CINE: La doncella, de Park Chan-Wook

Por Santiago Sánchez Pérez

ladon2Creo que fue en el año 2004 cuando gracias al festival de cine fantástico de Sitges, descubrí al director surcoreano Park Chan-Wook de la mano de su película “Old boy”. Gracias a ese éxito, llegarían (algunas en formato DVD) películas como la excelente J.S.A. un thriller militar ambientado en una zona fronteriza entre las dos coreas. Las otras dos películas que completan su trilogía sobre la venganza, la muy valiente “Soy un Cyborg pero no pasa nada” (valiente por el brutal cambio de registro que no gustó a todos sus fans, aunque al que escribe estas líneas le pareciese una genialidad).

Poco a poco, el señor Park se había convertido en uno de mis directores de culto y aunque su siguiente film (Thrist) me pareció una buena película… pero un poco por debajo de sus anteriores trabajos por un ritmo lento y un metraje que se me antojó excesivo, no por ello perdió mi confianza ni al leer la noticia de que su siguiente film, sería su primer trabajo con actores americanos, algo a lo que ya se había negado en otras ocasiones. Quizás fuese por un prejuicio, pero esa fue la primera de sus películas en la que me quedé dormido. Así que me tocó revisarla en DVD… y mis impresiones no mejoraron. Puede que para otros fuese un gran trabajo, pero la consideré su primer resbalón. Quizás por eso, al leer que su siguiente trabajo como director, sería la adaptación de la novela “Falsa identidad” de la escritora Sarah Waters, busqué algo de información al respecto y lo que leí no me llamó demasiado la atención. Trataba sobre la relación lésbica entre una ladrona que entraba a trabajar como doncella de una señorita que vivía aislada junto a su tío en una mansión victoriana, para que su compinche pudiese seducirla y desvalijarla.

Tampoco ayudó el que la película apenas tuviera distribución en una ciudad como Barcelona y por descontado, no contó con la más mínima publicidad. Su estreno se limitó a un par de salas en versión original subtitulada. Confieso que tras los dos últimos trabajos de su director, mis expectativas no estaban demasiado altas, pero aun y así acudí a su visionado el fin de semana de su estreno (ya que sospeché que no duraría mucho en cartelera) y para mi sorpresa me pareció no solo uno de los trabajos más redondos de su director, sino una de las mejores películas que he visto en 2017.

ladon3Como me gusta recordar de vez en cuando, no todos tenemos los mismos gustos y aunque a mí esta película me parece una genialidad, se trata de uno de esos films que no conectará con todos los públicos y que puede herir la sensibilidad de los espectadores de mentalidad más cerrada. Durante el pase de la película, calculo que no seriamos más de cincuenta espectadores los que estábamos sentados en la sala y al finalizar la misma, quedábamos una treintena. Ello se debe a que muchos se levantaron y se marcharon durante la emisión de algunas situaciones de carácter sexual entre las protagonistas femeninas (vamos dos mujeres manteniendo relaciones sexuales), dichas secuencias, no creo que puedan ser calificadas como pornográficas… pero si algo más subidas de tono de lo que puede estar acostumbrado el espectador medio de cine comercial.

Quitando ese aspecto, que en unos tiempos en los que se popularizan novelas sobre millonarios obsesionados con la dominación sexual y el BDSM, no deberían ser un problema, tenemos un thriller con una excelente factura técnica, tanto por parte de una fotografía muy cuidada, unas interpretaciones excelentes tanto por parte del elenco principal, como de los secundarios y un argumento con los giros suficientes, como para que un film de más de dos horas de duración me pareciese corto.

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En la medida de lo posible, recomiendo su visionado en versión original subtitulada. En parte para que no se pierda en gran medida el trabajo de los actores y en parte por no haber visto la versión doblada y desconocer la calidad de su doblaje, algo que en otros casos, jugó en contra del trabajo de este director, como en el caso de “Old Boy” que le adjudicó a su protagonista la voz del mismo actor de doblaje que se encarga por ejemplo de Homer Simpson (que no digo que sea mala… pero desde luego si muy alejada del registro original).

 

A 47 metros de Dunkerque

Un artículo de Cristina Béjar.

¡Muy buenas Incoherentes!, hacía dos semanas que quería escribir este artículo, pero las obligaciones de la vida moderna y que ha pillado San Juan y mi cumpleaños en medio (¿cómo puede ser que ya tenga 35, si ayer cumplía 18?), me han retrasado en mi cometido. Os pido disculpas.

Hoy no os traigo una reseña de una peli, no. Hoy os escribo porque he vivido algo que me ha indignado, algo que me ha dolido, algo que no comprendo del todo muy. Así que os pondré en situación:

Supongo que si amáis el séptimo arte, conocéis la fantabulosa sala de cine “Phenomena“. Es un oasis en el desierto, es el chocolate dentro del croasan, es la pipa con más sal de la bolsa… Es una sala como las de antes, con una pantalla enorme, un sonido excelente, butacas cómodas y donde se controla la limpieza, el uso de móviles y las charlas en medio de una proyección. Sí, lo sé, estas cosas deberían ser lo habitual, el civismo y el respeto como banderas, pero sabemos que no. Creo que quien más y quien menos se ha visto en una sala rodeado de WhatsApps, audiocomentarios, pataditas en la butaca y el típico que come con la boca abierta tirándolo todo, ya sean palomitas, hotdogs, nachos, pizzas… (¿en serio sirven todo eso para ver una peli?)

En fin, que no sólo es una pedazo de sala, sino que tiene una pedazo de programación: Joyas antiguas, cine independiente, estrenos, preestrenos, sesiones sorpresa… Es como si el Festival de Sitges se concentrara en la calle Sant Antoni Maria Claret 168 de Barcelona. Una maravilla, en pocas palabras… ¡Oh! Y se me olvidaba, no te clavan media hora de anuncios inútiles antes de la proyección y además, tienen un perrete que me ha robado el corazón.

Bien, una de las ofertas maravillosas que tiene Phenomena, es la “Secret Premiere“: Cada equis tiempo, la sala de Nacho Cerdà, nos ofrece un estreno exclusivo antes de poder verlo en cualquier otra sala, pero sin decir qué estreno será. El precio para socios es de 4€ y para el resto, de 8€. No sé a vosotros, pero a mi el concepto de ir a ver una película sin saber cuál es y por este precio, me parece un lujo.

Normalmente, cuando se anuncian estas sesiones, ya sean de premieres o de grandes clásicos, en la redes se abren las apuestas: ¿Qué se verá?. Bien, el pasado 20 de Junio, las apuestan subieron a un nivel épico. Por lo visto, en Barcelona, se encontraban varios profesionales del mundo del celuloide, entre ellos Christopher Nolan. Ya os imagináis el hype.

Esa noche cuando Nacho salió a presentar la película, dijo lo siguiente: “Yo no soy Christopher Nolan, ni esto es Dunkerque“, risas. Lo que se proyectó fue la película independiente “A 47 metros” (en ese momento las risas fueron menores), que en EEUU tiene buenos resultados de taquilla, y que se verá en nuestro país el 21 de Julio. Si no estoy mal informada, se hizo coincidir esta premiere con el aniversario de “Tiburón“, ya que “A 47 metros” va de tiburones. Que no sé a vosotros, pero a mi me parece un género muy entretenido.

Y aquí es donde viene mi indignación. Tal vez yo sea una persona rara, o zen, o agradecida, o pasota… No lo sé. Pero a mi no me pareció mal la elección de dicha cinta, ni siquiera se me pasó por la cabeza imaginarme a Nacho y a su equipo encerrados en un cuarto con luz tenue, maquinando un plan oscuro y retorcido para trollear a su audiencia y reírse a mandíbula batiente, mientras toman un Martini y acarician un gato.

Pues no. Más bien pensé en lo difícil que debe ser proyectar una película en premiere, si es caro, si se tiene que conocer a mucha gente para poder llevarlo a cabo, que el cine estaba lleno, ¡oh! qué ricas palomitas… No se me pasó por la cabeza algo negativo. Pero a mucha otra gente, sí. Gente que ni corta ni perezosa se lanzó a las redes sociales a dejar manifiesto su malestar, utilizando palabras tales como: timo, estafa, broma pesada, basura… Y acusando a Phenomena de que no había cumplido, que les habían tomado el pelo, que esa premiere no estaba a la altura de esa sala, que con lo cara que es la entrada ya podían haber puesto algo mejor…

Y sí, esta es la era digital, la era de escribir ante un teclado lo que se me antoje, la era de yo, yo, yo, yo… Así que, esta actitud de algunos, me molestó enormemente, ya que ninguno de nosotros sabía qué película iba a ser la proyectada y tampoco estábamos obligados a quedarnos viendo algo que nos interesa.

Está claro que tengo 35 años, que cuando era cría tenía que coger el metro para llegar a la sala de cine y así ver el estreno mensual (si había suerte), que me educaron para reconocer y agradecer adecuadamente el esfuerzo de los demás, sean quienes sean, a agradecer las sorpresas, a valorar lo que tengo… Y me cuesta tanto entender esas exigencias, esa mala sangre, ese egoísmo… que me da la sensación de que me he perdido algo durante estos años. Porque aunque le doy vueltas a esos comentarios, no logro entender porqué hay personas con tan poco respeto, deferencia y empatía hacia el trabajo de los demás.

Así que quiero aprovechar para decir: Gracias Nacho, gracias Phenomena, nosotros, todos los que hemos visto este evento como algo positivo, seguiremos disfrutando de vuestras sesiones siempre que podamos.

50ª edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges

Un artículo de Cristina Béjar

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Muy buenas Incoherentes ¡Madre mía, madre mía! ¡Pero cuánto tiempo sin escribir! Ni yo misma me lo creo. Lo echaba tanto de menos, pero ya sabéis, hay algunas veces que la vida nos da por saco y no podemos hacer todo lo que nos gustaría. Aún así, ya no hay que lamentarse, lo importante es que ya estoy aquí y vuelvo con cine, cine y más cine.

Esta vez traigo noticias chupi chulis en referencia al 50 aniversario del mega festival por antonomasia, del cine fantástico y de terror… Cincuenta años… Yo llevo diecisiete yendo, sólo he fallado dos o tres veces, pero este año no pienso faltar. Y ¿porqué?, por que este año se conmemora, se homenaje a la figura de “Drácula”, no a cualquier Drácula, no. Y tampoco vampiros, en general. Hablamos del mejor p*** Drácula de la historia del cine (sí, para mí), que no es otro que el de Bram Stoker, película dirigida por Francis Ford Coppola.

Sí, ya sé, ya sé. La película está plagada de fallos de continuidad. Una barbaridad, pero no me negaréis que es una maravilla de película. Entrañable, mítica, sensual, oscura… Vamos, que me encanta muy mucho. Pero a lo que vamos: ¿Qué supimos después de la rueda de prensa de la semana pasada?:

William Friedkin –director reconocido mundialmente por cintas como El exorcista, The French Connection o Sorcerer– recibirá el Gran Premio Honorífico del Festival; y Johnnie To –máximo exponente del cine negro asiático con títulos como Drug War o Election y premio Máquina del Tiempo en Sitges 2005, entregado por Quentin Tarantino– también visitará Sitges. Estas presencias se suman a la de Guillermo del Toro, que ejerce de padrino del 50º aniversario del Festival.

Por el momento es lo que sabemos. Me gustaría destacar algunas cosas que dijo Ángel Sala y es que en Sitges se apoya el cine en plataformas digitales. Es decir, las producciones de Netflix, por ejemplo, no están mal vistas y es que el talento está en cualquier parte y hay que disfrutarlo. Y este talento ha surgido en Cannes, donde Sitges, ha forjado buenas relaciones (espero poder saber más e informaros).

 

Hasta Julio no tendremos más nombres de los visitantes del festi, así que seguiremos contando los días… Ahora mismo tres meses y veintinueve días

Cine: Soy la bonita criatura que vive en esta casa , de Osgood (Oz) Perkins

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Título original: I Am the Pretty Thing That Lives in the House

Año: 2016

Duración: 87 min.

País: Estados Unidos

Director: Osgood Perkins (AKA Oz Perkins)

Guión: Osgood Perkins (AKA Oz Perkins)

Fotografía: Julie Kirkwood

Reparto: Ruth Wilson, Lucy Boynton, Debbie Harry, Bob Balaban, Erin Boyes, Brad Milne

Productora: Netflix / Paris Film / Zed Filmworks / Go Insane Films

Género: Terror. Thriller | Casas encantadas

Sinopsis: Lily (Ruth Wilson), una enfermera muy asustadiza, entra a vivir en una casa llena de secretos. Su trabajo es atender a una escritora de novelas de terror muy desmejorada. (FILMAFFINITY)

Opinión personal

Acabo de ver “Soy la bonita criatura que vive en esta casa´´ y solo se me ocurre una palabra para definirla: Tediosa.

Lenta, aburrida, sin ritmo ni tensión. Recreándose en sí misma para no contarnos nada, salvo una brevísima historia que daba para corto de diez minutos. El miedo no se logra solo con oscuridad, planos supuestamente sugerentes y entidades que pasan por casualidad. Una trama que sí tenía chicha, pero que se ejecuta con un aire tan impostado, tan autocomplaciente, tan pretencioso, que olvida cuál es su verdadera función.

Estéticamente perfecta y sugerente, pero totalmente vacía de contenido y sentido narrativo. Pretende ser poética, intimista y evocadora, pero lo único que logra es aburrir al espectador.  Hay una tenue y frágil línea entre el preciosismo y  la ampulosidad y en esta ocasión se ha cruzado de largo, pasándose de frenada de manera imperdonable. Se salvan cinco minutos de la parte final y nada más. Y me chincha, porque la premisa es muy buena e intuyo que el propósito también, pero el mirarse el ombligo es lo que tiene, que no da para más…

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 15): Shortwave, de Ryan Gregory Phillips

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Shortwave
  • Año: 2.016
  • Duración: 85 min.
  • País: USA
  • Director: Ryan Gregory Phillips
  • Guión: Ryan Gregory Phillips
  • Fotografía: Lucas Gath
  • Reparto: Juanita Ringeling, Cristobal Tapia Montt, Kyle Davis, Jay Ellis, etc.
  • Productora: Cue Mark Films
  • Género: Terror, thriller psicológico, drama, ciencia ficción.

https://www.youtube.com/watch?v=aDp9i9oqSFs

De nuevo me encuentro ante otro caso como el de “Sam was here”. Aunque en esta ocasión no salí del cine cabreado, poco faltó; bueno, ligeramente mosqueado sí que salí. Y es que me encontré con una película que mezclaba ciencia ficción y terror, una fotografía sublime, intriga y tensión continuas, un ambiente claustrofóbico, una premisa de lo más atractiva y el notable debut en Hollywood de la chilena Juanita Ringeling, y que a la vez combinaba todo esto con escenas oníricas y tediosas y un guión que deja más interrogantes que respuestas. Por momentos una obra de arte y por momentos un suplicio aburrido.

short5“Isabel lleva a su hija a una librería. La pierde de vista un momento y desaparece. Un año después, ella y su marido Josh se trasladan a un nuevo hogar aislado en medio del bosque. Isabel, incapaz de superarlo, se refugia en su propio mundo de pesadilla, con alucinaciones, ruidos y presencias que la acechan, a la vez que comienza a desarrollar agorafobia. Por su parte, Josh y su compañero Thomas trabajan para el gobierno descifrando señales de radio procedentes del espacio. En uno de los análisis descubrirán una señal de vida inteligente procedente de otro planeta y, que junto a ésta, viaja otra de baja frecuencia dirigida exactamente a las coordenadas donde se ubica la nueva vivienda de Josh e Isabel.”

     Excelente sinopsis la que nos trae el debutante director y guionista Ryan Gregory Phillips. Protagoniza Juanita Ringeling —“The ABC’s of death: Segment C is for Cycle”, “Chipe libre”, etc.—, una conocida y prestigiosa actriz chilena que debuta en Hollywood y lo hace a lo grande, puesto que toda la película gira en torno a su personaje y tiene oportunidad de dar un auténtico recital dramático. Pese a todo, sería injusto no destacar al también chileno Cristobal Tapia Montt —“Buena conducta”, “Feroz”, etc.—, ya que no sólo está convincente en su papel, sino que ambos forman una pareja con mucha química, aunque aquí la historia de amor esté supeditada a una trama de terror y locura.

short4 Como pasó con “Sam was here”, Ryan Gregory Phillips conoce todo los resortes del terror y el suspense y además lo adereza con elementos de ciencia ficción, y en este sentido ha sido muy cauto al limitar la “tecno cháchara” al mínimo para no pillarse los dedos. Toda la historia de las señales de audio es creíble y consecuente con la evolución de Isabel, sin embargo, también ha pecado de crear un envoltorio de pesadilla olvidándose de profundizar y dar una explicación a lo que sucede.

Parte de culpa en ese envoltorio de pesadilla la tiene el director de fotografía Lucas Gath, quien ha conseguido crear un entorno asfixiante y claustrofóbico en una casa que no tiene nada de eso; es más, es una casa luminosa, minimalista, con una vistas a la short3naturaleza de auténtico ensueño, pero que en sus manos se ha convertido en un lugar que no le gustaría a nadie visitar.     Respecto al guión, es cierto que hay algo de explicación a lo sucedido en la película durante el brutal clímax, pero es algo que genera más dudas que soluciones, y por en medio se han quedado varias escenas sin sentido. Sin ir más lejos, la supuesta intriga inicial es más bien un WTF? en toda regla: Isabel va con su hija a la librería, la deja con otros niños al cuidado de una monitora, entra al lavabo y cuando sale no hay niños ni monitora ni dependiente ni cajero ni cliente alguno. Francamente, había formas más sencillas y creíbles de idear un secuestro y, como espectador, me cuesta creer luego que la mujer esté tan afligida por la desaparición de su hija cuando dicha desaparición carece de lógica.

Shortwave” lo tenía todo a su favor para ser una obra maestra, pero su creador ha pecado de querer ser demasiado onírico, bizarro y artístico y al final se ha quedado a medias entre lo aburrido y lo genial.

 

LO MEJOR

  • Todo el plantel de actores, desde los protagonistas a los secundarios.
  • El intenso registro dramático de Juanita Ringeling.
  • La premisa de la señal extraterrestre y cómo afecta a la protagonista.
  • La fotografía.
  • El salvaje clímax, con buenas dosis de angustia y gore.
  • El futuro de Ryan Gregory Phillips en el cine de terror siempre que profundice más en el guión que en la parte visual.

 LO PEOR

  • Plantear muchas incógnitas y no resolver casi nada ni dejar pistas para que el espectador las resuelva.
  • El poco creíble arranque inicial.
  • La cantidad de escenas oníricas y terroríficas que provocan más confusión y aburrimiento que miedo.

LA ESCENA

  • Los últimos diez minutos.

 

 

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 14): Shin Gojira, de Hideaki Anno y Shinji Higuchi

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título para el mercado internacional: Shin Godzilla / Godzilla resurgence
  • Título original: Shin Gojira
  • Año: 2.016
  • Duración: 122 min.
  • País: Japón
  • Director: Hideaki Anno y Shinji Higuchi
  • Guión: Hideaki Anno
  • Fotografía: Kosuke Yamada
  • Reparto: Hiroki Hasegawa, Satomi Ishihara, Ren Ohsugi, etc.
  • Productora: Toho Pictures
  • Género: Monstruos mutantes, cine catastrófico, política ficción

 

https://www.youtube.com/watch?v=63DxDcZnEEU

 

Que aberraciones como “Frankestein island” o “Double Dragon” hayan sido de lo que más he disfrutado durante este festival no habla muy bien de mí, pero ayuda a comprender el ansia porque llegara el domingo 9, pudiera acudir al Retiro (lástima no haber podido hacerlo el día antes en el Auditori Melià, ya que habría sido una experiencia orgásmica) y apareciera ante mis retinas el lagarto gigante de goma más famoso de la historia del cine. Y si añadimos el hecho de que la película está firmada por Hideaki Anno —“Neon Genesis Evangelion”— y Shinji Higuchi —“Ataque a los Titanes”—, no podía haber ningún tipo de duda: el freak que habita en mí exigía el verla.

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Sin embargo, una vez visionada, salí con una rara sensación puesto que acababa de enfrentarme a la película más lenta, extraña y diferente de la historia del género kaijü eiga. Tanto, que por momentos me había parecido realmente una buena película, pero de las buenas de verdad, algo que uno no espera cuando va a ver a un lagarto atómico gigante pelearse contra una polilla alienígena gigante o a un dragón de tres cabezas… gigante. Y esa buena película parecía más bien una larga crítica a la burocracia gubernamental y en la que no se veía a un lagarto atómico gigante pelearse contra… vale, no hace falta que lo repita.

“Un extraño fenómeno provoca el rápido calentamiento del agua de la bahía de Tokio a la vez que las autoridades descubren la existencia de una gran masa de agua que se acerca a la orilla. De ahí emergerá una extraña criatura similar a una serpiente que repta sobre sí misma, pero que con el transcurrir de las horas irá mutando hasta transformarse en un dinosaurio gigante que arrasa todo a su paso.

Si bien la criatura no se muestra violenta, su sola presencia en medio de la ciudad es un peligro ya que emana radiación por su piel y con el más mínimo movimiento destruye edificios, por lo que el primer ministro se pondrá manos a la obra para detenerlo. Sin embargo, la férrea burocracia del gobierno pondrá límites a cada uno de los departamentos implicados en el asunto, haciendo que su labor sea cada vez más compleja, en especial cuando los Estados Unidos pidan permiso para lanzar un ataque nuclear sobre la ciudad.”

Siguiendo este argumento ya os habréis dado cuenta de que “Shin Godzilla” reinicia la saga. Teniendo en cuenta que en USA ya han hecho dos remakes, puede ser bastante mosqueante el hecho de que en su país de origen hagan lo mismo. Sin embargo, si no me falla la memoria, esta es la tercera vez que la saga japonesa es reiniciada, por lo tanto, es lo que hay. También es cierto que si la aparición del entrañable monstruo en los años 50 correspondió a una plasmación audiovisual del horror que supusieron los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki y su importancia en la cultura japonesa, es del todo lícito y comprensible que el renacido pánico a todo lo nuclear tras la tragedia de Fukushima haya acabado derivando en una nueva entrega de Godzilla, y teniendo en cuenta que el monstruo lo es sólo en sus películas iniciales para convertirse a continuación en salvador de la humanidad, era lógico que se reiniciase la saga y fuese convertido en un ser destructor. Y la verdad sea dicha, desde un punto de vista japonés y de la manera en que ha sido hecha esta película, puedo imaginar en algunas personas más sensibles el mismo impacto que debió provocar la primera película en la década de los 50.

godz2    Y es que aquí más que nunca Godzilla es una formidable amenaza, pero aún lo es más que ante la ausencia de un plan de actuación por parte del gobierno en un suceso así (algo comprensible), se siga a rajatabla unos trámites burocráticos lentos que obligan a reunirse diversos departamentos, luego los delegados de cada departamento, luego los delegados de cada delegado con el primer ministro, y ante la siguiente duda, vuelta a repetir todo el proceso, mientras el bicho va haciendo de las suyas.

Por tanto, es más una película de reuniones, decisiones políticas y más reuniones que un kaijü eiga al uso con escenas de destrucción por doquier. Pero que no cunda el pánico, las dos escenas de batalla del ejército contra el monstruo son impresionantes, de lo mejor del año en F/X. Olvidaros de tanques de juguete, el lagarto de goma y edificios de cartón que se rompían de un soplido. Toda la película hace gala de un CGI tan impresionante que se ve del todo natural, perfectamente integrado con los paisajes reales y que permite disfrutar de esas dos escenas tan magistrales. Pese a todo, me resulta curioso que todos los F/X tengan tanta calidad y sin embargo, cante un poco la primera aparición de Godzilla como serpiente/babosa/lo que sea que va reptando y escupiendo sangre, en especial por esos extraños y ridículos ojos que le han puesto.

Estamos también ante una película coral con multitud de diálogos en la que hay que agradecer el complejo trabajo realizado en el subtitulado, así como en el próximo doblaje, ya que la película se va a estrenar en cines españoles. Dada la gran cantidad de actores que intervienen y el poco tiempo en el que se desarrolla la acción —apenas un par de días—, los personajes son planos y no evolucionan nada, sin embargo, están bien concebidos e interpretados, y es fácil empatizar con ellos. Habría que destacar a Ren Ohsugi —“Audition”, “Hana-bi. Flores de fuego”, etc.—como el primer ministro Seiji Okochi, quien aún siendo la máxima autoridad en Japón no puede tomar una decisión sin el consenso del interminable equipo de asesores, Hiroki Hasegawa —“¿Por qué no jugamos en el infierno?”, “Ataque a los Titanes”, etc.— como Rando Yaguchi, el principal responsable científico de la crisis y a la bellísima Satomi Ishihara —“Ataque a los Titanes”, “Sadako 3D”, “Monsterz”, etc.—, quien interpreta a un interesante personaje llamado Kayoko Ann Patterson, enlace durante la crisis entre el gobierno japonés y norteamericano, y que puede lograr el triple combo en la política de los USA: ser la primera mujer menor de cuarenta años y de padres extranjeros en convertirse en presidenta, pero siempre que gestione bien la crisis con Japón en nombre de USA.

godz4   Y dentro de todo el conflicto político interno, a veces tenso, a veces cómico del que hace gala la película, añadimos un factor externo que me pareció muy inteligente: el gobierno americano, al ser aliado de Japón, ofrece su ayuda en forma de bombardeo nuclear sobre Tokio, lo que lleva a cierto sector del gobierno japonés a pensar en que una vez más, se los quieren quitar de encima. Yaguchi y Ann Patterson tendrán que trabajar a contrarreloj para encontrar una solución que detenga a Godzilla antes del bombardeo nuclear, pese a que para la muchacha, apoyar esta opción pueda ser un revés en sus aspiraciones políticas.

Como veis, la película no tiene mucho que ver con lo que se esperaría de un kaijü eiga, y por supuesto, nada que ver con la última encarnación de la franquicia rodada hace doce años ya, la entretenida y muy matrixera Godzilla: Final Wars”. Pero lo que para mí ha sido un acierto, reconozco que para otros pueda ser tedioso ya que pese a durar dos horas, da la sensación de ser más larga. Sin embargo, el virtuosismo técnico de las escasas escenas de acción creo que serán suficientes como para satisfacer las ansias de los amantes de Godzilla, ya que estamos ante la versión más brutal y peligrosa que ha aparecido jamás en una pantalla de cine (joder, que mide más de 180 metros, ¡da miedo de verdad!).

 

LO MEJOR

  • El insólito planteamiento y desarrollo, basado en reuniones y tensiones políticas, en las antípodas del clásico kaijü eiga.
  • La crítica a la política interna de Japón y a la injerencia norteamericana
  • El bestial rediseño de Godzilla.
  • Los efectos especiales y el realismo de las secuencias de acción.
  • La tremenda química existente entre Hiroki Hasegawa y Satomi Ishihara. No tendría sentido alguno una relación entre ambos personajes en esta trama, pero dan ganas de verlos juntos en una película romántica.
  • La explicación al funcionamiento interno de Godzilla.

 LO PEOR

  • El planteamiento y desarrollo que he alabado, puede ser lo que haga aburrirse a mucha gente que espere otra cosa.
  • La falta de más escenas de acción.
  • Que los F/X sean tan perfectos y la primera aparición de Godzilla tenga un aspecto tan ridículo (¿¿¿quién puñetas diseñó esos ojos???)

LA ESCENA

  • Las dos batallas contra Godzilla.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 13): Sam was here, de Christophe Deroo

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Sam was here
  • Año: 2.016
  • Duración: 75 min.
  • País: Francia
  • Director: Christophe Deroo
  • Guión: Christophe Deroo y Clement Tuffreau
  • Fotografía: Emmanuel Bernard
  • Reparto: Rusty Joiner, Sigrid La Chapelle, Rhoda Pell, etc.
  • Productora: Nightcall Productions
  • Género: Suspense, thriller, road movie

 

Lunes. Retiro. 12:15. Sin saberlo, me dispongo a enfrentarme al mayor de mis miedos… al “efecto Lost”. Ya lo padecí en menor medida el día anterior con “Shortwave”, pero en esta ocasión lo iba a sufrir a tope.

Como ahora mismo estaréis un poco perdidos, permitidme que haga un corta pega de un pasaje publicado en la introducción al festival aparecido en la crítica de “31”.

“…Y el segundo punto a destacar sería lo que denomino como “efecto Lost” o “me importa una mi…. que no te enteres”. Y es que de un tiempo a esta parte, estoy viendo un fenómeno que me saca de quicio, y que normalmente se da en el género de suspense o terror: el no explicar nada. Estoy de acuerdo en que Hollywood tiene lobotomizado el cerebro a muchas personas con productos clónicos y previsibles, y no está nada mal en enfrentarnos de tanto en tanto con producciones que te hagan pensar, que no te lo den todo hecho. Films como “Memento” o “Mullholland drive” te hacen comerte la cabeza pero puedes establecer algún tipo de teoría sobre lo visto. Sin embargo, el “efecto Lost” visto en, por ejemplo, la multipremiada “It follows”, sería el tipo de historia cuyo guión no explica nada de lo sucedido y lo que es peor, tampoco da pistas o claves para que te montes tu propia película mental. Pero ojo, que la situación es todavía más lamentable, porque encima estamos hablando de películas muy bien hechas a casi todos los niveles y con unos elevados niveles de tensión, suspense y “nopuedoapartarlamiradadelapantallaostiaquebienmeloestoypasando”. O sea, que estamos ante unos guionistas y directores que conocen todos los resortes del entretenimiento, que te ofrecen un producto distinto y bien hecho pero que se centran únicamente en la parte estética olvidando (o queriendo olvidar) que están contando una historia y que ésta ha de ser explicada en algún momento o que pueda intuirse lo sucedido.”

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Todo este tochopasaje entrecomillado resume el desconcierto mío y de buena parte de los asistentes al salir de la proyección. Y es que no hay nada peor que que te den un caramelo y te lo quiten apenas lo has saboreado. Es decir, que “Sam was here” es cojonudamente buena… hasta que se termina y entonces te das cuenta de que te han  estafado, bien por ineptitud, bien a propósito.

La sinopsis reza así: “Sam es un comercial a puerta fría que viaja por el desierto de California. La mala suerte le persigue puesto que nadie responde cuando llama a las casas. Al cabo de un tiempo empieza a sospechar algo raro al comprobar cómo, en gasolineras, bares de carretera o moteles, tampoco encuentra a nadie, pese a haber en ellos platos con comida caliente o ceniceros con colillas aún humeantes. Sam también descubrirá algo en común en los sitios que visita: en todos ellos hay una radio encendida sintonizando la misma emisora, y en ésta, un locutor con voz y estilo de la década de los 50 habla sobre la peligrosidad que encierra un asesino que mató de forma cruel a una niña y se fugó, y cómo, la policía con la colaboración de algunos vecinos, está estrechando el círculo. Y llegará un momento en que la peor pesadilla de Sam se haga realidad, cuando descubra que él es la persona de la que hablan por radio.”

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Sam was here” ha sido la película más corta que he visto en este festival. Apenas 75 minutos. Y es verdad que esta duración permite quitar paja e ir al grano y que el nivel de tensión no disminuya en ningún momento. Esto es algo de lo que deberían de tomar nota ciertos directores empeñados en rodar películas que pasen de las dos horas, pero también es verdad que diez minutos más de metraje dedicados a aclarar que es lo que ha pasado habrían venido muy bien.

 

LO MEJOR

  • La interpretación de Rusty Joiner.
  • La impecable fotografía de Emmanuel Bernard.
  • El relato del cerco al asesino por parte del locutor de radio.
  • Conseguir tal nivel de intriga con tan pocos actores.
  • El aire a historia de “Twilight Zone” que tiene.

 LO PEOR

  • Un desarrollo basado en trucos y trampas dignas del mejor cine de suspense pero que evita dar cualquier tipo de explicación a lo sucedido.
  • La aparición en escena del locutor de radio, que arroja todavía más dudas.

LA ESCENA

  • La mencionada aparición del locutor de radio y su manera de comportarse.

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 12): Rupture, de Steven Shainberg

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Rupture
  • Año: 2.016
  • Duración: 102 min.
  • País: USA
  • Director: Steven Shainberg
  • Guión: Brian Nelson y Steven Shainberg
  • Fotografía: Karim Hussain
  • Reparto: Noomi Rapace, Peter Stormare, Kerry Bishé, Michael Chiklis, etc.
  • Productora: Ambi Pictures y Tango Pictures
  • Género: Terror, drama, torture porn

 

Llegamos a una de las películas que más ganas tenía de ver del festival. A la dirección está Steven Shainberg, realizador de películas tan destacables como “Retrato de una obsesión” y “Secretary”. El guión lo firma el propio Shainberg junto a Brian Nelson, veterano escritor que ha guionizado capítulos de series como “Tierra: conflicto final” y “Da Vinci’s demons”, y en cine la popular entre el fandom freak “30 días de oscuridad” y la magistral muestra de suspense “Hard candy” (tal vez el mejor thriller de la pasada década). Encabezando el casting está Noomi Rapace, a la que adoro desde que encarnó de forma tan brillante a Lisbeth Salander en la trilogía “Millenium”, siendo acompañada de un plantel de estupendos secundarios como Michael Chiklis, Kerry Bishé y Peter Stormare. Por tanto, con todos estos nombres involucrados, era difícil que saliera algo mal. Y no ha sido así, pero tampoco la obra maestra que podría haber sido.

rup4   Allá va la sinopsis: “Una mujer con fobia a las arañas es secuestrada por una desconocida organización, llevada a sus instalaciones y obligada a participar en una terapia de choque extrema. Los secuestradores la torturan obligándole a enfrentarse a sus miedos con tal de que alcance el “punto de ruptura”. Tras un intento de fuga descubrirá que el punto de ruptura no consiste en hacer que consiga superar sus miedos y fobias, sino algo mucho más terrorífico y peligroso.”

Inquietante, angustiosa y con su punto de mal rollo, así es la película. La historia se beneficia de una cuidada estética, sucia y opresiva, así como de unas excelentes interpretaciones (inclusive de un Peter Stormare menos histriónico de lo habitual), en la que destaca Noomi Rapace, por supuesto. Sin embargo, director y guionista, antes de iniciar un interesante aunque algo previsible giro de guión final, han pecado de no atreverse a situar la trama de la mayoría del metraje en el torture porn y sí en el thriller de suspense, cuando la trama permitía y demandaba lo primero. No siempre es justificable la violencia en el cine, pero “Rupture” recuerda en cierto modo a “Hostel”, por lo que un contenido más heavy habría sido bienvenido.

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También peca de un ligero exceso de metraje y eso que sólo dura una hora y cuarenta y dos minutos, pero en concreto, la escena del intento de fuga de la protagonista es bastante larga y contribuye a restar ritmo a la película.  Diez minutos menos habrían venido de perlas.

rup5    No puedo mencionar mucho más sin entrar en terrenos de spoilers. De hecho, a diferencia de las otras críticas, no he querido incluir el tráiler tras los créditos iniciales. El motivo es que el video te cuenta toda la peli ya desde el inicio, en el que la voz de uno de los malos explica su particular filosofía, así que he decidido incluirlo al final. La parte final previsible en la cual se conoce el misterio que rodea al “punto de ruptura hace recordar a cierta saga muy popular que tampoco nombraré, pero el inquietante ambiente y particular estética permiten que no sea algo muy molesto (aunque sí que provoca un cierto desencanto en plan “vale, era esto, pues vaya”). Y lo más curioso es que el final, abierto a más no poder pide a gritos una secuela. Estamos ante una de las pocas veces en que estaría justificada una segunda parte.

En cualquier caso, “Rupture” es una propuesta de lo más atractiva para amantes de la temática.

 

LO MEJOR

  • Noomi Rapace.
  • Las inquietantes intervenciones de los personajes secundarios.
  • La propuesta inicial.
  • La peculiar estética y ambientación.

 LO PEOR

  • Que te deja un poco frío el conocer lo que está ocurriendo.
  • El final abierto no será del gusto de todos y tampoco implica que vaya a rodarse la tan necesaria secuela.
  • Que no se hayan atrevido a subir el nivel de intensidad y meterse de lleno en terrenos del torture porn.

LA ESCENA

  • Los momentos de soledad del personaje de Noomi Rapace en su celda y cómo prepara el plan de fuga.

 

Y ahora sí; bajo vuestra cuenta y riesgo, el spoileante tráiler. Estáis avisados.

 

 

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 11): Raw, de Julia Ducournau

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Raw
  • Año: 2.016
  • Duración: 99 min.
  • País: Francia
  • Director: Julia Ducournau
  • Guión: Julia Ducournau
  • Fotografía: Ruben Impens
  • Reparto: Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Naït Oufella, Laurent Lucas, etc.
  • Productora: Petit Film, Rouge International y Frakas Productions
  • Género: Drama, adolescencia, canibalismo, thriller

 

 

Aunque va en contra de mis principios el denominar a una película que estoy viendo en versión original con un título diferente al propio, cuando lleguemos a las críticas de películas orientales lo haré con su nombre internacional en inglés, puesto que es más cómodo de escribir y de pronunciar; sin embargo, en esta ocasión, me niego a llamar a esta película con el título de “Grave (Crudo)” —así tal cual, con la traducción incorporada—, que es como la publicitó tanto el propio festival como algunos medios. Sin embargo ya no es sólo que muchos medios franceses y la Biblia IMDB la llamen “Raw” —aunque esta última ha actualizado recientemente la ficha para llamarla “Grave”—, sino que es lo que se ve en letras enormes en los títulos de crédito iniciales de la misma película. Por tanto, para mi es y será siempre “RAW”.

Y tras estas disquisiciones lingüísticas, decir que para que una producción de cine independiente francesa, con un presupuesto justito y actores poco conocidos, abarrotara de público y prensa un miércoles el Auditori Melià ¡¡¡a las 8:15!!! de la mañana, algo tiene que tener de especial. Y lo tiene, o no, eso ya lo dejo a vuestro criterio, estimados lectores ausentes, pero lo cierto es que de las tropecientas películas programadas en el festival, esta cinta francesa era la que más expectativa e interés previo había provocado. Si el término tan de moda “hype” fuese una película, sin duda sería “Raw” (hmm, vale, y “Rogue One” también).

ras2   Los motivos para crear tanta expectación fueron tres. Primero: la sinopsis… “Justine, una adolescente abandona el nido familiar para estudiar veterinaria en una universidad. Sobreprotegida, mimada y marcada por una rígida forma de vida vegana, se enfrentará de repente a un mundo de drogas, alcohol, libertinaje, sexo y novatadas humillantes, y a Alexia, una hermana mayor que es de todo menos un modelo a seguir.

Cuando Justine sea obligada en una novatada a comer un trozo de carne, despertará en su interior una mezcla de lujuria reprimida, violencia y apetito desmedido por la carne y la sangre humanas.” Segundo: las escenas gores de canibalismo. Tercero: la gente vomitando y desmayándose durante la proyección en el Festival de Toronto.

Y la gran pregunta que os estaréis haciendo es si era para tanto. No. Pero un NO ROTUNDO. Lo cual no quita para que algunas escenas den algo de grima, pero cualquiera que haya aguantado la crudeza y brutalidad de “Human Centipede 2”, esto le parecerá un juego de niños.

ras1  Todo el asunto del canibalismo o los momentos en los que la directora pretende derivar a su obra hacia el terror no es más que una metáfora, violenta y desagradable, de mostrar la transición de la adolescencia a la etapa adulta. Si eliminamos la parte fantástica, estamos ante un realista relato sobre la represión y posterior liberación emocional de una adolescente, y la lucha entre querer encajar en un sitio nuevo y sus propios miedos a no conseguirlo. O sea, nada que no se haya visto antes. Y que conste que tampoco es una crítica, porque como digo, sin esa parte fantástica estaríamos igualmente ante un excelente drama adolescente. Parte de culpa la tiene el estupendo trío protagonista, Garance Marillier —Justine—, Ella Rumpf —Alexia— y Rabah Nait Oufella, quien interpreta a Adrien, el compañero de habitación de Justine, homosexual, prototipo de tronista en “Hombres, mujeres y viceversa” y su interés romántico/sexual. Y parte de culpa, cómo no, radica en la realizadora Julia Ducournau, quien tiene muy claro lo que quiere mostrar sin importar las críticas. Obsesionada por el cuerpo humano y ayudada por un fantástico director de fotografía como es Ruben Impens —“Alabama Monroe”, “The sky above us”, “Black mirror”, etc.—, no duda en mostrar tanto la parte más erótica como la más desagradable de Justine. Es capaz de trasformar a la joven Garance Marillier de una mosquita muerta en la que nadie se fijaría a un ser libidinoso que exuda sexualidad y erotismo por todos sus poros y a la vez, dar una vuelta de tuerca y conseguir que la escena de su primera relación sexual incomode más que excite por su intensidad y nivel de violencia (eso no quita para que esté rodada de PM). Y sobre lo de mostrar la parte más desagradable, pues Ducournau ha conseguido que después de que el espectador sexualice a un personaje que en un principio no provocaba esa emoción, sintamos asco o desaparezca la empatía hacia ella (la escena de la depilación o verla degustando con placer un dedo humano).

ras5  Sin embargo, no podemos quitarnos de encima el asunto del canibalismo y la pretendida deriva de la película hacía el terror, puesto que aunque pueda ser visto como la metáfora mencionada, tiene mucha importancia en la trama y es un apartado que no está bien desarrollado. Es decir, alguien que ha sido vegano por dieciocho años, no puede convertirse en carnívoro (y mucho menos en caníbal) por comerse un trocito minúsculo crudo de riñón de conejo de un día para otro —literal—. Y las escenas en las que se sugiere que hay un trasfondo oculto para este comportamiento, no son explicadas, dejando al espectador con demasiadas dudas.

También es obligado destacar que aunque no estemos ante una película de gran presupuesto, no luce pobre y los contados efectos especiales y de maquillaje son de lo más realistas. Olivier Alfonso —“À l’intérieur”, “Les revenants”, etc.— ha sido su responsable y el resultado no podría haber sido mejor.

A Julia Ducournau se le concedió el premio de mejor directora novel, sin embargo, aunque estemos ante una directora con un personal sello, cabe decir que ya había codirigido una película en 2.012, por lo tanto estamos ante una directora “semi novel”, así que no le tendrían que haber dado el premio. ¡Qué puñetas! ¡Se lo merece!

Otro asunto que no dejó de rallarme desde que salió la lista de premiados por el festival, fue el hecho de que la pequeña Sennia Nanua ganase uno de los premios gordos del festival, el de mejor actriz por ”Melanie, the girl with all the gifts”, teniendo a su lado a una inmensa Glenn Close. Que ojo, lo hace sensacional, pero comparada con Garance Marillier, su trabajo no destaca tanto. Está muy bien que premios importantes vayan a jóvenes talentos, pero podrían crearse las categorías de actores y actrices noveles para evitar situaciones así. Aunque es cierto que igualmente habrían competido Nanua y Marillier, puesto que la francesa también debutaba en esta película.

Este premio no ha sido el único que la cinta ha ganado, también se ha llevado el “Méliès d’Argenta mejor película europea y elPremio del Jurado Carnet Jovea mejor película, siendo así una de las cintas más premiadas del festival.

En resumen, película muy recomendable, con interpretaciones de altura, una dirección magistral y ciertos toques de gore y violencia que no son lo que nos habían vendido, pero que provocan mal rollo.

 

LO MEJOR

  • Las excelentes interpretaciones de Garance Marillier y Ella Rumpf.
  • La intensa química entre estas dos actrices.
  • El ambiente crudo y realista.
  • El talento exhibido por Julia Ducournau en cada escena.
  • El maquillaje y efectos especiales.
  • La evolución de Justine, que va de tímida e ingenua a bomba sexual incontrolable para acabar en psicópata caníbal, y cómo está interpretada por Garance Marillier.

LO PEOR

  • La parte del canibalismo aparece de forma rápida y precipitada y no es explicada, dejando al espectador con demasiadas dudas.
  • La evolución de Justine en el apartado anterior, excesivamente rápida y poco creíble.
  • El exagerado hype creado ante unas escenas de canibalismo que ni son tantas ni para tanto.

LA ESCENA

  • Justine perdiendo la virginidad con su compañero de habitación.
  • La escena de la depilación.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 10): Melanie, the girl with all the gifts, de Colm McCarthy

Por Albert Sanz.

 

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Melanie, the girl with all the gifts
  • Año: 2.016
  • Duración: 111 min.
  • País: Inglaterra
  • Director: Colm McCarthy
  • Guión: Mike Carey
  • Fotografía: Simon Dennis
  • Reparto: Gemma Arterton, Glenn Close, Sennia Nanua, Paddy Considine
  • Productora: Poison Chef, BFI Film Fund y Altitude Film Sales
  • Género: Zombis, infectados, terror, ciencia ficción, drama, mutaciones

 

https://www.youtube.com/watch?v=HjGkB_oWTe0

 

melal4    Mi debut en este Sitges fue con esta película y además iba con una expectativa muy alta. Y es que si tenemos a un director —Colm McCarthy— especializado en televisión de calidad —“Sherlock”, “Los Tudor”, “Doctor Who”, “Murphy’s law”, etc.—, a un guionista — Mike Carey— que es además el escritor de la alabada novela que ésta película adapta, y el co-protagonismo de una siempre extraordinaria Glenn Close, y le sumamos lo huérfanos que estamos de producciones zombis de alto presupuesto para cines, está claro que estamos ante una de las películas de las que más se había hablado con anterioridad y que más ganas tenía de ver el público, que abarrotó todos los pases.

Además, como comenté en mi primer artículo del festival —introducción al mismo más la crítica de “31”—, en esta edición he visto una serie de películas con un marcado carácter femenino siendo “Melanie, the girl with all the gifts” una de ellas, en la que el peso dramático lo llevan las actrices en detrimento de sus compañeros masculinos, ya que ninguno de ellos interpreta a un personaje de peso en la trama.

 melal3   “En un futuro cercano, el Reino Unido ha sucumbido a la pandemia zombi. En Birmingham sobrevive una base militar fuertemente custodiada a cuyo frente está la científica del ejército, Caldwell, quien intenta buscar una cura. En la misma base conviven un grupo de niños que forman parte de una segunda generación de zombis, con el mismo apetito de sangre pero con conciencia, sentimientos y facultades mentales como los humanos. La profesora Justineau cree en su humanidad y se encariña de Melanie, la niña más sensible del grupo, pero la vida de ésta está en peligro ya que la doctora Caldwell ha descubierto que en su sangre reside la cura para el virus Z. 

Cuando la base es atacada, Caldwell, Justineau, Melanie y un grupo de soldados han de huir hacía otra base cercana. Y no tendrán más remedio que confiar en la niña y dejarla libre, ya que es la única que puede ayudarles a atravesar un territorio plagado de zombis, mientras descubren el horror que puede traer la tercera generación de infectados.”    

Lo cierto es que la sinopsis es muy sencilla, pero con todo lo visto, no vamos a pretender ahora buscar la originalidad. Más vale hacer algo de calidad de principio a fin que no hallar un camino original para luego perderse en su desarrollo (sí, hablo de “Swiss army man”, pero eso es otra historia). Y aunque este film peque en algunos momentos de previsible, no desarrolle casi nada a sus personajes y esté coprotagonizado con bastante desgana por Gemma Arterton (que curiosamente, ha trabajado mejor y estuvo más entregada en blockbusters palomiteros como “Hansel y Gretel: cazadores de brujas”, “Prince of Persia: las arenas del tiempo” o “Quantum of solace”), se ve con agrado, te mantiene en tensión, empatizas con los personajes y encima tiene un final tan inesperado como sorprendente.

melal5   Parte de lo bueno de la película radica en dos de las mujeres del trío protagonista. Glenn Close se sale de su zona de confort habitual para mostrarnos a una científica militar muy cabrona. No es un témpano de hielo como sugieren sus primeras escenas, pero está dispuesta a todo con tal de ayudar a la humanidad, aunque sea matando a un grupo de chiquillos. Y la pequeña Sennia Nanua como Melanie también demuestra ser toda una estrella en ciernes y una actriz a la que habrá que seguir atentamente. Sin embargo, creo algo exagerado por parte la organización haberle otorgado el premio de mejor actriz, ya que realiza una grandísima interpretación pero no increíble, y porque una vez vista la película, no queda claro quién es más protagonista en el trío Close-Arterton-Nanua.

También es obligatorio destacar la fotografía, con muchos tonos marrones y anaranjados que le dan una estética especial tanto a los paisajes desolados como a los llenos de zombis, y las referencias directas a “El día de los trífidos” y “El señor de las mocas” e indirectas a “Mad Max: más allá de la cúpula del trueno” (referencias que han sido criticadas por algunos pero que a mí me han parecido un acierto).

En definitiva, “Melanie, the girl with all the gifts” y su más que probable horrible título que le pondrán cuando se estrene en España (voto por “La divertida niña caníbal pasea por el campo”), no innova y peca de un desarrollo algo previsible, pero se ve con agrado, presenta a un joven valor como es Sennia Nanua, demuestra que Glenn Close es capaz de adaptarse a todo, tiene las mencionadas referencias que aportan algo de diferenciación, posee un marcado carácter femenino y su final es de esos que cuesta de olvidar, entre agridulce y sorprendente; por tanto, recomendación absoluta.

 

LO MEJOR

  • Ver a Glenn Close fuera de su zona de confort habitual y comprobar una vez más que es un seguro de vida para cualquier producción.
  • El aire de cine independiente pese a ser un blockbuster.
  • El descubrimiento de Sennia Nanua.
  • Poder ver diferentes tipologías de zombis.
  • El inesperado final.
  • Las referencias directas o indirectas a clásicos del cine y la literatura.
  • Que el trío protagonista esté interpretado por mujeres.
  • Que volvamos a disfrutar en cines de una película Z de alto presupuesto.

LO PEOR

  • Un desarrollo algo previsible.
  • Carencia de algunas escenas más de acción.
  • Que Gemma Arterton no haya aprovechado esta oportunidad y parezca que sobre cuando está junto a Close y Nanua.
  • La planicie de casi todos los personajes.

LA ESCENA

  • La presentación de los niños en la base militar.
  • Los últimos diez minutos.

 

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