

“Un grupo de amigos se reúnen para cenar coincidiendo con el paso de un cometa, que en 1923, en Finlandia produjo un efecto extraño en los habitantes de un pequeño pueblo, dejándolos desorientados y con lagunas de memoria”

Coherence” es la ópera prima de James Ward Bykrit y menuda ópera prima. Su debut ha sido por la puerta grande, nos encontramos ante una de las maravillas del thriller psicológico de la ciencia ficción de este siglo, me atrevería a decir.

Cada uno de los segundos de esta película es un deleite absoluto para los que nos gustan los retos y los filmes que desafían, en cierto modo, al intelecto. Con ello no quiero decir que si no tienes conocimiento de física, pues no vayas a entender la peli, pero sí que ayuda que tengas ciertas inquietudes para plantearte dudas y posibles explicaciones a las mismas.

En esta cinta experimentamos qué sucedería en nuestras vidas si escogiéramos de una u otra forma, se habla de la “Teoría de Schröedinger”, se habla de la vileza que se esconde dentro de los seres más delicados y de cómo se puede sucumbir en un micro segundo a decisiones, que sabemos de primera mano que son erróneas.

No quiero desvelar mucho de lo que veréis si apostáis por verla, pero sí que os recomiendo que lo hagáis, porque Bykrit ha conseguido un trabajo impecable e inquietante con un presupuesto bastante ajustado, con lo que nos demuestra, que se puede hacer cine de calidad sin necesidad de grandes efectos.

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CINE: Interestellar, de Cristopher Nolan

Un artículo de Mitsuko C.

Título original: Interstellar

Año: 2014

Duración: 169 min

País: USA

Director: Christopher Nolan

Guión: Jonathan Nolan, Christopher Nolan (Historia: Kip Thorne)

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Hoyte van Hoytema

Reparto: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Bill Irwin, John Lithgow, Casey Affleck, David Gyasi, Wes Bentley, Mackenzie Foy, Timothée Chalamet, Topher Grace, David Oyelowo, Ellen Burstyn, Michael Caine, Matt Damon

Productora: Warner Bros., Syncopy, Paramount Pictures, Legendary Pictures, Lynda Obst Productions

Género: Ciencia ficción, drama

Web oficial: http://www.interstellarmovie.com

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=9Lk6A_tq3DA

 

Sinopsis:

“En un futuro indeterminado, los recursos de la tierra empiezan a escasear. Cooper, antiguo ingeniero, será reclutado para realizar un viaje para salvar a la humanidad de la extinción”

Por fin tenemos aquí la décima película dirigida por Cristopher Nolan, adorado desde “Memento” por esa mente privilegiada que tiene. Historias que son el reflejo de lo que antiguamente se decía del cine: “La fábrica de los sueños”. Nolan va más allá de cualquier cosa que se te pueda ocurrir y sé, que muchos han dicho que lo que se refleja en esta película, ya se ha visto en anteriores: 2001, una Odisea en el Espacio, Abyss, Gravity, Alien, Moon, Sunshine, Elysium… y casi cualquier otra película del género que se te ocurra, porque estamos hablando de algo muy concreto: Viajes en el espacio, en el futuro para salvar a la humanidad de la extinción. Es posible que ya esté todo dicho, pero no rodado con la maestría de este hombre.

Personalmente salí del cine, pensando sobre todo en dos cosas (y quiero remarcar que esto es muy subjetivo):

UnoHans Zimmer hace un trabajo impecable con la banda sonora, sobre todo porque él sabe perfectamente en qué momentos debe respetarse un silencio y eso otorga a según qué escenas, un ambiente asfixiante y muy emocional, en el sentido de que te ahogas con tus propias lágrimas y reprimes ese sentimiento que te sube por la garganta.

Dos – Da igual quienes sean los actores de la película, porque aquí la genialidad está en el trabajo del director, del guionista y del productor… NOLAN. Pero tampoco puedo negar el trabajo de McConaughey, que se nos ha venido arriba desde “Dallas Buyers Club” y “True Detective”, ni como el de ninguno de los componentes del reparto. Todo parece una máquina bien engrasada, piezas que conectan unas con otras y que hacen posible esta joya.

Para alguno puede resultar agobiante el plantearse ir a verla por su duración, tres horas, pero os recomiendo que no os la perdáis si sois amantes del género. La historia tiene momentos muy dramáticos y por supuesto contamos con alguna que otra paradoja temporal, pero es ciencia ficción y creo que dirigida por uno de los grandes. Es una película para disfrutar.

 

CINE: Lucy, de Luc Besson

Un artículo de Mitsuko C.

 

Dirección: Luc Besson

Guión: Luc Besson

Música: Eric Serra

Fotografía: Thierry Arbogast

Reparto: Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik, Amr Waked, Yvonne Gradelet, Jan Oliver Schroeder, Julian Rhind-Tutt, Pilou Asbæk, Analeigh Tipton, Nicolas Phongpheth, Luca Angeletti, Loïc Brabant, Pierre Grammont, Pierre Poirot, Bertrand Quoniam, Pascal Loison, Pierre Gérard, Isabelle Cagnat, Frédéric Chau

Productora: EuropaCorp / TF1 Films Production / Universal Pictures

Duración: 90 minutos

Nacionalidad: Francia

Tráiler: http://www.youtube.com/watch?v=MVt32qoyhi0

Sinopsis:

Lucy es una chica normal y corriente que está pasando un tiempo en China, sale por la noche y se divierte como cualquier persona de su edad. Después de una noche de fiesta se ve envuelta en un intercambio de drogas con un capo coreano con muy malas pulgas, quien la utiliza como “mula” para sacar el material del país y llevarlo a Europa. Desafortunadamente la sustancia entrará en contacto con su cuerpo produciendo un efecto inesperado: Un desarrollo cerebral inusual.”

Luc Besson es un referente como director con obras como “Los Ríos de Color Púrpura”, una obra maestra de la investigación policial y la unión de historias que comienzan en lugares diferentes, “Leon, El Profesional”, donde encontramos interpretaciones brillantes de todo el reparto donde siempre destacaré a Gary Oldman, al igual que el “El Quinto Elemento”, y esto sólo por nombrar las más conocidas.

Sus obras son reconocibles por esos pequeños momentos surrealistas o hiperviolentos que te hacen mirar a la pantalla. Nada es igual a algo que haya hecho antes, pero algo se mantiene vivo: su esencia. Ideas que en un principio parten de una premisa sencilla: asesinato, contrabando de drogas, sentimientos… Y que te llevan a un estado mental de reflexión y de incógnitas, es decir, salir del cine con un buen tema de conversación para ti y tu acompañante.

Lucy” no es para menos, es absolutamente embriagadora y dura, hipnótica y espectacular. En una palabra:Necesaria. Aunque me he encontrado de todo, gente que la adora y gente que la repudia como la mierda más grande y aburrida que se pueden echar a la cara y es que eso es Luc Besson, una dualidad entre el amor-odio.

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