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Cine: Stoker, de Park Chan-Wook

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Una crítica de Mitsuko.

 

FICHA TÉCNICA

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Dirección: Park Chan-Wook.

Guión: Wentworth Miller.

Música: Clint Mansell.

Fotografía: Chung-hoon Chung

Reparto: Mia Wasikowska, Matthew Goode, Nicole Kidman, Jacki Weaver, Dermot Mulroney, Lucas Till, Ralph Brown, Alden Ehrenreich, Phyllis Somerville, Wendy Keeling, Lauren E. Roman, Tyler von Tagen, Judith Godrèche.

Productora: Fox Searchlight Pictures / Scott Free Productions

Duración: 98 minutos.

Nacionalidad: USA

Tráiler: http://www.youtube.com/watch?v=KlHA2qmtAaE

Página Oficial: http://www.foxsearchlight.com/stoker/

 

“India Stoker (Mia Wasikowska, “Jean Eyre”) es una introvertida joven, cuyo padre acaba de fallecer en un trágico accidente de coche. Durante el velatorio aparece un nuevo miembro de la familia que todos desconocían, su tío Charlie (Matthew Goode “Watchmen”): un joven misterioso e inquietante que decidirá dirá hacerse cargo de la huérfana y la viuda, interpretada por Nicole Kidman. Charlie, primero será observado con desconfianza por parte de India, pero poco a poco ella se dará cuenta de lo mucho que ambos tienen en común.”

Esta cinta es el salto al cine norteamericano por parte del consagrado director coreano (del sur se entiende) Park Chan-Wook, conocido mundialmente por su célebre trilogía de la venganza (Simpathy for Mr. Vengeance, Simpathy for Lady Vengeance y Old Boy).

Muchos temíamos este salto hollywoodiense como el principio del fin, pero ni mucho menos, Wook está más que a la altura de las expectativas que sus fans teníamos puestas en él. Se ha adaptado perfectamente al tipo de cine que se rueda en EEUU suavizando sus escenas de incestos y de violencia extrema… y remarco suavizando que no eliminando (¡gracias, gracias!).

El film comienza al más puro estilo del cineasta: un soliloquio de la protagonista para que sepas qué es lo que estás a punto de ver. No es una comedia ni un drama, es una historia que está más próxima a la psique de cualquier ser humano que te puedas cruzar un día por la calle.

0La historia transcurre con una fotografía magistral de la mano de Chung-hoon Chung, un viejo conocido de Wook. Los encuadres de las escenas crean una atmósfera asfixiante, inquietante y con una gran tensión, ya sea de tipo sexual, muy evidente en la trama o la que vive en su mundo interno la protagonista. De esta manera, te ves de pleno en la trama y planteándote interrogantes, sientes ira, terror, amor, satisfacción e incluso odio… y de nuevo el director te atrapa en su red como si del genial Hitchcock se tratara (tal como él mismo ha declarado: “Hitchcock no sólo representa el género de thriller, sino que él en sí es el propio género. Además, Stoker es la segunda parte de una trilogía inacabada de un cuento sobre la maduración de los adolescentes. “I’m a Cyborg, but that’s OK” fue la primera de ellas”.

Como no soy muy partidaria de spoilear una película, prefiero no aventurar más sobre su trama para que vayáis al cine a verla, ya que son contadas las ocasiones que tenemos de ver una película “asiática” en la gran pantalla comercial, sólo os diré que si os gusta el suspense y sois un poco retorcidos en vuestro fuero interno, encontraréis esta película deliciosamente macabra.

 

 

Cine: Los últimos días, de Álex y David Pastor

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Una crítica de Marta S. March.

 

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Dirección y guion Àlex Pastor, David Pastor

Música Fernando Velázquez

Fotografía Daniel Aranyó

Reparto Quim Gutiérrez, José Coronado, Marta Etura y Leticia Dolera

Productora Morena Films / Rebelión Terrestre / Antena 3 Films / Les Films du Lendemain

Página oficial http://www.losultimosdias.es/

 

Año 2013. Una misteriosa enfermedad se extiende por todo el planeta. La humanidad desarrolla un pánico irracional a salir al exterior, lo que provoca la muerte de manera fulminante. Pronto, toda la población mundial se queda encerrada en sus casas. Mientras la civilización se desmorona, Marc, sin poder salir a la calle, emprende una misión casi imposible: la búsqueda de Julia, su novia desaparecida. (FILMAFFINITY)

Vuelven los hermanos Pastor a la carga y lo hacen con un nuevo relato apocalíptico. Un fin del mundo o más bien un cambio en el orden de las cosas en una Barcelona inmersa en un desastre de magnitudes catastróficas. Como en “Carriers” (2009), siguen las enfermedades desconocidas acechando a la humanidad y colocándola al borde de la extinción y los Pastor nos lo cuentan sin alardear de juegos de cámara extraños ni efectos digitales excesivos

Buena historia con un desarrollo algo desigual, que alterna momentos de acción trepidante con algunos en que el ritmo desciende hasta mínimos. Y como no, los flashbacks están a la orden del día. Un inicio a bocajarro que demanda aclaraciones demasiado frecuentes. Aun así, “Los últimos días” cumple con lo prometido, aventura en un submundo elaborada con sencillez y sin artificios.

Después de ver a José Coronado encorsetado en la reciente “El cuerpo” por fin podemos disfrutar de un poco de soltura en su interpretación. Se observa a Coronado cómodo con su personaje, más incluso que el propio Quim Gutiérrez, aunque este último ofrezca un par de momentos brillantes hacia el final de la cinta. Pocas veces se establece una química tan especial entre dos actores y consiguen que transcienda de un modo tan palpable.

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En vilo nos han tenido durante los 100 minutos que dura el largo y lamentamos enormemente el final edulcorado con el que se cierra esta epopeya. Así como en la citada “Carriers” el final era poético, incluso bellamente impregnado de desesperación, “Los últimos días” traiciona con sus últimos minutos todo lo proclamado. No nos lo creemos. Falla en las formas no en el contenido, pero lo hace y desinfla el ánimo.

La naturaleza humana, la inseguridad, la madurez, los errores, el inexorable paso del tiempo en un cuento sobre la esperanza, la redención, la amistad, la fuerza y la aceptación de los cambios inevitables.

Quedaos con “Los últimos días” sin esos “últimos minutos” y estad seguros que no os defraudará.

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Hansel y Gretel: Cazadores de brujas, de Tommy Wirkola.

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Una crítica de Marta S. March

tolaisDuración 88 min.

Director Tommy Wirkola.

Guion Dante Harper y Tommy Wirkola.

Música Atli Örvarsson.

Fotografía Michael Bonvillain.

Productora Coproducción EEUU-Alemania; MGM / Siebzehnte Babelsberg / Gary Sanchez Productions.

Reparto Jeremy Renner, Gemma Arterton, Peter Stormare y Famke Janssen.

Página oficial http://www.hanselandgretelmovie.com/

 La historia comienza 15 años después de que los hermanos Hansel y Gretel consiguieran escapar de una bruja que secuestraba niños y que cambió sus vidas para siempre… e hizo que se aficionaran al sabor de la sangre. Ahora ya son adultos, y se han convertido en unos caza-recompensas feroces y formidablemente preparados, dedicados exclusivamente a perseguir y exterminar brujas por bosques sombríos, dispuestos a todo con tal de vengarse. Pero a medida que se aproxima la infausta Luna de Sangre y un conocido pueblecito de casas de madera se enfrenta a una pesadilla en la que están implicados sus niños, Hansel y Gretel se encuentran con un poder diabólico superior a cualquier bruja que hayan cazado, un demonio que podría conocer el secreto del terrorífico pasado de los hermanos.

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¿Os apetece jugar a descubrir anacronismos? ¿Sí? Entonces esta es vuestra película. Con Hansel y Gretel: cazadores de brujas, vuelve el bueno de Wirkola después de, hay que reconocerlo, hacernos pasar un rato divertido con sus Zombis Nazis hará ya 4 años. Así como en esa ocasión parodiaba sin contemplaciones el género y conseguía que los amantes del mismo nos riéramos un poco, con esta revisión del clásico no logra más que aborrecer al personal. Sin tener claro el público objetivo, Wirkola intenta llegar a todo sin conseguir ser nada más que la reinterpretación de un cuento que se parodia a sí mismo.

En este cuento, como en todos los cuentos, las brujas son feas, con nariz aguileña, verrugas y, como no, vuelan montadas en escobas. Brujas, que recordando a la entrañable bruja aburrida, e inmersas en un desarrollo argumental cargante, no llegarán enganchar a la historia ni a los niños ni adolescentes que encandilados con el tráiler se atrevan a acudir a las salas.

Hansel (J. Renner, En tierra Hostil 2008, El legado de Bourne 2012) y Gretel (G. Arterton, Prince of Persia 2010, Furia de titanes 2010) son unos personajes increíbles que reconozcámoslo tienen química, pero lamentablemente, más parecida a una tensión sexual no resuelta que a la propia entre dos hermanos. El reparto se cierra con otro par de caras conocidas, Peter Stormare (Bailar en la oscuridad 2000, El gran Lebowski 1998) que con su desgracia ofrece uno de los momentos más aplaudidos de la película y Famke Janssen (X-Men 2000, 2003, 2006) como bruja mala, malísima, que si eso es la más grande de las dificultades a la que van a tener que enfrentarse los hermanos, apañados estamos…

Desgraciadamente, la cinta no es ni emocionante ni divertida como pretendía nuestro director, sino todo lo contrario. Despierta un mínimo interés en el porvenir de sus protagonistas y no se sitúa con comodidad dentro de ningún género reconocible.

Confieso que si tengo problemas con el mundo sobrenatural, yo seguiré llamando a los Cazafantasmas.

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10 películas esperadas para el 2013

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En casi todos los aspectos, 2012 fue un buen año para el cine. Desde aventuras de superhéroes que llenaron la taquilla, películas independientes que pincharon nuestros corazones, y films de género para todos los gustos, el 2012 estuvo lleno de opciones realmente interestantes; donde algunas acaban de aterrizar en nuestro país y otras esperamos con ganas. Y aunque resulta difícil compaginar todo el ocio disponible, libros, series, videojuegos o incluso los juegos de azar online en Binguez, vamos a repasar las 10 películas más esperadas para el presente año:

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Evil Dead
Polémico remake de un clásico del cine de terror. La película nos mostrara a 5 amigos que se alojan en una cabaña de Tenessee para así ayudar a una de los amigos que se encuentra en rehabilitación por drogas. Estar sin sus drogas la convierten en una persona agresiva, lo que llevara a sus amigos a no darse cuenta de que en realidad esta poseída por demonios que fueron desatados al leer el Necromicon…

Iron Man 3
Tercera entrega de la saga de Marvel Studios. El guionista y director Shane Black la define como “un thriller de las novelas de Tom Clancy con Iron Man luchando contra villanos del mundo real”.

Gravity
Sandra Bullock interpretará a una brillante ingeniero médico a bordo de su primera misión espacial junto con el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney). Durante un rutinario paseo espacial ocurre la catástrofe. El transbordador se destruye, dejando a Stone y Kowalsky completamente solos y atados el uno al otro sin contacto con la tierra… y cualquier posibilidad de rescate. A medida que el miedo se transforma en pánico, cada bocanada de aire consume el poco oxigeno que les queda.

Elysium
El reponsable de Distrito 9 vuelve con una película de ciencia ficción y denuncia social: En el año 2159, los seres humanos se dividen en dos grupos: los ricos, que viven en la estación espacial Elysium, y todos los demás, que sobreviven como pueden en una Tierra devastada y superpoblada. A pesar de una durisima ley antiinmigración, los habitantes de la Tierra harán todo lo posible por emigrar a Elysium. Max (Matt Damon) acepta una misión casi utópica, pero que, si tuviera éxito, significaría la conquista de la igualdad entre las personas de esos dos mundos tan opuestos.

Star Trek Into Darkness
El capitán Kirk pone de nuevo en marcha el Enterprise para enfrentarse a un villano del que todavía no sabemos nada. Pero J.J. Abrams piensa poner a Chris Pine contra las cuerdas y hará que su personaje tenga que tomar duras decisiones que afectarán a su tripulación.

Pacific Rim
Guillermo del Toro presenta la guerra entre robots y alienígenas definitiva. Los Kaiju son unos seres salidos del océano, dispuestos a acabar con la humanidad. Ésta responderá con los Jaegers, unos gigantescos robots tripulados por hombres. Ya era hora de volver a ver un trabajo del mexicano.

Man of Steel
Zack Snyder intenta devolver la gloria pasada de uno de los clásicos superhéroes en un film producido por el mismisimo Christopher Nolan y escrita por David S. Goyer, donde no se ha escatimado presupuesto en renovar la imagen del hombre de acero.

The Wolverine
La segunda película donde Hugh Jackman interpreta a Wolverine sin otros mutantes. La película está centrada en ser independiente de su “predecesora” y en mejorar la imagen del héroe. La película se desarrollará en Japón, adaptando una saga japonesa de cómics creados por Chris Claremont y Frank Miller, donde el héroe tiene que luchar por su amor con su señor padre, que no es más que el jefe de la mafia y de toda la organización criminal

After Earth
M. Night Shyamalan pone en peligro a Will y Jaden Smith en su nueva película de ciencia ficción. Un padre y un hijo colisionan con un planeta hostil, del que tendrán que intentar salir con vida. Ese planeta es la Tierra.

El Hobbit: La Desolación de Smaug
Cerramos el año de la misma forma que acabamos 2012: en la Tierra Media. Seguimos las aventuras de Bilbo y su compañía de enanos, que mantienen Erebor como final del trayecto. Aunque estén a medio camino, todavía hay muchos peligros a los que enfrentarse, y una tercera película que llegará unos meses después.

Especial Sitges 2012: Beasts of the Southern wild (Bestias del sur salvaje), de Benh Zeitlin

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Una crítica de Marta S. March.

Duración 91 min.

Nacionalidad USA.

Director Benh Zeitlin.

Guion Benh Seitlin y Lucy Alibar (inspirado en la obra de Lucy Alibar).

Música Dan Romer y Benh Zeitlin.

Fotografía Ben Richardson.

Reparto Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana, Nicholas Clark, Jovan Hathaway.

Productora Cinereach, Court 13 production y Journeyman Pictures.

Página oficial http://beastsofthesouthernwild.com/

Tráiler http://www.youtube.com/watch?v=l404aK2XWW4

En una olvidada y orgullosa comunidad instalada en un bayou (zona pantanosa formada por los meandros del Misisipi) apartado del mundo por un inmenso dique, la pequeña Hushpuppy, de seis años vive junto a su descocado padre. Cuando una tremenda tormenta eleva las aguas alrededor de su pueblo, el padre de Hushpuppy enferma y ella descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe imparable de proporciones épicas.

La ópera prima de Zeitlin ha llegado a nuestras pantallas precedida de la noticia de sus nominaciones a los Óscar. Aspirando hasta a cuatro premios, Óscar a mejor película, mejor director, mejor guion adaptado y mejor actriz para la pequeña protagonista, Quevenzane Wallis. Bestias del sur salvaje ya ha cosechado la Cámera d’Or en Cannes junto con otros prestigiosos galardones a nivel internacional.

El debut en la dirección de Zeitlin es un pretendido canto a la libertad, aspirando ser una oda a la vida. Bella fotografía, sensacional banda sonora y adorable protagonista para un film algo errático y desigual. Wallis sorprende en los primeros minutos por su fuerza y perfecto mimetismo con el entorno, pero el paso de la historia tristemente la ablanda, tornando su mirada algo vacía y carente de ese magnetismo inicial que no necesitó más que un segundo para cautivar al espectador.

Por el contrario, la desesperada y desesperante evolución del protagonista masculino, Dwight Henry como padre de Wallis, emociona y remueve entrañas como pocos. Desproporcionada quizás la nominación a mejor película y actriz a los Oscar, donde van a tener que enfrentarse a Lincoln y Naomi Watts, duras competidoras en estas categorías.

Cinta post apocalíptica de metraje ajustado, donde el orgullo de un pueblo se entremezcla con la asocialidad más absoluta. Una omnipresente narración en off, abusivo lirismo poético cuando es sabido por todos que una imagen vale más que mil palabras.

Aunque Bestias del sur salvaje no llegue a alcanzar todo lo que podría, es una cinta fresca, dura y tierna. Una lucha en medio de una realidad devastada, contra viento y marea, para recuperar el equilibrio a todos los niveles imaginables que se torna en ejercicio de autoreafirmación y aceptación del ritmo natural del universo.

Juego de emociones, abandono, soledad, identidad y valentía que recomiendo encarecidamente ver en versión original.

 

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Cine Especial Sitges: El Cuerpo, de Oriol Paulo

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Una crítica de Marta S. March

Director Oriol Paulo. Producción Joaquín Padró, Mar Targarona, Mercedes Gamero y Mikel Lejarza. Guion Oriol Paulo y Lara Sendim. Fotografía Óscar Faura. Montaje Joan Manel Vilaseca. Música Sergio Moure de Oteyza. Diseño de producción Balter Gallart. Sonido Oriol Tarragó. Efectos especiales In Extremis Film Services. Efectos especiales de maquillaje DDT (David Martí, Montse Ribé). Efectos visuales Fasman (Lluís Castells). Vestuario Maria Reyes. Reparto José Coronado, Belén Rueda, Hugo Silva y Aura Garrido. Duración 107 minutos

Trailer http://www.youtube.com/watch?v=lDD-dr2BzCE

El cadáver de una mujer desaparece inexplicablemente de la morgue sin dejar rastro. El inspector Peña será el encargado de investigar este misterio mientras espera que el vigilante nocturno del depósito se recupere de un accidente y pueda arrojar algo de luz al caso. Mientras tanto, el marido de la fallecida estará en el punto de mira de todos. ¿Dónde está el cadáver?

Los productores de El orfanato (2007) y Los ojos de Julia (2010) han confiado en esta ocasión la dirección de El cuerpo a un viejo conocido, uno de los guionistas de Los ojos de Julia, Oriol Paulo. Paulo se estrena en el rol de director con esta película, un thriller psicológico que juega a cruzar esa línea fina que lo separa del terror. El cuerpo ha llegado a nuestras pantallas después de disfrutar del honor de ser la película inaugural de la 45ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en octubre del pasado año.

José Coronado coprotagoniza este thriller con tintes Hitchcockianos interpretando un atormentado inspector a medio camino entre Colombo e Ironside. Aunque correcto en términos generales y notable transmitiéndonos sus dramas, encontramos a Coronado encorsetado en las escenas de interrogatorio, emulando a los grandes del género sin llegar a imprimirle un sello personal.

Belén Rueda vuelve a la carga perfectamente mimetizada con una mujer madura, con poder y ambición capaz de todo para hacer realidad sus deseos. Una de las interpretaciones más destacables que le recordamos hasta el momento, aunque por cuestiones de guion sea parca en metraje. Después de que llegara a imprimirse en nuestras retinas como la buena y paciente sufridora, en El cuerpo nos regala una maravillosa malvada. Una mala inquietante que nos hace dudar absolutamente de todo.

El más débil del trio protagonista es sin duda alguna Hugo Silva. Silva no consigue hacerse con el personaje, lo persigue incansablemente durante los 100 minutos largos de metraje hasta que, por fin, en los últimos minutillos resulta mínimamente convincente. Me gustaría saber si se barajaron otros nombres para este papel…  Al ser una de las piezas que conforman este engranaje, no puedo dejar de mencionar la presencia de una preciosa Aura Garrido de quien la única crítica que podríamos hacerle es, quizás, un exceso de intensidad. El reparto de El cuerpo se completa por una extensa participación de actores y actrices catalanes entre los que no logro entender porque se ha doblado a alguna…

La acción se desarrolla alternando dos planos temporales que permiten revelar al espectador, a dos tiempos, las verdades que parecían ocultas. Aunque sea un recurso trillado, tengo que reconocer que los flashbacks son de lo más efectivo. Un argumento rocambolesco con unos primeros minutos desconcertantes y un desenlace sorprendente, que aun siendo pillado por los pelos, consigue remontar una película que en su tramo medio cae en lo insulso.

Con El cuerpo queda claro que la venganza no es un plato que se sirva frío, sino helado.

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CINE: El Hobbit. Un viaje inesperado, de Peter Jackson

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Una crítica de Rozikas.

FICHA

Película 3D: El hobbit: Un viaje inesperado. Título original: The hobbit: An unexpected journey. AKA: El hobbit: Parte 1. Dirección: Peter Jackson. País: Nueva Zelanda. Año: 2012. Duración: 169 min. Género: Fantástico, aventuras. Interpretación: Martin Freeman (Bilbo Bolsón), Ian McKellen  (Gandalf), Andy Serkis (Gollum), Cate Blanchett (Galadriel), Elijah Wood  (Frodo Bolsón), James Nesbitt (Bofur), Lee Pace (rey Thranduil), Christopher Lee (Saruman), Ian Holm (Bilbo anciano), Hugo Weaving (Elrond), Richard Armitage (Thorin, Escudo de Roble), Ken Stott (Balin), Graham McTavish (Dwalin), William Kircher (Bifur), Stephen Hunter (Bombur), Dean O’Gorman (Fili), Aidan Turner (Kili), John Callen (Oin), Peter Hambleton (Gloin), Jed Brophy (Nori), Mark Hadlow (Dori), Adam Brown (Ori), Benedict Cumberbatch (El Nigromante). Guion: Peter Jackson, Philippa Boyens, Guillermo del Toro y Fran Walsh; basado en la novela de J.R.R. Tolkien. Producción: Peter Jackson, Carolynne Cunningham, Fran Walsh y Zane Weiner. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Montaje: Jabez Olssen. Diseño de producción: Dan Hennah. Vestuario: Ann Maskrey, Richard Taylor y Bob Buck. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en Nueva Zelanda: 12 Diciembre 2012. Estreno en España: 14 Diciembre 2012. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

SINOPSIS

“El hobbit: Un viaje inesperado” (The hobbit: An unexpected journey, 2012), película dirigida por Peter Jackson, es la primera de las tres partes de la adaptación al cine de la popular novela de J.R.R. Tolkien. La historia está ambientada en la Tierra Media, 60 años antes de “El Señor de los Anillos”. La aventura cuenta el viaje de Bilbo Bolsón, quien se ve arrastrado a una épica búsqueda que le llevará a reclamar el reino que años atrás perdieron los enanos a manos del temible dragón Smaug. Sin verlo venir, y convencido por el mago Gandalf el Gris, Bilbo termina formando parte de una compañía de 13 enanos liderados por el legendario guerrero Thorin Escudo de Roble. Su viaje les llevará a lo salvaje, a través de tierras peligrosas infestadas de trasgos, orcos y huargos mortíferos, así como de una misteriosa y siniestra criatura conocida como El Nigromante. A pesar de que su destino está situado al Este, en las tierras yermas de la Montaña Solitaria, los personajes primero tendrán que escapar de los túneles de los trasgos, donde Bilbo conocerá a la criatura que cambiará su vida para siempre… Gollum. A orillas de un lago subterráneo será cuando el modesto Bilbo, al quedarse a solas con Gollum, descubra no sólo la profundidad del ingenio y el coraje, hecho que le sorprende incluso a él, sino además el “precioso” anillo de Gollum, un anillo con inesperadas cualidades y de gran utilidad… Una sencilla sortija de oro que está ligada de tal manera al destino de toda la Tierra Media, que Bilbo no es capaz siquiera de imaginar.

El criticón de cine dice:

Cuando se estrena una saga de proporciones bíblicas como la de “El Señor de los Anillos”, o en este caso su precuela “El Hobbit”, siempre surgen distintas corrientes de críticos −“profesionales” o no−, de las que forman parte, irremisiblemente, los fans-frikis tolkianos y los críticos que se ciñen de manera estricta a lo visionado en el celuloide. Yo pertenezco a este segundo grupo, y por ello voy a hacer una reseña personal lo menos “espoileadora” posible y evitando las tediosas comparaciones y discrepancias con el papel.

Una vez transcurridas las primeras semanas desde su estreno, la nueva trilogía de Peter Jackson basada en las aventuras épicas de J. R. R. Tolkien ha recogido miles y miles de críticas en todo el mundo, de las que todos que hemos disfrutado de “El Hobbit” en los cines nos hemos hecho eco antes y después de visionarla.

Lo primero que puede parecer chocante es que Jackson haya pretendido extender un libro cortito, precuela de la espectacular saga que le reportó en total 17 oscars y una legión multitudinaria de seguidores, para crear una trilogía como la de ESDLA, pero todo tiene su lógica explicación cuando se dispone de muchos millones de dólares, amplias expectativas de éxito y un gran afán recaudatorio como el obtenido con las tres películas anteriores.

El resultado de esta “elongación” de trama y metraje se hace evidente en la primera mitad de la película, donde servidor no pudo evitar reprimir algún bostezo y que le vinieran a la memoria escenas y recuerdos vívidos de ciertas películas ochenteras de fantasía épica. Está claro que Jackson y su troupe han infantilizado un libro ya de por sí mucho más “light” y menos profundo que ESDLA −no es lo mismo una de persecuciones y aventuras por la Tierra Media que una lucha constante mucho más allá de la dualidad entre el bien y el mal−, han añadido más personajes, animalitos y algunos enanos “metrosexuales” para hacerlo sencillamente muy comercial y apto para todos los públicos −es evidente que más para los niños y las mamás; los papás y jovencitos “aguerridos” se tienen que conformar con breves batallitas y algunas escenas típicas de videojuegos y de guiones de Indiana Jones (las intervenciones del rey trasgo o el descenso “surfero” de los héroes en los túneles son claros ejemplos)−.

 A medida que la película avanza, el ritmo se vuelve de súbito más vertiginoso, pasando de una “okupación + botellón” enano en casa Bolsón a una auténtica “Land Movie” −entíendase como tal una “road movie” en la Tierra Media−. De igual modo, la trama se torna más peligrosa y sobradamente conocida tras la aparición testimonial de los elfos Elrond y Galadriel, del mago Sáruman  y, como no, tras el encuentro esperado entre Bilbo y Gollum, que nos acercan a ese espíritu oscuro más propio de ESDLA, y por ende, de Jackson.

Los escenarios y la banda sonora han sido un corta y pega de la anterior trilogía; qué mejor decorado para Jackson que su sempiterna e impresionante Nueva Zelanda. Y esa deliciosa sinfonía orquestada por Howard Shore. En ningún caso ambas rechinan; al contrario. Jackson va a lo seguro y sigue agradando con ello.

Destacar los papeles de Ian McKellen (Gandalf) −atención a algunas sentencias profundas y atemporales que lanza− y Martin Freeman (Bilbo). En el caso de este último, salvo por papeles poco relevantes y su interpretación meritoria del doctor Watson en la miniserie “Sherlock” −es muy curioso que el actor que interpreta al Nigromante, y que en esta entrega apenas se ve, sea también el que encarna a Sherlock Holmes−, su incursión en la saga como protagonista principal generaron ciertas dudas, que el actor solventa más en el apartado humorístico −no cabe duda que “El Hobbit” esta plagado de estos guiños para entretener a todo el mundo− que en el de la acción, al menos en esta entrega.

El resto de actores importantes venidos de ESDLA participan más bien poco. Es interesante la propuesta de Radagast, el mago de los bosques, así como el desaforo y la algarabía de raza de la compañía de los enanos, encabezada por Thorin y esos jovencitos con más aspecto de hobbits que de enanos, que a muchos seguidores de Tolkien han escandalizado. Se ve a la legua que este hecho ha sido premeditado por parte de Jackson y sus guionistas para no “embrutecer” la supuesta belleza de los actores que los interpretan −Thorin o Kili, por ejemplo−, agradando así a las féminas. ¿O me equivoco, chicas?

 

¿Enanos o humanos?

Con Christopher Lee (Sáruman), alucino en colores, pues sigue maravillando con entereza y vitalidad a sus noventa años. En este caso, lo encontramos más apacible sin el influjo maligno de Sauron, aunque sí se intuye ese reverso oscuro que acabará por dominarle.

El resultado de “El Hobbit: Un viaje inesperado” salta a la vista desde el principio. Resumiendo, más de lo mismo que en ESDLA, con ese tedio y fantasía rebosante hasta la mitad de la cinta que cambia por completo a modo persecutorio y peligroso; en definitiva, a la diversión y entretenimiento que todos esperábamos.

No es una obra maestra como pretenden vendernos algunos exacerbados seguidores, pero tampoco es, ni mucho menos, un fracaso de Jackson. Con tener claro desde el principio que no vamos a ver batallas ni dramas épicos como los de ESDLA, y sí más fantasía y diversión, el entretenimiento está asegurado; en ello, Jackson y cia cumplen con creces.

Pese a hacerse larga en determinadas partes, sobretodo al comienzo, la sensación final tras su visionado es satisfactoria e invita al optimismo con las dos siguientes entregas: “La desolación de Smaug” (2013) y “Partida y regreso” (2014).

Atención: No tuve la oportunidad de disfrutar del 3D, pero sé de buena tinta que tiene momentos brutales que te hacen saltar del asiento. Eso sí, no puedo decir lo mismo del pase en 48fps, que ha recibido tan malas críticas en EEUU.

NOTA:  8/10

 

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CINE: Desafío Total (Total Recall 2012), de Len Wiseman

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Una crítica de Rozikas

FICHA

Película: Total recall (Desafío total). Título original: Total Recall (2012). Dirección: Len Wiseman. País: USA. Duración: 131 min. Género: Acción, ciencia-ficción. Interpretación: Colin Farrell (Douglas Quaid), Kate Beckinsale (Lori), Jessica Biel (Melina), Bryan Cranston (Cohaagen), Bill Nighy (Matthias), John Cho (McClane). Guion: Mark Bomback y Kurt Wimmer; basado en el relato corto “Podemos recordarlo todo por usted al por mayor”, de Philip K. Dick. Producción: Toby Jaffe y Neal H. Moritz. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Paul Cameron. Montaje: Christian Wagner. Diseño de producción: Patrick Tatopoulos. Vestuario: Sanja Milkovic Hays. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Estreno en USA: 3 Agosto 2012. Estreno en España: 14 Septiembre 2012. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

SINOPSIS

En un futuro próximo, una guerra química devastará todo el mundo conocido, excepto la Unión Federal Británica (Inglaterra) y la Colonia (Australia), interconectadas por la llamada “Catarata”, un colosal ascensor que atraviesa la corteza y el núcleo terrestre.

A caballo entre estos dos emplazamientos, se sitúa esta nueva versión de “Desafío total”, donde Douglas Quaid (Farrell) acude a la empresa Rekall para un viaje mental con el que poder escapar durante unos instantes de su frustrante vida. El recuerdo real de una vida como espía puede ser exactamente el implante que necesita, pero algo sucede durante el procedimiento que le reactiva una parte de recuerdos “olvidados” en su cerebro. De la noche a la mañana, Quaid se convierte en el hombre más buscado por la policía –controlada por el canciller Cohaagen–. No puede confiar en nadie salvo, posiblemente, un miembro de los rebeldes que trabaja para el jefe de la resistencia.

La línea entre la fantasía y la realidad se desdibuja, y el destino de su mundo pende de un hilo cuando Quaid descubre su verdadera identidad, su verdadero amor y su verdadero destino.

El criticón de cine dice:

Sí, sí, sí… Cuando visteis, queridos cinéfilos amantes de la CF, hace algunos meses que se preparaba un remake (¡oh, palabra gurú de la industria hollywoodiense!) de la mítica peli de los 90, “Desafío Total”, seguro que os tirasteis de los pelos y os encomendasteis a alguna virgen o santa para prepararos ante el advenimiento de un nuevo truño hinchado de CGI, FX’s y demás siglas anglosajonas que riman con 3D.

En esta ocasión, debo deciros que no os estáis equivocando al afirmar que la anterior versión, la de Verhoeven y “Chuache”, con efectos distantes y argumentos “parecidos”, le gana la partida con diferencia a lo nuevo de Len Wiseman.

Pero ahora bien, dejadme ser franco (¡españoles!) y sincero al máximo porcentaje que mis entendederas me permitan, dejemos a un lado la típica frasecita de: “las comparaciones son odiosas”, que de hecho, lo son, e intentad abrir vuestras mentes para introduciros un implante mental que os permita visualizar esta nueva versión como algo novedoso, olvidándonos completamente de la peli de “Chuache”…. ¿Imposible, no? Bueno, pero al menos intentadlo; sólo es un consejo para que la disfrutéis más.

Seguro que estaréis flipando con lo de la “Catarata” y el viaje a través del núcleo de la Tierra, argumento “original” porque no lo habíamos visto en la anterior versión, pero sí en el relato del que bebe esta cinta, escrito en 1966 por el padre literario, entre otros, de títulos como “Blade Runner” o “Minority Report”, Philip K. Dick. La obra es cuestión se llama “Podemos recordarlo todo por usted al por mayor”, que Verhoeven se saltó prácticamente a la torera en su día (con buen criterio, todo sea dicho), y que Wiseman ha rescatado para introducirle ciertas escenas “made in Verhoeven” y otros guiños para los fans.

Antes de visualizar esta peli, tened bien en cuenta que no nos vamos a mover del mismo planeta (¡adios, Marte querido!), sino entre puntos distintos del mismo, aunque la trama sea “casi” parecida. Sin embargo, os garantizo, como en cualquier otro filme moderno de CF, que os van a encantar las carreras, las persecuciones, las persecuciones (no es un error de repetición) y las escenas de acción en esos escenarios futuristas repletos de CGI y “copiados” de otros títulos de culto que os vendrán a la memoria al instante.

También contad que no hay malos malotes como antaño, ni Kuatos, ni mutantes, ni minas de turbinio, ni dilemas constantes para el espectador en cuanto a si el prota es Quaid en realidad, o Hauser, (¿realidad o sueño?, aún recuerdo aquellas pajas mentales de crío) como bien nos hicieron creer hace 22 años. Ni qué decir tiene que cualquiera podría haber interpretado mejor al personaje de Quaid, y que la Beckinsale está tremenda y es, interpretativamente, lo mejor de la cinta, pero se hace tan cansina esa persecución marital, que al final, lo bueno se emborrona.

Creedme si os digo que la película cumple con creces su misión de entretener e impactar visualmente al espectador; odiadme cuando os diga que la disfrutaréis con un amplio porcentaje de satisfacción si os olvidáis todo lo posible de su mítica antecesora; y temedme cuando contempléis la nota que le endiño, basado únicamente en lo visionado y no en la “fuck…” comparación. Pero queredme, aunque sea en el fondo, malditos, que siempre os traigo las mejores críticas, y sólo para Athnecdotario.

 

NOTA:  8/10

 

 

 

 

 

 

Especial Sitges: The Tall Man, de Pascal Laugier

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Título: The Tall Man

Año De Produccion: 2012

Estreno en España: 31/10/2012

País: Estados Unidos, Francia

Reparto: Jessica Biel, Jodelle Ferland, Stephen McHattie, Jakob Davies, William B. Davis, Samantha Ferris, Katherine Ramdeen, Kyle Harrison Breitkopf, Teach Grant, Alicia Gray, G. Michael Gray, Eve Harlow, John Mann, Jodi Sadowsky, Garwin Sanford

Director: Pascal Laugier

Productores: Cold Rock Productions BC, Forecast Pictures, Iron Ocean Films, Minds Eye Entertainment, Radar Films, SND

“En un pueblo lejano que poco a poco se está muriendo, los niños están desapareciendo sin pistas – secuestrados, según los residentes, por una misteriosa entidad conocida localmente como “The Tall Man”. La enfermera del pueblo, Julia Denning [Jessica Biel] se mantiene escéptica…hasta que su pequeño hijo David desaparece en el medio de la noche.  Desesperada por encontrar al chico, Julia pasa por la pesadilla de todo padre en este misterioso cuento lleno de sorpresas a cada momento, dirigido por el aclamado Pascar Laugier [Martyrs].”

Un film que aparentaba ser uno más en la interminable lista de películas de terror americanas al uso y que se ha revelado como una agradable sorpresa. Con una ambientación más que sobresaliente, el director logra sumergirnos en una atmosfera cerrada, en el microcosmos que es en si misma la población de Cold Rock.

La decadencia y abandono  del pueblo minero va más allá de sus negocios, sus edificios y sus calles. Son sus gentes, sus habitantes, quienes la han adoptado como forma de vida, regodeándose en el derrotismo y la dejadez, adoptándolos como rutina diaria y excusa para no salir del agujero de mierda en que se ha convertido sus vidas. Resulta cómodo para ellos aceptar ese rol, el de víctima, sin mover un dedo para cambiar las cosas.

Somos muchos los que esperábamos con ansia el último trabajo de Pascar Laugier. Tras sus anteriores proyectos, donde demostraba ser uno de los mejores directores dentro del género de terror más descarnado y visceral, teníamos ganas de saber que se traía entre manos y si el resultado podría compararse con esa maravilla que fue Martyrs. Lo cierto es que el resultado ha sido una obra muy distinta y alejada de aquella, con un enfoque completamente inesperado, pero en el que sigue apreciándose el innegable talento del director.

Hasta llegar a la mitad de la película, no podía quitarme de la cabeza una conocida sensación de encierro, de estancamiento, de sentirme trasladado a un lugar aislado del mundo. Le comentaba a mi acompañante que era el mismo desasosiego que  servidor experimentó con un videojuego donde el bosque y las montañas, unido a lo peculiar del pueblo que se encuentra enclavado entre ellas, le dan un aspecto tan onírico como aterrador: Alan Wake. No se si lo conocéis, pero hay tantas similitudes en cuanto a ese escenario tan inquietante y oscuro (que no en la historia, ya que no tienen nada que ver), que me ha resultado imposible no enmarcar ambas historias dentro de un mismo patrón.

No es la única referencia que veremos reflejada en la peli. Hay mucho de Stephen King y de esa América profunda y rural, apática y “redneck” que tanto le gusta retratar al autor, así como esos escenarios oscuros, sombríos y amenazadores, esa naturaleza que desborda por doquier y esos personajes tan costumbristas y a la vez, tan inquietantes… No se si es casual, pero resulta inevitable ver las similitudes. ¿Cómo olvidar la aterradora y asfixiante presencia que son en si mismos los densos e interminables bosques de Maine? La inmensidad de esas imponentes y laberínticas extensiones boscosas, que pese a su belleza, consiguen asfixiar con su propia naturaleza a esa decadente población, manteniéndola encerrada sobre si misma mientras agoniza.

Destacables y bien aprovechaos los giros que da el guion, logrando sorprender y obligándonos a tener que replantearnos quien es quien en esta oscura historia y cuales son sus motivaciones. Se juega con el público, llevándolo de un lado a otro y cambiando su percepción de lo que ocurre y sus sentimientos respecto a los protagonistas. El reparto cumple con su cometido y resulta convincente en la piel de sus personajes. ¿Quién es el villano en esta historia? No lo descubriréis hasta el final.

Una feroz crítica a la falta de atención paterna, sutil  y disfrazada bajo el manto del monstruo. A la desidia que algunos sectores de la sociedad han asumido como forma de vida,. A la resignación, al derrotismo y a la falta de amor y de esperanza.  Cuando una sociedad, sea un pequeño pueblucho minero o toda una nación, se rinde al abandono, al victimismo y deja de preocuparse no ya de si misma, sino de sus hijos, está renunciando a su futuro.

Que Jessica Biel no es una actriz sobresaliente, es algo que todos sabemos de sobra. Para muchos seguirá siendo “Pecosa” hasta el fin de los tiempos. Aun así, resulta creíble en su papel y logra transmitir todo lo que su personaje siente. Lo mismo ocurre con el resto. Tanto Stephen McHattie  como Jodelle Ferland o Samantha Ferris cumplen con su trabajo de manera satisfactoria. William B. Davis no es una excepción, pero su personaje me ha parecido muy desaprovechado, ya que su presencia es apenas testimonial y uno se queda con las ganas de ver a este actor en un papel de peso.

Si hay algo que podría mejorarse en este título, es en el desenlace. No en si mismo, sino en la forma en que se desarrolla. La percepción general es que si bien el final es magnífico para cerrar la historia, el modo en que se narra no es el más adecuado. Excesivamente largo y con un enfoque parsimonioso, que desentona con el resto de la peli. Se le da excesivas vueltas para llegar a puerto y que descubramos el secreto, una vez ya están todas las piezas sobe la mesa. Con veinte minutos menos, sería una película redonda.

En resumen: Película intensa y con una atmósfera tan inquietante como lograda, donde el bosque y las montañas se convierten en un escenario angustioso, a la vez que suponen un personaje en si mismo. Con un giro de guion increíble, se sale por la tangente y sorprende de manera eficaz. Su única pega: Un excesivo metraje, sobretodo en el último tercio, en que la explicación y desenlace podían haberse resuelto de una forma más breve, sin necesidad de alargarse tanto. Recomendable, una dura crítica social en la  que la ambientación claustrofóbica se suma a una  historia en la que nada es lo que parece, inquietante en si misma y que transcede al lugar y la atmósfera conseguida.

Nota: 7,5 sobre 10

 

 

Especial Sitges: Sinister, de Scott Derrickson

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Una crítica de Marta S. March

 USA 2012

Director Scott Derrickson

Producción Jasón Blum, Brian Kavanaugh-Jones

Guion Scott Derrickson y C. Robert Cargill

Fotografía Chris Norr

Montaje Frederic Thovaral

Música Christopher Young

Diseño de Producción David Brisbin

Sonido Jack Hutson

Vestuario Abby O’Sullivan

Reparto Ethan Hawke, Juliet Rylance, Vincent D´Onofrio, James Ransone, Fred Dalton, Thompson, Clare Foley, Victoria Leigh

Duración 110 min.

“Diez años atrás, Ellison vivió las mieles del éxito. Su primer libro fue un best-seller aclamado por público y crítica, pero ninguno de sus trabajos posteriores ha logrado un triunfo comparable. Aun así, Ellison no pierde la fe; sabe que tiene algo bueno entre manos. Está investigando la muerte de una familia, y para profundizar en el caso se traslada a la casa donde vivieron. Allí encuentra una caja llena de filmaciones cuya apariencia doméstica oculta imágenes de dolor y violencia y, también, una presencia demoníaca agazapada entre los fotogramas”. (Sitges Film Festival)

Ethan ha crecido, amigos. Ya no es aquel niño que filosofaba sobre el sentido de la vida en Reality bites (1994), ni el que se enamoraba a primera vista en Before sunrise (1995), ni tan sólo el joven que se exfoliaba para suplantar identidades en GATTACA (1997). Echando de menos a este último, nos encontramos a un Hawke maduro, un escritor padre de familia, que busca desesperadamente la historia que le permita escribir la obra que le lance definitivamente a la fama. Obsesionado con la idea de alcanzar su último gran éxito, se ve envuelto en una historia que supera los límites de la realidad conocida.

Sinister tubo su premier internacional en el 45 Festival de Sitges (2012), en el que optó al premio a la mejor película de la Secció oficial fantàstic a competició. El director de El exorcismo de Emily Rose (2005) y los productores de Paranormal Activity (2007) e Insidious (2010), profundizan en el terror a través de un drama familiar. Es ahí donde recae el éxito de acierto de Sinister y por ende el acierto de Derrickson. Dotar de una trama argumental coherente a una película de terror es lo que la ensalza por encima de la media. Aun así, Sinister promete más de lo que ofrece realmente en lo que a lo que nos interesa a los amantes del género, pasarlo mal.

Los actores principales aportan verosimilitud, cabe destacar la interpretación de Juliet Rylance como amante y, sobretodo, paciente esposa que seguirá incomprensiblemente a su marido en su espiral obsesivo. Hawke borda su papel en los momentos de crisis familiar, no obstante le falta algo de entrenamiento para conseguir trasladar su terror a través de la pantalla y conseguir que nos lo hagamos nuestro. Aun así, Hawke consigue una interpretación digna. Derrickson describe con precisión los personajes y crea con habilidad la atmósfera, aunque flojee en los momentos de terror sorpresivo.

Uno de los detalles remarcables de Sinister es el encuentro de una misteriosa caja de películas súper8, que desvelaran las grabaciones caseras de unos horribles crímenes acontecidos a lo largo de 4 décadas. Siendo una de las películas bien hilvanadas, como viene siento habitual en los tiempos que corren, peca de paternalismo e introduce demasiadas explicaciones. ¡Más misterio!! Derrickson ¡hay que mantener el misterio hasta el final! ¡Es mejor sugerir que mostrar! Creo que eso no se lo enseñaron cuando era un chiquillo; quizás debería escribirlo 100 veces en la pizarra…

Hay bastantes detractores de su lenta introducción, no estoy de acuerdo. Los planteamientos iniciales son indispensables para que el público entre en situación. Diseñar buenos escenarios, desarrollar a los personajes colabora en introducir al espectador en la historia de modo que le sea difícil salir de ella. Hasta aquí Derrickson y el reparto cumplen con su cometido. Peeero (y si, siempre tengo un pero), el esclarecimiento excesivo y los finales explícitos sobran, son de mal gusto. De este modo es como una cinta que podría ser notable consigue un aprobado tirando a bien.

 

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