Futuros Perdidos, de Lisa Tuttle

Buenas tardes, mis queridos Lectores Ausentes.

Acabo de terminar Futuros Perdidos, de Lisa Tuttle y debo decir que a pesar de que a la novela se le ven algunas costuras, que la protagonista hay momentos que te gustaría que la atropellase un camión de la basura o algo (el victimismo y la debilidad de carácter de la protagonista me ponía de los nervios) y que en cierto modo el final me ha resultado un tanto precipitado (buscando la salida fácil), sigue pareciéndome una de las propuestas más curiosas, inquietantes y estimulantes que he leído en referencia a los universos paralelos y realidades múltiples y alternativas.

ltfpgUna exploración metafísica del jardín de los senderos que se bifurcan.

Clare Beckett es una mujer madura acosada por las consecuencias de una negligencia juvenil, y sueña febrilmente con escapar a un mundo en el que las cosas hubieran sido diferentes. Pero sus sueños son tan vívidos que llega a experimentar otras vidas, futuros perdidos que ponen en entredicho su cordura…

Futuros perdidos propone un viaje de exploración al interior de la conciencia en uno de los vehículos narrativos de mayor calado filosófico: la posibilidad de explorar el árbol probabilístico de la teoría de los muchos mundos y acceder a otras líneas argumentales de nuestra propia vida.

El estilo de Tuttle es ágil y fluido, con un ritmo que va a más a medida que avanza la trama, sin buscar realmente alcanzar un clímax cómo tal, sino  prefiriendo que nos sorprendamos por nosotros mismos ante lo que nos propone y dejando que sea la propia historia quién marque las pautas. Todo ello con una prosa que no deja lugar a florituras innecesarias, pero bien elaborada y con un tono premeditado que le sienta de fábula a lo que nos quiere contar. Algunos cambios de escena  un tanto precipitados al principio, en los primeros saltos de conciencia del personaje, pueden resultarnos un tanto  abruptos, sin una transición clara entre una y otra, hasta que entramos en la dinámica y comprendemos lo que pasa: es justo lo que la autora pretendía, contagiarnos la incertidumbre e incomprensión ante lo que ocurre, tal y como le sucede en un principio a la protagonista. Lo que en un primer momento puede parecer un error, se descubre cómo un total acierto cuando la historia avanza, dotándole de una atmósfera onírica y un tanto surrealista, en la que la protagonista (y nosotros mismos) somos incapaces de afirmar con certeza si todo es real o no, si estamos en nuestra vida o en una de las posibles variantes a esta, arrastrándonos poco a poco hasta hacernos dudar de su cordura.

Sin llegar a ser una novela de terror (navega a medio camino de la ciencia ficción y la fantasía), si coquetea con él de forma descarada, sobre todo con esos momentos de angustia extrema que sufre su protagonista al aparecer en una vida que no es la suya, pero que si lo es… El descenso a la locura, la obsesión por encontrar una realidad perfecta, la negación de aceptar quien es ella y cómo ha vivido su vida ni las decisiones que ha tomado, la incapacidad de cambiar lo que no le gusta por sí misma, prefiriendo suplantarse en otras vidas que envidia y que no fue capaz de asumir o provocar en su momento cuando tuvo oportunidad,  buscando una salida y escapar fuera de su propia realidad…

Uno no puede evitar reflexionar ante lo que se nos propone en la obra. La infinidad de puertas que se abren a cada segundo: ¿Y si hubiera salido del trabajo treinta segundos más tarde? ¿Y si se me hubieran caído las llaves antes de entrar en casa? ¿Y si la hubiera besado? ¿Qué habría cambiado en mi vida? ¿Dónde estaría hoy? La propuesta de Tuttle es tan interesante como incognoscibles las cuestiones que entraña y es justo por eso que me resulta tan fascinante.

fplt2El Efecto Mariposa es algo que escapa a esas doscientas seis páginas que tiene la novela y el solo centrarse en decisiones, en teoría vitales, obviando los pequeños detalles que pueden parecer triviales, aquellas elecciones casi inconscientes y que se acumulan a lo largo del día, (pero que en mi opinión tienen la misma repercusión y trascendencia que cualquier otra decisión o elección consciente), es quizá lo único que he echado en falta en esta lectura. Por todo lo demás, una delicia inquietante, una especie de Alicia en el país de las maravillas, llevado a otro nivel, en que uno toma conciencia de algo que ya sabe, aunque no lo tenga presente: tu vida es tan terrible como quieras que sea y donde TÚ, como individuo pensante, creas tu propia realidad IMPROVISANDO segundo a segundo, desde que naces hasta que mueres, sin saber si hiciste la elección correcta o si de algún modo, todas ellas lo son, de una forma u otra. Es el camino el que te hace ser quien eres, y para bien o para mal, tú creas a su vez ese camino.  Cuestiones trascendentales, filosóficas,  que dan para horas de charla rodeados de amigos, entre copas y cigarrillos, para no llegar a ninguna parte ni a ninguna conclusión. Pero creo que es de esas cosas que no solo son recomendables de vez en cuando, sino verdaderamente necesarias.

Si podéis, metedle mano a la novela. Hacedme caso, lo agradeceréis.

 

Futuros Perdidos

Lisa Tuttle

Editorial: Gigamesh

ISBN: 9788416035540

Páginas: 224 pág.

PVP: 18:00€

http://tienda.cyberdark.net/futuros-perdidos-n249566.html

 

 

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 5): Double Dragon, de James Yukich

Por Albert Sanz

 

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Double Dragon
  • Año: 1.994
  • Duración: 96 min.
  • País: USA
  • Director: James Yukich
  • Guión: Paul Dini, Neal Shusterman, Michael Davis y Peter Gould
  • Fotografía: Gary Kibbe
  • Reparto: Robert Patrick, Mark Dacascos, Scott Wolf, Julia Nickson, Alyssa Milano, Al Leong, etc.
  • Productora: Greenleaf Productions
  • Género: Acción, artes marciales, mundo post apocalíptico, fantasía, comedia, videojuegos

 

 

Cine Basura fue un programa de televisión que se emitió durante dos temporadas y media en Canal+ Xtra, canal de la famosa plataforma privada con una programación más bien alternativa y que no tenía cabida en otros canales. Cine Basura emitía una película considerada mala y normalmente de bajo presupuesto; vamos, lo que comúnmente se llama cine casposo: ese tipo de cine que pese a que sea tan malo no puedes evitar reírte con él y que parece estar de moda en la actualidad gracias al éxito de la televisiva saga “Sharknado”. El programa estaba presentado por Paco Fox y José Viruete, creadores de los famosos blogs “Vicisitud y Sordidez” y “Viruete”, y que forman parte de un conjunto de webs españolas dedicadas a analizar los peores y más ridículos aspectos de la sociedad, con preferencia por el cine, la música, la cultura y la bollería que no triunfó en los 90. Tenía, además, una particularidad, y era el que durante la emisión y manejando el botón de audio del mando del descodificador, se podía acceder a la versión comentada en directo por Fox y Viruete más un invitado especial. La similitud en planteamiento con el mítico programa americano “Mystery Science Theater 3000” es más que evidente (tres personajes están sentados en un cine viendo una película cutre mientras no dejan de hablar y destriparla, y el espectador ve la película con las siluetas de estos personajes y su fila de butacas), pero la simpatía de la pareja, sus ocurrentes comentarios y el infranivel de las mierdas emitidas hacía de ello una experiencia divertida. Experiencia que también se trasladaba al mundo virtual, puesto que a través de la web de la plataforma era posible ver la retransmisión de forma gratuita y participar simultáneamente en un chat comentando las aberraciones vistas en directo.

Cosas de decisiones empresariales, Cine Basura se fue… a la basura, dejándose de emitir. Sin embargo, impactó tanto entre sus fans que llegó a crearse un blog llamado “CineBasura Fans” en el que publican una película chunga que esté subida a YouTube, convocan en un día y una hora a los seguidores y vía FaceBook se inicia el chat rajando de la misma en directo.

De todas formas, como Leticia Sabater, Aznar, Felipe González o King Africa, la mierda tiende a flotar y dar un toque de atención de tanto en tanto, por lo que desde hace unos años, el festival de Sitges acoge a “Cine Basura en directo”, la versión con público del programa, con notable éxito y que nos permite apreciar que la capacidad improvisadora y de entretenimiento de Fox y Viruete no merma teniendo a varios cientos de personas delante.

A día de hoy, Canal+ ya no existe al haber sido absorbido/mutado/comprado/transformado o lo que sea en Movistar+, y aunque Cine Basura no haya vuelto a la pequeña pantalla, los nuevos directivos no se han olvidado del éxito y originalidad de su versión en directo, por lo que aprovechando la infraestructura del creado el año pasado Espacio Movistar en el paseo marítimo al lado de la icónica iglesia de Sitges, “Cine Basura en directo” sigue siendo un punto de encuentro anual entre los que amamos las experiencias audiovisuales más costrosas.

La película seleccionada en esta ocasión fue “Double Dragon” que adaptaba el videojuego del mismo nombre. Fue un gran éxito de taquilla en el 94 —en USA, porque aquí no la recuerda nadie— debido a que por aquel entonces, las majors de Hollywood no veían el potencial en los cómics y videjuegos, pese a que todavía no existía un pirateo salvaje y las ventas de ciertos títulos se contaban por millones, y era muy raro ver en cines una película adaptando un videojuego. De hecho, no pondría la mano en el fuego, pero juraría que ésta fue la primera adaptación de un videojuego realizada  en Hollywood. Y para que os hagáis una idea de su “enorme” calidad, no está editada en España en DVD ni BluRay. ¡Es que ni siquiera la ha editado ninguna de las distribuidoras piratas que pululan por nuestro país!

ddd4  El videojuego japonés apareció en 1.987 para máquinas recreativas y rápidamente fue adaptado a las principales plataformas, dando lugar a dos secuelas y un remake en 2.012, y es considerado a día de hoy como uno de los grandes clásicos de los videojuegos de acción. Era del tipo “beat’em up”, o lo que es lo mismo, hay que manejar a un personaje de izquierda a derecha eliminando hordas de enemigos hasta llegar a los jefes de final de fase. Su argumento es el siguiente: “En el año 1.999 el mundo ha sido devastado tras una guerra nuclear y la violencia impera en las calles de USA. Una de las bandas más violentas son los Black Warriors, pero los gemelos Billy y Jimmy, entrenados en el letal arte marcial sousetsuken, están ayudando a los habitantes de su ciudad a defenderse de las bandas, recibiendo así el apodo de Double Dragon. Marian, novia y alumna de Billy, es secuestrada por los Black Warriors, y los gemelos deben ir a salvarla a la base de éstos, teniendo que atravesar antes un territorio infestado de bandas callejeras de todo tipo, hasta enfrentarse al temible Willy, líder de los Black Warriors”.

Pese a que la historia tuvo algunos cambios según el país, a grandes rasgos es esta. La sinopsis de la película, en cambio, dice así: “Hace cientos de años, en China, un mago creó un amuleto que otorgaría poderes increíbles a su portador, pero al darse cuenta del mal uso que podría llegar a tener, decide partirlo en dos y esconder cada una de sus partes. A finales de los 80, los Estados Unidos son destruidos por una serie de catástrofes climáticas. Una década después, los ríos y mares están contaminados, la pobreza y el índice de criminalidad se han disparado y la policía sólo trabaja de día, siendo la noche el momento en que las bandas callejeras toman el control. Los hermanos Jimmy y Billy Lee, expertos en artes marciales, sobreviven en ese infierno bajo la tutela de su mentora Satori, la cual posee una de las mitades del medallón —la que actúa sobre el físico y la fuerza—. Cuando Satori es asesinada por Koga Shuko, un multimillonario que ansía convertirse en el rey de New L.A., que posee la otra mitad —la que actúa sobre la mente y el espíritu— y que ha juntado a casi todas las bandas, los hermanos deberán intentar sobrevivir en una peligrosa ciudad en la que no hay ni un rincón donde esconderse. Pero serán ayudados por Marian, líder de los Power Corps, banda que no se ha unido a Koga Shuko y que intenta devolver la justicia a las calles cuando la policía no puede actuar”.      

Como podéis ver, el parecido entre videojuego y película es mínimo. Además, la productora ya se aseguró que la película no mantuviera el nivel de violencia del juego para poderla orientar a un target adolescente; por lo tanto, nada de prostitutas saltimbanquis que atacan con látigo; en su lugar tenemos a Linda Lash —Kristina Wagner—, mano derecha de Koga Shuko —Robert Patrick— manejando el látigo con un traje de ejecutiva negro y estiloso. Y claro, si hay contentar a la chavalería, pues siempre podemos meter escenas de persecuciones de coches porque como todo el mundo recuerda, en el juego “Double Dragon” “habían” espectaculares fases de conducción.

Las interpretaciones son ridículas y sobreactuadas. Robert Patrick como Koga Shuko es cierto que tiene la pose y elocuencia de los grandes villanos megalomaníacos, pero no puedes tomar en serio ni uno sólo de sus diálogos. Mark Dacascos y Scott Wolf como los hermanos Jimmy Lee y Billy Lee respectivamente, no cuelan de ningún modo como hermanos, ya que el primero, a pesar de ser hawaiano, tiene unos marcados rasgos orientales que contrastan con las pintas de adorable chico blanco americano de Wolf, el cual, por cierto, no demuestra en ningún momento que sepa artes marciales. Y además, son mucho más jóvenes que los protagonistas del juego. Alyssa Milano tampoco es creíble en su papel de Marian, la líder de los Power Corps, más que nada porque cuesta mucho creer que su padre sea el director de la policía de New L.A. y no se haya enterado de que su hija es la jefa de una de las principales bandas de la ciudad. Los efectos especiales tampoco ayudan mucho a la película, habiendo secuencias infográficas que ya en esa época parecían horrendas y otros efectos, como la transformación de Koga Shuko en una sombra letal, que parecen hechos en dibujos animados por un crío de cinco años.

No obstante, no todo es malo, o mejor dicho, no todo es tan terriblemente malo. La estética en plan cómic está muy lograda; el ambiente apocalíptico a lo “Mad Max” queda bien integrado en zonas urbanas; las diferentes bandas tienen cada una un look diferente entre sí similar a lo visto en videojuegos (aunque el aspecto de “grafiteros-hiphoperos super happy” de los Power Corps es bastante lamentable); hay algunas referencias directas al juego en forma de varios personajes; y la idea de un país divido entre el día y la noche, con su respectivo toque de queda, resulta interesante.

Pero si algo consagra a “Double Dragon” como un enorme truño casposo, es la inclusión de un sentido del humor cansino e infantiloide, apto sólo para niños menores de seis años, y que se manifiesta en que cada vez que los protagonistas se topan con un enemigo peligroso, se miran entre sí gritando con la boca abierta, vuelven a mirar al malo gritando con la boca abierta… y se van huyendo gritando con la boca abierta. Tal y como lo explico suena ridículo, pero en verdad, el efecto es aún peor cuando aparece en pantalla.

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El director James Yukich no es que haya triunfado en el cine precisamente, y es que con un currículum como este no es como para recibir muchas oportunidades, pero con el tiempo se acabó introduciendo en la industria musical y trabajando con gente del nivel de Bonnie Raitt, David Bowie, Crosby, Stills & Nash, Michael Jackson o Genesis, y siendo el director del galardonado documental-concierto de Iron Maiden, “Live after death”; así que parece que la cosa no le ha ido nada mal. Robert Patrick no es que tenga un currículum muy notable, pero su papel del peligroso T-1.000 en la mítica “Terminator 2: El juicio final” lo convirtieron en un icono del cine fantástico. Y acabó revalidando su calidad actoral convirtiéndose en uno de los protagonistas de las últimas temporadas de “Expediente X”. Marc Dacascos y Alyssa Milano también poseen unas carreras con altibajos, pero de tanto en tanto llaman la atención por participar en algún proyecto serio, o cuanto menos, importante, como “Agentes de S.H.I.E.L.D.”, “El pacto de los lobos”, “Melrose Place” o “Embrujadas”. Y bueno, Dacascos siempre estará en nuestros corazones por dos motivos: haber sido mencionado en “Torrente 2” y protagonizar “I am Omega”, una de las mayores aberraciones de la historia de la productora The Asylum. Aunque el que peor suerte haya tenido es Scott Wolf. Un vistazo a su ficha en IMDB ya denota que trabajo en televisión no le ha faltado, pero aún siendo uno de los protagonistas de la famosa serie “Cinco en familia”, su carrera ha ido dando tumbos en forma de cameos o apariciones de un solo capítulo; y cuando se incorpora al remake de “V” en calidad de coprotagonista (y haciéndolo muy bien, en verdad), va y cancelan la serie.

El visionado en directo fue de lo más divertido. Paco Fox estuvo en esta ocasión acompañado por Oso, director y redactor de la web Cine Cutre, Toni McGuinty, actor y humorista y Miguel Ángel Aijón, actor, guionista y coprotagonista de “Cine Basura: la peli”, y sus comentarios hicieron reír sin parar a los 125 asistentes que abarrotaron el Espacio Movistar. No sé de dónde sacaron la copia exhibida, porque era curioso que en momentos en que los presentadores se callaban, podía escucharse a la vez la versión original y la doblada. Curioso, porque en YouTube es posible encontrar con una calidad decente la versión doblada al español. Otro detalle que añade caspa al asunto, aunque a mí me puso algo nervioso, es que, si habéis estado en el Espacio Movistar, habréis visto que es una carpa negra en forma de semicírculo hinchable. Pero es que la pantalla también es hinchable, y claro, como la noche fue algo fría y soplaba un poco de aire, la pantalla se movía de adelante a atrás y a veces hacía un efecto ondulante.

En definitiva, si sois amantes de la caspa, “Double Dragon” se disfruta un montón. Si no lo sois, es imposible no reír y pasarlo bien con los chicos de “Cine Basura” comentando en directo ésta o cualquier otra película. Por lo tanto, os recomiendo el visionado de cualquier locura que programen el año que viene. ¡Y por cierto, la asistencia es gratis y regalan palomitas y refresco por la patilla!

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La idea de un estado controlado por la policía y las bandas según el horario.
  • Marc Dacascos.
  • La estética comiquera.
  • El apocalipsis de “Mad Max” en un entorno urbano.
  • Es muy dinámica y no le falta acción.
  • La química entre Scott Wolf y Mark Dacascos.
  • Que uno de los secundarios sea Al Leong y no muera.
  • Lo bien que le queda el pelo corto y rubio a Alyssa Milano.

 

LO PEOR

  • Que la trama no se parezca en casi nada a la del videojuego.
  • Las interpretaciones lamentables.
  • Los diálogos ridículos.
  • Los efectos especiales, lamentables y ridículos.
  • Que en ningún momento los hermanos Lee den la sensación de ser superluchadores.
  • Que Scott Wolf en ningún momento dé la sensación de saber algo de kárate.
  • Que se distancie tanto la película del videojuego disminuyendo la violencia original y añadiendo un humor infantiloide.
  • Que la comedia, además de ser muy infantil, tenga que expresarse siempre mediante los protagonistas mirándose y gritando.

LA ESCENA

  • Cuando aparecen los títulos de créditos y sabes que ya se ha terminado el sufrimiento (o diversión, según tu nivel de casponita interior).

 

 

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 4): Blood on Melies moon, de Luigi Cozzi

Por Albert Sanz

 

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Blood on Melies moon
  • Año: 2.016
  • Duración: 125 min.
  • País: Italia
  • Director: Luigi Cozzi
  • Guión: Luigi Cozzi y Giulio Leoni
  • Fotografía: Francisca Padilucci
  • Reparto: Luigi Cozzi, Sharon Alessandri, Barbara Magnolfi, Dario Argento, Lamberto Bava, David Traylor, etc.
  • Productora: Profondo Rosso
  • Género: Histórico, suspense, metacine, documental

 

 

Luigi Cozzi, también apodado como Lewis Coates, es un viejo conocido del festival. Es, además, una de las figuras claves del fantástico italiano. Y cómo no, su mítica “Starcrash: choque de galaxias” se considera como una de las cumbres del cine casposo, a la altura de otras inframierdas históricas (tan horrendas que no pueden considerarse ni como mierdas) como “Manos: The hands of fate”, “Troll 2” o “Plan 9 del espacio exterior”.

Cozzi formó parte del gran cuarteto italiano del fantástico europeo de los 70 y 80 junto a Lamberto Bava, Mario Bava y Dario Argento. Además de su citada epopeya sci/fi, también tenemos otras joyas de la caspa como son “Contaminación: Alien invade la Tierra”, “El desafío de Hércules” y “Las aventuras de Hércules”, así como un muy destacable y tenso giallo llamado “L´assassino è costretto ad uccidere ancora”— y conocido en el mercado internacional con el título de “The killer must kill again”—.

Tras veintisiete años sin dirigir nada, ha decidido volver al ruedo. Sin embargo, su nombre no ha dejado de estar en boca de ningún aficionado durante todo este tiempo. Festivales dedicados al fantástico y la serie B y Z acostumbran a pasar sus películas —en especial “Starcrash: choque de galaxias”—, en Sitges es habitual verle por formar parte de documentales sobre el cine de género italiano, e incluso, este mismo año y en el mismo día de la proyección de la película de la que voy a hablaros, se estrenó el documental “Fantasticozzi”, dedicado a analizar su carrera, ambos dos en Brigadoon, por supuesto.

Durante todo este tiempo ha escrito varios libros sobre temática cinematográfica y regenta junto con su amigo y mítico realizador Dario Argento la tienda “Profondo Rosso” en Roma; la Meca para cualquier aficionado a la serie B, al cine fantástico y de terror y a la cultura más underground, y la cual posee un sótano llamado “Museo de los Horrores de Dario Argento”, donde el propio ídem narra con su voz escenas clave de sus películas, y en el cual hay objetos y partes originales de sets de rodaje de las mismas.

Toda esta introducción debería estar incluida en la crítica del mencionado documental “Fantasticozzi” que podréis leer en breve aquí, pero era necesaria para tener en cuenta lo mucho que ama y que conoce Cozzi el cine fantástico europeo y entender los motivos para hacer esta película.

as3   Y ahora vamos a por la sinopsis. Pero antes de ello, avancemos conclusiones: es un truño. Un sincero y hermoso homenaje a los pioneros del cine, sin duda, pero realizado de tal modo que dan ganas de arrancarse los ojos con una cucharilla de café hirviendo o suicidarse escuchando en bucle la discografía de Pitbull —colaboraciones incluidas—. ¡¡Y esto os lo dice alguien que considera a “Sharknado 3” la mejor película de esta década!! Y no me duelen prendas al reconocer que he necesitado echar mano de otras webs y blogs no para intentar entender la película, sino para poder escribir una simple sinopsis. Y es que al bueno de Cozzi no se le puede negar la ambición por crear un producto la mar de complejo ajeno a todo concepto mainstream. Vamos allá: “En 1.890, el inventor francés Louis Le Prince, tras patentar una máquina que permite proyectar imágenes en movimiento, desaparece en extrañas circunstancias sin que nunca se sepa qué paso con él y con su invento. Cinco años después, los hermanos Lumière patentan en Lyon una máquina muy similar a la que llaman “el cinematógrafo”: un punto clave de la historia que es reconocido como el nacimiento del cine. En 2.016, el director italiano Luigi Cozzi descubre en el sótano de la tienda Profondo Rosso, que regenta él mismo junto a Dario Argento en Roma, un misterioso libro titulado “What mad universe”. Dicho libro apareció de la nada en el París de 1.890 durante una sesión de espiritismo, en el mismo momento en que los hermanos Lumière se negaron a vender una de sus cámaras patentadas a George Méliès, director francés que la necesitaba para rodar “Viaje a la Luna”. En el libro parece que también se encuentran las pistas sobre la desaparición de Louis Le Prince. Cozzi, entrevistándose con conocidos suyos relacionados con el fantástico europeo, comienza a descubrir detalles secretos sobre los inicios del cine que han sido deformados y ocultados a lo largo de la historia por intereses desconocidos, pero mientras realiza esta investigación, algunas de las personas que le ayudan comienzan a ser asesinadas. El director se verá obligado entonces a viajar al pasado, a 1.890, para encontrar a los hermanos Lumière, a George Méliès y a Louis Le Prince, desentrañar todo este misterio y poder salvar la vida de sus amigos.     Paralelamente a la investigación de Cozzi, un portal dimensional que flota en el vacío del cosmos lanza cada cierto tiempo un imparable meteorito que viaja hacia la Tierra destruyéndola. Las Tierras de miles de universos han desaparecido ya, la siguiente va a ser la nuestra, y el misterio de Louis Le Prince parece tener algo que ver.”

¡Uff! Soy consciente de que tiendo a irme por las ramas, pero de verdad, no he podido realizar una sinopsis más breve, y como podéis comprobar, casi tiene la misma longitud que una crítica estándar.

Tras una idea tan excéntrica como ambiciosa se halla un homenaje a la época de los pioneros, así como un intento de sacar a la luz la no muy conocida figura de Louis Le Prince, al que algunos expertos denominan como el auténtico inventor de la cámara de cine y por tanto, del séptimo arte. La película juega al metacine, saltando continuamente entre la ficción, la realidad y el documental. Ésta última parte sería la más interesante, ya que para ello, Cozzi cuenta con la colaboración de gente del nivel de Dario Argento, Lamberto Bava, Alain Schlockoff —editor de la revista especializada “L´Ecran Fantastique”— o Antonio Tentori —guionista habitual del realizador Bruno Mattei—, todos ellos interpretándose a sí mismos en escenas que son casi una entrevista. La parte de realidad tiene bastante humor, puesto que Cozzi en ningún momento intenta actuar, lo cual se agradece; se muestra tal como es y tal y como pensábamos sus fans que es: un tipo encantador y divertido y auténtico devoto de su trabajo. Pero la parte de ficción es horrenda, con unos efectos especiales que convierten a los de The Asylum en auténticas superproducciones, unas localizaciones mínimas y unos actores por debajo del nivel del de un actor porno. Si a ello le sumamos un escaso presupuesto —la película fue financiada mediante crowfunding—, un desarrollo confuso que parte ya de una premisa compleja y confusa, ciertos momentos que parecen rodados por un amateur y a que, seamos sinceros, Luigi Cozzi nunca ha sido un Coppola precisamente, consigue que estemos ante un enorme mojón. Una película que no sé si catalogar de casposa, puesto que el cine casposo se define como cine malo que divierte, y aquí hay pocos momentos para la diversión y en cambio sí que provoca ganas de suicidarse viéndola.

as2   Creo que el bueno de Luigi Cozzi ha pecado de ambicioso al querer contar una historia tan compleja sin darse cuenta de que necesitaba de más medios y un buen guión. Si se hubiese limitado a realizar un documental que explicase la historia y relación entre Louis Le Prince y los hermanos Lumière y teorizase sobre el inicio auténtico del cine, el resultado habría sido mucho más interesante y con toda seguridad, una pieza imprescindible para estudiosos del tema. Sin embargo, “Blood on Melies moon” no pasa de ser una curiosidad más bien tirando a aburrida. Aunque pese a todo, se agradeció la presencia del director y cómo, tras finalizar el pase en un Brigadoon lleno al máximo, no tuvo problemas en hacerse fotos, firmar autógrafos y charlar con los asistentes.

 

LO MEJOR

  • El homenaje a los pioneros del cine.
  • La colaboración de grandes del fantástico italiano.
  • El hecho de que Luigi Cozzi vuelta a dirigir casi tres décadas después.
  • El sentido del humor del propio director.
  • El ejercicio de cine dentro del cine.
  • Que intente devolver la figura de Louis Le Prince al lugar que se merece.

 

LO PEOR

  • La falta de presupuesto.
  • La excesivamente recargada trama.
  • La larga duración.
  • La interpretación casi amateur de los actores que interpretan a los personajes de ficción.
  • Los espantosos efectos especiales.
  • El confuso desarrollo.
  • El aire de película casera que tiene en muchos momentos.
  • Que el apellido Méliès esté mal escrito tanto en el poster promocional como en el mismo tráiler (motivo por el cual también lo he escrito mal en el encabezado y a lo largo de este artículo, ya que así es como han querido titular a la película).
  • Que muchos esperábamos una nueva “Starcrash: choque de galaxias” tras veintisiete años de pausa.

LA ESCENA

  • Luigi Cozzi se despierta tras una pesadilla en la que le aclamaban como al nuevo Ed Wood de la serie B, y le comenta a su compañera que si fuera cierto, debería ser millonario y famoso en todo el mundo.
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La chica del tren, de Paula Hawkins (Planeta Internacional, 2016)

Una reseña de FJ Arcos Serrano

 

lcdtRachel toma siempre el tren de las 8.04 h. Cada mañana lo mismo: el mismo paisaje, las mismas casas… y la misma parada en la señal roja. Son solo unos segundos, pero le permiten observar a una pareja desayunando tranquilamente en su terraza. Siente que los conoce y se inventa unos nombres para ellos: Jess y Jason. Su vida es perfecta, no como la suya. Pero un día ve algo. Sucede muy deprisa, pero es suficiente. ¿Y si Jess y Jason no son tan felices como ella cree? ¿Y si nada es lo que parece?

Paula Hawkins es una periodista especializada en finanzas y autora de novelas románticas de encargo antes de reinventarse como escritora de thriller en este La chica del tren, libro que vendió cinco millones de ejemplares en sus primeros seis meses. Creo que nunca en la historia de la literatura se había vendido tan rápido (y tanto) un libro, así que podemos decir que este título se ha convertido en el fenómeno editorial del siglo.

Para los que conocen mis gustos personales no suelo dedicar mi tiempo a leer bestsellers, pero en este caso particular los caminos inescrutables de la vida han hecho que me apeteciera leer un thriller y el resto es historia, como se suele decir…

Entrando en materia podríamos catalogar a La chica del tren como una mezcla de ‘Perdida’, la novela de Gillian Flynn, ‘La ventana indiscreta‘, film de Hitchcock y ‘Extraños en un tren‘, libro de Patricia Highsmith, con el que guarda no pocas similitudes.

A través de este cóctel vertiginoso la escritora nos muestra un thriller psicológico donde no todo es lo que parece ser a priori, ya que su protagonista no es una narradora demasiado fiel a lo que nos cuenta debido a su problema con el alcohol. Este recurso ha sido fuertemente criticado por algunos lectores que se quejan de que sea una táctica narrativa cogida por los pelos, pero yo no lo veo exclusivamente de esa forma ya que cada escritor elige libremente los engranajes internos de su narrativa para intentar sorprender o no al lector.

Otra cosa diferente es que la novela se haga un poco tediosa en algunas partes, ya que llega un momento de la historia en la que la autora no para de dar vueltas sobre lo mismo, dejando al lector con una sensación de hastío importante hasta su parte final donde parece que los hechos se empiezan a desencadenar con más brío (lo que no quita que sea uno de esos finales peliculeros que seguramente la escritora ya tenía en mente para su adaptación en pantalla grande).

Otro asunto negativo es lo predecible que llega a ser la novela a partir de su segunda mitad. Si eres un poco avispad@ lograrás saber quién es el que anda detrás de todo el embrollo.

lcdt2A pesar de estos inconvenientes (subjetivos, como todo en la vida…), queda patente que la autora maneja a la perfección ciertos detalles narrativos que dan empaque a la conclusión final y sin dejar ninguna laguna o detalle sin explicar, cosa que agradezco como lector.

Para ir finalizando hay un detalle que me ha llamado poderosamente la atención y no es otra cosa que el propio rol de la mujer en la novela, ya que sus principales protagonistas se sienten incompletas si no tienen a un hombre en su vida: curioso tratamiento de la figura femenina, sobre todo porque está narrado por una escritora; dejémoslo ahí…

En definitiva: La chica del tren es una novela que atrapa gracias a sus diferentes voces narrativas y a sus saltos temporales, pero que no termina de convencer debido a su naturaleza de déjà vu que se desprende durante toda su lectura.

 

Ficha técnica

Título: La chica del tren

Autora: Paula Hawkins

Editorial: Planeta Internacional

Páginas: 496

ISBN: 9788408141471

Precio: 19,50 euros

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 3): Beyond the gates, de Jackson Stewart

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Beyond the gates
  • Año: 2.016
  • Duración: 84 min.
  • País: USA
  • Director: Jackson Stewart
  • Guión: Stephen Scarlata y Jackson Stewart
  • Fotografía: Brian Sowell
  • Reparto: Graham Skipper, Justin Welborn, Brea Grant, Barbara Crampton, etc.
  • Productora: Thunder Warrior Productions & Destroy All Entertainment
  • Género: Terror, juegos de mesa, homenaje retro

 

https://www.youtube.com/watch?v=yUaeahD0D5c

 

La expectación excesiva es algo malo —me niego a llamarlo “hype”—, sobre todo cuando te encuentras ante un producto mediocre. Eso pensé al salir de su visionado en un Retiro lleno al máximo de su capacidad y ver cómo las urnas de 1 y 2 puntos —este film era de los que el público votaba— se llenaban mayoritariamente de papeletas, mientras que las de 3, 4, 5 permanecían casi vacías.

Y es que de nada sirve apelar al amor por el sistema VHS, ni contar con la presencia de la veterana especialista en el género Bárbara Crampton —“Space Trukers”, “Trancers II”, “Re-Animator”, etc.— o con la adorable Bea Grant —“Dexter”, “Halloween II” —la de Rob Zombie—, “Heroes”, etc.—, ni acompañarlo de música retro tecno ochentera a cargo de Wojciech Golczewski, ni el gore humorístico, ni querer enmarcarla en la corriente actual de nostalgia ochentera intentando hacer que juegue en la misma liga de “Kung Fury”, “Strangers things” o “Turbo Kid”. No, nada de esto sirve si luego el resultado es una película lenta interpretada por una pareja de actores sin carisma y que por momentos parece una cinta amateur.

Y que conste que no echo la culpa al simple guión o a la planicie de sus personajes; al fin y al cabo muchas de las películas que pretende homenajear también lo eran, pero por norma general entretenían, cosa que no consigue esta.

3ac   ¿Y de qué va “Beyond the gates”? Pues de esto: “Bob, padre de familia y dueño de un videoclub especializado en VHS, desaparece sin ningún motivo. Tras casi un año, sus hijos Gordon y John deciden poner en venta el local, por lo que se reúnen tras mucho tiempo separados y comienzan a embalar todo el material. En el despacho del padre, se dan cuenta de que antes de desaparecer había estado jugando a un juego de mesa de los años 80, que iba acompañado de una cinta de vídeo; en dicha cinta, la enigmática Evelyn guía al jugador por las diferentes fases. Intentando hallar una respuesta a la desaparición de su padre, los dos hermanos junto a Margot, la novia de Gordon, comienzan una nueva partida. Lo que no saben es que… blablablá… horror… blablablá… maldición… blablablá… pesadilla sin salida… blablablá… muerte… blablablá… infierno… blablablá.”

O sea, un argumento auténticamente ochentero. Una idea sencilla y que rodada en la década correcta por un Coscarelli, un Craven o un Carpenter, habría podido ser una joya. Pero a Jackson Stewart se le ha notado que éste es su debut en la dirección, ya que hasta el momento apenas había guionizado algunos cortos y un par de capítulos en series (aunque uno de ellos pertenece a la exitosa “Sobrenatural”).

La ilusión de Stewart por recrear una época y aportar muchos detalles no ha logrado evitar que el producto haya sido mediocre. Aunque si es por ambientación, estamos ante un gran producto, comenzando con ese genial videoclub que tiene todo el aspecto de ser real. (Permitidme un inciso. A modo de complemento, recomiendo el visionado del documental “Rewind This!” —Josh Johnson, 2.013—, en el que se detalla como a día de hoy, en USA todavía existen multitud de macrovideoclubs (estilo cadena BlockBuster) especializados en VHS y que aunque parezca inaudito, sobreviven con muchos beneficios y una legión de clientes.) La banda sonora es excelente. Los toques de gore son contados pero del gore divertido y exagerado a lo “Braindead”. Y el personaje de Bárbara Crampton y su interpretación, aunque puedan parecer ridículos en este momento, viéndolo desde una óptica ochentera, transmiten morbo y tensión a partes iguales.

Por lo tanto, hay cosas buenas aunque no consiguen enderezar el producto. Se juega al terror más inquietante, serio y elaborado, pero también a la vez al frikismo más casposo y a la comedia negra, y falla al no encontrar su tono en momento alguno, además de no saber administrar los tiempos, al contar con una escena movida para pasar a otra larguísima sin que suceda nada. Y podríamos hablar también de Graham Skipper y Justin Welborn, la pareja de hermanos cliché —el serio y responsable con la vida resuelta y el vividor y aventurero que no echa raíces—, interpretados con absoluta desgana y sin química entre ellos.

4ac Una auténtica lástima ya que lo tenía para ser una obra de culto, pero también reconozco que es una película que de aquí a un tiempo me gustaría visionarla de nuevo para ver si sigo opinando lo mismo o le pillo el encanto.

Por cierto, tanto su director Jackson Stewart como Brea Grant y Barbara Crampton presentaron la película. Cabe decir además, que Crampton recibió por parte de la organización el premio “Màquina del Temps” por toda su carrera en el cine de género y que también fue la madrina y dio el pistoletazo de salida a la tradicional “Zombie Walk”.

 

LO MEJOR

  • El homenaje a los 80.
  • La banda sonora retro futurista, ideal para fans de Wendy Carlos, Jan Hammer, Tangerine Dream, Mitch Murder y Betamaxx.
  • La enigmática presencia de Barbara Crampton.
  • La capacidad de Brea Grant de sobresalir en todo momento por encima de sus compañeros de reparto.
  • La sinopsis, digna del cine de terror ochentero más entrañable.
  • Las escenas gore divertidas y exageradas.
  • ¡¡Cintas de VHS!!

LO PEOR

  • La planicie y nulo desarrollo de personajes.
  • La desgana de Graham Skipper y Justin Welborn y la nula química entre ellos.
  • Lo aburrido y carente de tensión de gran parte de su metraje.
  • Que no consigue encontrar su tono: ni es suficientemente terrorífica ni suficientemente freak.

LA ESCENA

  • Cuando los dos hermanos se pasean por el videoclub y los espectadores intentamos leer los lomos de las cintas para comprobar si hemos visto alguna de esas películas.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 2): Anguish, de Sonny Mallhi

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Anguish
  • Año: 2.015
  • Duración: 91 min.
  • País: Inglaterra
  • Director: Sonny Mallhi
  • Guión: Sonny Mallhi
  • Fotografía: Amanda Treyz
  • Reparto: Ryan Simpkins, Annika Marks, Karina Logue, Ryan O’Nan, etc.
  • Productora: Anguish Film
  • Género: Drama indie, terror, posesión, espíritus

 

https://www.youtube.com/watch?v=eg_NriAfV8E

 

Martes. 7:35 de la mañana. Aún amaneciendo. Servidor caminando por las solitarias calles de la zona residencial de Sitges y decidiendo si ver “The eyes of my mother” en el Prado o “Anguish” en el Retiro, ya que los primeros pases de cada día son abiertos a la prensa sin necesidad de solicitar acreditación. Cruce de whatsapps’s con la amiga Karakia de nuestro blog hermano “Primer Pase” para saber cuál va a ver ella y así optar por su opción, y rezar porque no hubiese decidido ir a ver “The handmaiden” en el Auditori Melià. No. Proyectar películas en el Auditori Melià a las 8:15 debería de estar prohibido. De hecho, debería estar prohibido a cualquier cine del mundo proyectar películas a esa hora. Karakia decide que la almohada será la mejor compañía durante esa mañana. Gran elección, pero yo ya estoy en movimiento así que no voy a volver atrás. Opto por la opción vaga: Retiro me queda a un minuto menos de camino que Prado. Craso error…

Anguish” supone el debut en la dirección de Sonny Mallhi, guionista de “Crush” y “The roommate”, y con una interesante carrera como productor —“Retratos del más allá”, “Los extraños”, “La casa al final de la calle”, etc.— y se adentra en esta primera incursión en el cine de espíritus y posesiones. Sin embargo, lo hace con una producción  indie, con todo lo malo y bueno que ello tiene.

 3sa   “La adolescente Lucy viaja en coche con su Sarah, su madre. Ambas discuten porque ésta no quiere dejarla asistir a una fiesta. Lucy, enfadada, se baja del coche en medio de la carretera y es atropellada muriendo en el acto. En aquel lugar, una cruz y una foto dan testimonio de la tragedia acaecida. Años después, Jessica, una madre divorciada, acepta un trabajo en la fábrica del pueblo donde vivió Lucy y se traslada allí con Tess, su hija también adolescente, la cual lleva desde los cinco años en tratamiento por esquizofrenia y desórdenes de la personalidad. Cuando Tess descubra la zona del accidente, comenzará para ella un descenso al horror y la locura que hasta ahora controlaba con el tratamiento médido. Y es que su enfermedad es en realidad un don, ya que puede comunicarse con los muertos. Y de ese don querrá aprovecharse Lucy, que anhela volver a la vida”.

¿Cómo mola, verdad? ¡Pues no! Y es que de una película de hora y media —contando títulos de crédito— que parte de un material de primera, con buenas interpretaciones, una trama de lo más interesante, una ambientación gris y asfixiante y un marcado carácter femenino, sólo se salven quince minutos, ya indica que algo ha fallado.

No estoy en contra de las películas lentas. Hay planos que cuentan mucho aunque el tempo de la escena sea lento, pero esto no ocurre en “Anguish”. Bueno, sí que pasa. Hay sustos e intentos de susto —de esos de los que crees que va a pasar algo pero luego no sucede nada— hasta el hartazgo, y cuando viene la parte intensa apenas dura un cuarto de hora. Lo gris e impersonal de las localizaciones ayuda a esa sensación de tedio. Aun siendo una película inglesa, ha sido hecha en USA y los lugares de rodaje muy bien elegidos: el clásico pueblo que vive de una fábrica cercana donde parece no haber un futuro fuera de allí. También ayuda, cómo no, la carencia de personajes y situaciones variadas, ya que gran parte del metraje nos muestra a Tess paseando y descubriendo el pueblo.

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Sobre las interpretaciones, no tengo muy claro si a Ryan Simpkin le falta un hervor o hace un papelón porque su personaje es así fruto de la enfermedad, ya que salvo en la parte final en que es poseída por Lucy, no es que actúe mal, es que directamente no actúa. Incluso cuando parece que va a haber una escena de terror, la chica ni se inmuta. Todo lo contrario a Annika Marks —Jessica— y Karina Logue —Sarah—, que pese a interpretar unos papeles secundarios, protagonizan un emotivo duelo interpretativo en la recta final.

Pese a la caña que le estoy dando, merece la pena mencionar la originalidad en el planteamiento del tramo final de la película. ***SPOILER Los poderes como médium de Tess se desarrollan al máximo y gracias ello, Lucy consigue poseer su cuerpo y volver con su madre, pero ésta logra convencerla de que lo devuelva y se vaya al más allá. Cuando lo hace, el siguiente espíritu en “la lista” que rondaba por allí posee el cuerpo, impidiendo el retorno de Tess y obligando a Lucy a expulsarlo e introducirse de nuevo, para evitar que otro espíritu que no sea el de Tess entre. FIN DEL SPOILER*** Dicho planteamiento me parece de una originalidad brutal y que no se ha visto (creo) hasta ahora. Bien desarrollado, dándole la importancia debida en el metraje y confrontando la parte paranormal con la médica —algo que ya sucede pero en poca medida—, nos habría permitido disfrutar de un extraordinario thriller de suspense y terror; pero no, lo que vemos son más de 70 minutos de una adolescente sola, sosa y aburrida, paseando por un pueblo gris y aburrido, con algún ocasional susto, para pasar a un dinámico y tenso cuarto de hora final.

Está bien eso de querer transmitir al espectador lo que siente su personaje principal, pero si la vida de éste es aburrida y carente de emoción (porque incluso las escenas de miedo están tratadas de un modo que no emocionan ni son capaces de alterar ni a Tess ni al espectador), no es muy apetecible tragarnos tres cuartas partes de película aburrida y carente de emoción.

El hecho de que Sonny Mallhi quiera dotar a su film de la naturalidad y sinceridad del cine indie contrasta con el intento de crear una nueva “El sexto sentido”, y aunque nada dice que no pueda existir un drama indie sobrenatural, Mallhi no es Shyamalan y el resultado ha sido bastante coñazo.

LO MEJOR

  • La fotografía y localizaciones, grises y tristes, acentuando la sensación de agobio y monotonía de los que no se atreven a dejar el pueblo.
  • Las emotivas y sinceras interpretaciones de Annika Marks y Karina Logue.
  • El interesante tramo final.
  • El aire indie de la película.

LO PEOR

  • La falta de hervor y sangre en las venas de Ryan Simpkins.
  • El tratamiento de las escenas de sustos y “sustos que al final no lo son”, hecho de un modo que no crean tensión ni inquietud en el espectador.
  • La lentitud exasperante.
  • No dar ningún tipo de explicación a la parte paranormal de la historia.
  • No haber desarrollado o tomar como elemento principal en la historia el tramo final.

LA ESCENA

  • Todo el citado tramo final de la película.

Las críticas Sitges 2016 (Episodio 1): 31, de Rob Zombie

Por Albert Sanz

 

INTRO

 

Muy buenas. Mil disculpas por el retraso en publicar las crónicas de esta edición de nuestro festival favorito. Comenzamos en este primer artículo con una introducción a modo de repaso general y la primera de las críticas.

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Como suele pasar en un festival que estrena más de doscientas películas, uno no siempre acierta con lo que va a ver. De hecho, el sistema para elegir lo que uno va a ver es decidirse lo primero por las pocas que tengan un cast y/o un director/guionista famosos y que te gusten, o bien porque hayan tenido una buena promo previa, y el resto… pues leer la sinopsis, pasar de investigar demasiado y lanzarse a la piscina a ver qué es lo que cae. Y lo cierto es que he tenido bastante suerte en esta ocasión. Algún truño me he comido, inconscientemente —“Anguish” o “Beyond the gates”— o peor aún, de forma consciente y con premeditación —“Double Dragon”—, pero en general he salido bastante satisfecho.

También he tenido suerte en esta ocasión ya que ha coincidido en que varias de las películas vistas han sido premiadas. Aunque como siempre, en esto habrán disparidad de opiniones, pues pese a que considero justo el premio a mejor dirección novel otorgado a Julia Ducournau —la cual ya había dirigido con anterioridad un telefilme— por “Raw”, no estoy de acuerdo en que la mejor película del festival haya sido “Swiss army man”, pese a la originalidad de su planteamiento, las toneladas de caspa que rezuma y ver a unos Daniel Radcliffe y Paul Dano a un nivel interpretativo casi sobrenatural. Como también discrepo en el premio otorgado a mejor actriz a la pequeña Sennia Nanua por “Melanie: the girl with all the gifts” tras ver a la aún más joven y adorable Soo-an Kim en “Train to Busan”. Y puestos a ser puñeteros, también discrepo del premio otorgado a mejor fotografía otorgado a “The wailing” después de haber alucinado con la épica “Hardcore Henry”, la cual debería haber ganado además a mejor montaje (aunque parece ser que no merecía ningún premio, puesto que no optaba a concurso). En cualquier caso, discrepar de las películas premiadas no invalida el disfrute de sus respectivos visionados y ayuda a poder realizar unas muy interesantes friki-discusiones con los colegas.

Antes de finalizar esta intro, quisiera destacar un par de puntos sobre todo lo visto. El primero es el gran nivel interpretativo femenino. Es cierto que de más de doscientas películas proyectadas, las veintidós que yo vi tal vez no sean un tanto por ciento significativo, pero la verdad es que me he topado con actrices conocidas fuera de su zona de confort habitual como Meryl Streep, Juanita Ringeling o Noomi Rapace, jóvenes promesas con un gran futuro por delante como Garance Marillier y las mencionadas Sennia Nanua y Soo-an Kim, y secundarias de lujo como Annika Marks y Karina Logue, y todas ellas han rallado la excelencia en sus respectivos papeles.

Y el segundo punto a destacar sería lo que denomino como “efecto Lost” o “me importa una mi…. que no te enteres”. Y es que de un tiempo a esta parte, estoy viendo un fenómeno que me saca de quicio, y que normalmente se da en el género de suspense o terror: el no explicar nada. Estoy de acuerdo en que Hollywood tiene lobotomizado el cerebro a muchas personas con productos clónicos y previsibles, y no está nada mal en enfrentarnos de tanto en tanto con producciones que te hagan pensar, que no te lo den todo hecho. Films como “Memento” o “Mullholland drive” te hacen comerte la cabeza pero puedes establecer algún tipo de teoría sobre lo visto. Sin embargo, el “efecto Lost” visto en, por ejemplo, la multipremiada “It follows”, sería el tipo de historia cuyo guión no explica nada de lo sucedido y lo que es peor, tampoco da pistas o claves para que te montes tu propia película mental. Pero ojo, que la situación es todavía más lamentable, porque encima estamos hablando de películas muy bien hechas a casi todos los niveles y con unos elevados niveles de tensión, suspense y “nopuedoapartarlamiradadelapantallaostiaquebienmeloestoypasando”. O sea, que estamos ante unos guionistas y directores que conocen todos los resortes del entretenimiento, que te ofrecen un producto distinto y bien hecho pero que se centran únicamente en la parte estética olvidando (o queriendo olvidar) que están contando una historia y que ésta ha de ser explicada en algún momento o que pueda intuirse lo sucedido. Y puestos a poner nombres, pues mi mosqueo vino con la tensa road movie “Sam was here” y la ciencia ficción terrorífica de “Shortwaves” (en la que el “efecto Lost” no es tan pronunciado, pero las pocas explicaciones dadas en su argumento generan más dudas que otra cosa).

Y poco más puedo añadir a modo de resumen, así que vamos a  por las críticas que tito Athman irá subiendo a lo largo de los próximos días. Eso sí, los que me conocen, que no piensen que paso por alto todas las actividades relacionadas con “Star Trek”, pues a eso ya llegaré cuando toque hablar del visionado de “Star Trek: La película (Director’s cut)”.

 

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 FICHA TÉCNICA

  • Título original: 31
  • Año: 2.016
  • Duración: 102 min.
  • País: USA
  • Director: Rob Zombie
  • Guión: Rob Zombie
  • Fotografía: David Daniel
  • Reparto: Sheri Moon Zombie, Jeff Daniel Phillips, Meg Foster, Malcolm McDowell, Pancho Moler, Ginger Lynn Allen, etc.
  • Productora: Spookshow International
  • Género: Survival horror, gore, drama

 

 

Vamos directos al grano. “31” es la peor película de Rob Zombie. Y a la vez, una de las películas vistas durante el festival que más me han entretenido.

“Lords of Salem” dividió a la audiencia, ya que Zombie se mostró como un maestro a la hora de crear un ambiente onírico, decadente y de pesadilla, pero se le atragantó el querer dotar a su historia de un contenido profundo y metafísico, casi de arte y ensayo, haciendo que lo que podría haber sido una de las películas de terror más malrolleras de la historia, acabara siendo a ratos incomprensible y aburrida. Pero ahora nos presenta “31” y se deja de tonterías: desarrollo de personajes inexistente, explicación a las motivaciones de los villanos inexistente, giros de guión que puedan sorprender inexistentes y argumento simple hasta decir basta. Todo ello para poder ofrecer muerte, sangre, destrucción, violencia gratuita y rock and roll setentero desde el primer cuarto de hora.

La sinopsis vendría a ser algo así: “un grupo de actores que cruzan el desierto en su furgoneta son secuestrados por unos encapuchados y llevados a una enorme fábrica, donde durante doce horas serán perseguidos por un grupo de asesinos de lo más variopinto, dirigidos por un trío de ricachones que se divierten apostando. Y tendrán doce horas para morir o matar.” Complicado, ¿eh?

sa4   Zombie ha hecho este remake oficioso de la ochentera “Perseguido” de Arnold Schwarzenegger en clave gore, y que la emparenta en su simpleza con sus dos primeros films —“La casa de los 1.000 cadáveres” y su secuela spin-off “Los renegados del diablo”—; y si bien “31” no posee ni la creatividad ni los diálogos ingeniosos de estos dos films mencionados, logra algo muy grande y que demuestra que estamos ante un gran director de actores: que partiendo de un material tan pobre, empaticemos con los personajes protagonistas, suframos con ellos y odiemos a los malos.

Y por supuesto, aunque es algo a lo que ya estamos acostumbrados, hay que destacar la galería de personajes freaks que pueblan la película, encabezados por Sick-HeadPancho Moler—, un delirante Hitler enano mexicano que habla casi todo el rato en español —en la versión original— y Doom-Head, un inmenso Richard Brake al cual habréis visto tal vez sin saberlo como el líder de los caminantes blancos de “Juego de Tronos”, y que interpreta a uno de los asesinos más carismáticos que haya visto jamás.

En conclusión, que nadie intente encontrar algo profundo en “31”, puesto que no es más que un espectáculo superficial, pero eso sí, también es un espectáculo tenso, dinámico, angustioso por momentos y muy entretenido, y todo ello envuelto en la personal estética e iconografía de Rob Zombie.

Y la conclusión de la conclusión, tres palabras que definen a la cinta: Sheri Moon Zombie. ¡UFF!

 

LO MEJOR

  • La galería de villlanos freaks, encabezados por Sick-Head y Doom-Head.
  • Las interpretaciones de Pancho Moler y Richard Brake.
  • Que pese a estar adscrita al género de terror y a todo lo que haga su marido, Sheri Moon Zombie demuestra una vez más su variedad de registros interpretativos.
  • Que Rob Zombie no pierde fuerza con los años y aún sigue impactando.

LO PEOR

  • Una premisa simple con un desarrollo aún más simple.
  • Haber desaprovechado de tal manera la siempre inquietante presencia de Malcolm McDowell.
  • No conocer absolutamente nada de los villanos ni por qué iniciaron este macabro juego.
  • Que Rob Zombie siga potenciando el indudable morbo sexual de su mujer, consiguiendo que en algunos momentos, los más salidos como yo no nos fijemos en su intensa interpretación.

LA ESCENA

  • Cualquier plano en el que aparezca Sick-Head.
  • El monólogo inicial de Doom-Head.

PD: ¿Alguien puede decirme cuando aparece la gran Ginger Lynn Allen? Porque por más que me fijé fui incapaz de ubicarla.

 

La Tierra permanece, de George R. Stewart (Gigamesh Ficción)

Buenas tardes, mis queridos Lectores Ausentes.

Volvemos a la carga y puesto que hoy toca hablar de libros, nos hemos decantado con otro gran clásico de la literatura de ciencia ficción que estos días ha vuelto a ocupar el lugar que le corresponde en las librerías.  La Tierra permanece, de George R. Stewart,  es un título que los lectores más curtidos tenemos en un pedestal, pero que quizás a alguno de vosotros le resulte desconocido, ya que pese a ser uno de los imprescindibles dentro del género, por alguna extraña razón nunca ha obtenido el mismo reconocimiento popular que sus homólogos “Un Mundo Feliz” o “1984“. Por fortuna para todos, la editorial Gigamesh acaba de reeditar esta maravilla en su colección Ficción, permitiéndonos recuperar de este modo una joya que todos deberíais leer.

ltpg1Si hay algo que cabe destacar de La Tierra Permanece, es sin duda su singular perspectiva de lo que sería un futuro post-apocalíptico y lo que significaría ello para la raza humana. Entre tantas y tantas obras escritas sobre el tema, esta fue la primera en ofrecernos una imagen distinta a la que tenemos por costumbre.

Por lo general, todos los relatos sobre la caída de la civilización siguen una constante: El superviviente no olvida quien es y lucha por recuperar ese status de hombre civilizado a pesar de las circunstancias. Tras el primer shock inicial frente al desastre,  la premisa es que el protagonista utiliza todo aquello que puede serle útil para sobrevivir y tiempo después, cuando logra una relativa seguridad y asume la realidad de su situación, su principal objetivo es restaurar en la medida de lo posible el modo de vida anterior al desastre, aunque sea a largo plazo. Emplea los conocimientos que la raza humana ha adquirido a lo largo de su historia en todos los ámbitos posibles y se vale de ellos para empezar desde lo mínimo para ir cada vez a mejor. La ciencia, la mecánica, la agricultura, por citar solo algunas de las áreas en las que el saber, lo aprendido a lo largo de los siglos, es la esperanza para el resurgir de la raza y de la sociedad.Y he aquí donde radica la diferencia a la que me refería.

El personaje principal, Isherwood Williams,  está en las montañas del norte de California, cuando sufre un inesperado accidente que lo mantendrá totalmente incomunicado. Mientras permanece aislado, una mortal epidemia ha sido capaz de erradicar la práctica totalidad de la humanidad. Una plaga a la que tan solo sobrevivieron aquellos naturalmente inmunes o que como en su caso, se hallaban sin contacto con el resto del mundo por ciertas circunstancias inusuales.

Cuando Ish logra recuperarse y volver a la civilización, se encuentra con que la sociedad ha dejado de existir y que tan solo unos pocos individuos como él han logrado seguir vivos. Sin nada mejor que hacer y reticente a asentarse y unirse a los pocos supervivientes con los que se topa al principio, decidirá recorrer el país intentando comprender lo ocurrido, lo que le llevara a toparse con retos y situaciones que el hombre ordinario no habría imaginado jamás, y que le harán plantearse cuál es el futuro que les aguarda.

A lo largo de las tres partes del libro, que coinciden con las tres edades del hombre (juventud, madurez y ancianidad), veremos cómo Ish es testigo, guía y leyenda viva en ese  nuevo mundo  que se forja a partir de la destrucción de la civilización.

En su vagabundeo,  va encontrando con toda una serie de personajes con los que finalmente decidirá formar piña e incluso formar una familia, bastante atípica, pero funcional. Y es a partir de este hecho cuando la novela empieza a dar lo mejor de sí misma.

Ish logra su propósito de formar un asentamiento y todo parece ir bien al principio. Pero para su pesar, a medida que pasa el tiempo todos los esfuerzos por preservar lo que el llama “el ser civilizado“,  va resultando cada vez más una utopía y parecen inútiles. No logra que el resto del grupo, de su clan,  se preocupe en intentar recuperar el legado de la sociedad, ni por levantarla ni por recuperar lo poco que ha quedado de ella. Nadie se preocupa por intentar recuperar infraestructuras, ni de mantener las aun existentes. Los pocos supervivientes parecen haber aceptado su condición de simples seres vivos y no tienen más ambición que el ir tirando, sobrevivir un día más con lo que ya tienen y adaptándose a las circunstancias tal como van surgiendo.

Nada importa que el conocimiento se pierda, que los libros se quemen o acaben destruidos por las inclemencias. No importa si las matemáticas, la literatura, las ciencias ni el arte acaban en el pozo del olvido. Solo existe el “aquí” y el “ahora” y la única ambición es cubrir las necesidades básicas. Una especie de retroceso, que supone dejar atrás el concepto de sociedad y asimilar poco a poco el de tribu.

Pasan los años y es evidente una cosa: El ser humano está destinado a involucionar, olvidando la electricidad, la gasolina y la televisión y recuperando el arco y las flechas, lo que a la larga significara que hombres vestidos con pieles volverán a cazar en las grandes praderas, del mismo modo que antaño lo hacían sus antepasados. “Nativos americanos´´, curiosa expresión… Y una herramienta, un simple martillo, convertido en un símbolo, en un talismán, en un objeto de poder.

ltpg2Es ahora cuando debemos responder a la gran pregunta que se nos plantea a lo largo del texto y que nos hace reflexionar y cuestionarnos que significa realmente y cuál es el propósito de lo que llamamos sociedad, ya que viendo las circunstancias a las que se enfrentan los personajes:¿Es preferible abandonarse al destino, a la mera supervivencia, a conformarse con lograr cazar algo que llevarse a la boca y tener un lugar seco donde dormir,  o debería imperar la lucha por organizarse y levantar nuevamente una civilización sobre las ruinas y conocimientos de la antigua?

La Tierra Permanece es, sin lugar a dudas,  una de las obras más sugerentes y originales del género, de las pocas que son capaces de dejar una huella tan profunda en el lector, de obligarle a pensar y posicionarse. Se trata de una narración apta para cualquier tipo de lector, incluso para aquellos que no son aficionados a este tipo de temáticas y me atrevería a decir que especialmente indicada para ellos. Intensa, absorbente, filosófica en muchos aspectos, solo puedo decir que no habéis leído algo tan bueno en mucho, mucho tiempo…

Gracias a Gigamesh por haber rescatado este título, por haberle hecho ese lavado de cara tan necesario y por permitirnos a todos volver a disfrutar de él.

 

La Tierra Permanece

George R. Stewart

Traducción: Lluís Delgado

Editorial: Gigamesh

ISBN: 9788416035434

Páginas: 344 páginas

PVP: 22.80€

http://tienda.cyberdark.net/la-tierra-permanece-n301.html

 

 

Montaña Rusa, de Fernando López Guisado

Buenos días, mis queridos Lectores Ausentes.

Hoy os voy a hablar de Montaña Rusa, una antología que ha llegado a tocarme la fibra de un modo inesperado. Su autor, Fernando López Guisado, es un reputado poeta y viejo conocido de esta casa, alguien que cuida y mima el lenguaje y sus formas, buscando la belleza y las emociones en cada escrito, haciendo de la poesía su forma de expresarse.  Pero en esta ocasión, el autor ha apostado por salir de su zona de confort y adentrarse en terreno virgen para él. Aficionado y amante de la literatura de género, no es de extrañar que su primera recopilación de relatos tuviese al terror y lo fantástico como lugar común, sin que ello suponga dejar a un lado aquello que mejor se le da: tocar ese punto sensible que todos tenemos y que es donde nacen sentimiento y emoción.

mrf1Terminé el libro hace unos pocos días y he querido dejar pasar este tiempo para poder hablar con perspectiva y comprobar si el poso que me ha dejado eran las mismas sensaciones que tuve cuando cerré sus paginas.

Pues si, tal cual. Es más, diría que esas impresiones se han intensificado y que pasado este lapso de tiempo, sigo teniendo muy presentes los mismos sentimientos que tuve entonces. Relatos intensos, evocadores, tristes y provocadores, llegando a conectar con esa parte de un servidor que normalmente no esta al alcance. Introspección disfrazada de relato de terror, de broma de mal gusto, de destino inevitable, de decisiones erróneas, de resignación, de batallas perdidas o de humor corrosivo. Intimista, con una prosa heredera de la faceta poética de su autor, bella y elaborada, en ocasiones onírica, en otras truculenta, pero siempre guardando las formas de aquel que moldea la esencia del lenguaje y le da vida.

mrf2Lo terrible, lo grotesco, el fatalismo más absoluto, pero envuelto en seda y cachemir. La belleza en lo decadente, la precisión quirúrgica a la hora de apuñalarnos el corazón y arrebatarnos el alma con las palabras adecuadas, el tono certero y el sentimiento forjado a conciencia. Escalofríos en la espalda. Sonrisas tristes y cansadas, pero cómplices. Carcajadas hilarantes cuando todo está perdido. El absurdo como certeza, con un peculiar sentido del humor (casi siempre cargado de ironía y sarcasmo), ante lo inevitable… Y pese a todo, un atisbo de esperanza, quizá falsa, quizá una mentira piadosa, pero que se vislumbra allí, al fondo, y a la que nos agarramos como tabla de náufrago…

Ha sido una verdadera delicia disfrutar de estos relatos, de la primera incursión de Fernando en este formato. Una antología donde las formas lo son todo y donde la poesía sigue muy presente, aunque no se manifieste en rimas, solo en emociones.

Totalmente imprescindible.

 

Montaña Rusa

Fernando López Guisado

Editorial: Vitruvio

ISBN: 9788494590405

Páginas: 260 pág.

PVP: 19,95€

http://www.casadellibro.com/libro-montana-rusa/9788494590405/3108395

 

 

El Club de los Mejores, de Arthur Gunn

Buenas tardes, mis queridos Lectores Ausentes.

ecdlm1Hoy venimos con  un título de esos que suponen toda una declaración de intenciones. Una obra intensa, potente,  de esas que dejan al lector con la satisfacción de haber disfrutado de una lectura de las que de verdad vale la pena. Me estoy refiriendo a El Club de los Mejores, un thriller atípico, aunque sea imposible no encontrar ciertas referencias sobre otras lecturas que mencionaré después, y que nos llega de mano de Arthur Gunn, pseudónimo por el que ha apostado  el amigo Claudio Cerdán para firmar su nuevo trabajo.

Las razones para ello, las encontrarán en el propio libro, donde Claudio comenta al respecto, aunque no hay que ser un genio para deducir que son dos los motivos que le han podido llevar a ello. Por un lado, distanciarse quizás de una obra que se sale de lo habitual en su bibliografía y con la cual da un salto, con la idea de demostrar, o dejar atrás, esa estúpida creencia mayoritaria, según la cual, si un thriller lo escribe un yankee o cualquier otro autor extranjero, seguro que es un pelotazo, mucho mejor que lo que pueda escribir un españolito de a pie, donde va a parar. Por otra parte, quizás también ese  distanciamiento para con su obra, esa efímera máscara (el secreto sobre la autoría se descubre en el mismo momento que abres el libro), se deba a querer distanciarse de una novela que contiene algún elemento con el que el autor se siente demasiado cercano o implicado de algún modo, permitiéndole el firmar así el ver los hechos desde otra perspectiva. Quién sabe…

Pero me voy por las ramas, así que intentaré centrarme un poco. Recuerdo que cuando tuve el libro en mis manos, quise hacer lo de siempre, antes de ponerme con su lectura: Echarle un ojo a las primeras páginas, para ver como arrancaba. Recuerdo también lo que sucedió apenas un rato después, cuando no pude evitar mandarle un privado a Claudio, a través de Facebook, para comentarle al respecto. Creo que fue algo así:

Disfrutando cosa mala con El Club de los mejores, Mr. Gunn. Lo acabo de empezar y me he metido ya 40 páginas del tirón sin darme cuenta. Empieza fuerte… Y ya te digo que no sé por dónde has tirado, pero esas primeras cuarenta páginas me han hecho salivar.´´

Como podrán ver, lo cierto es que ya no pude soltarlo. Dejé abandonada otra lectura con la que estaba en ese momento y  me metí el resto del libro entre pecho y espalda, sin pestañear ni asomo de remordimiento ninguno.

Todo secreto tiene su precio. Y toda promesa rota, su castigo.

UN SECRETO DE LA INFANCIA

Los cuatro niños pedaleaban con todas sus fuerzas sin darse cuenta de que huían de sí mismos. Era un día agradable y soleado. El recuerdo del aire puro se convertiría, años después, en la constatación de sus pesadillas.

UN JUEGO DE TRAMAS Y AMENAZAS.

-No podemos contar nada- dijo Walter–. Este debe ser nuestro secreto.

Y por primera vez en su vida, se sintió muy solo.

-No es culpa mía -repitió para sí mismo-. No es culpa mía.

¿PODEMOS ESCAPAR DE LOS NIÑOS QUE FUIMOS?

Muchos años después, alguien llamará a medianoche a la puerta de Walter.

Todo secreto tiene un precio. Y toda promesa rota, un castigo.

Es medianoche cuando alguien llama a la puerta de Walter. Se trata de Cormac, un viejo amigo que necesita desesperadamente su ayuda: han secuestrado a su mujer y la matarán si no paga un rescate de un millón de dólares. Walter intenta ayudar a Cormac, pero esa misma noche ocurre algo totalmente inesperado que hace que toda su vida salte por los aires.

Walter se verá envuelto en un juego de trampas, sorpresas y amenazas cuya clave podría estar en algo que ocurrió mucho tiempo atrás, cuando los amigos tenían ocho años. Algo que prometieron no contar jamás a nadie.

El Club de los Mejores es un thriller lleno de tensión y ritmo sobre los niños que fuimos y los adultos en quienes nos hemos convertido. Una novela absolutamente adictiva que ha sido comparada con Mystic River, de Dennis Lehane, y El cuerpo, de Stephen King.

El Club de los Mejores no da tregua. Como digo, arranca fuerte, con una escena inicial que ya nos atrapa desde el principio y logra mantener esa atracción  a lo largo de toda la novela. Excelente ritmo narrativo, jugando con el lector con continuas sorpresas, haciendo que cada nuevo avance, cada nuevo descubrimiento, cada nueva revelación, nos haga  querer saber más y más. La tensión  no decae en ningún momento y los giros inesperados no hacen más que alimentarla hasta que llegamos al desenlace, donde sospechas, suposiciones y conjeturas serán confirmadas o no, en un clímax que si bien no es explosivo, si  resulta muy satisfactorio, y lo que es más importante, coherente y acorde con toda la historia, sin artificios innecesarios ni salidas de tiesto.  Todos los cabos bien atados, sin fisuras ni absurdeces demasiadas veces vistas. Dejándonos un buen sabor de boca y cara de satisfacción al pasar la última página y dar por terminada la historia.

Gran cambio de registro  por parte del autor, que sale no solo bien parado, sino que con nota. Cierto que hay alguna cosilla a la que quizás se le adivinan un poco las costuras, pero nada que pueda señalarse acusadoramente con el dedo y mucho menos nada de lo que no pequen muchos grandes best-sellers internacionales, entre los cuales, sin conocer la verdadera identidad de su autor, está obra pasaría como una de ellas, pelotazo en ventas y disponible en cualquier escaparate.  Yo la he disfrutado muchísimo y  si hay algo que destacaría, es la existencia de un segundo texto, debajo de la propia trama de la novela, que tiene una profundidad que puede pasar desapercibida, pero que en mi opinión, es donde reside la verdadera esencia de la historia. Veo mucho de introspección sobre los que una vez fuimos y lo que ha quedado a día de hoy, en quienes nos hemos convertido. Eso parece obvio en la obra, pero Claudio no se queda en lo superficial, va un poquito más allá y de forma inconsciente, nos lleva a recordar quienes fuimos una vez, que quedó de aquellos niños y en todo lo que dejamos atrás (para bien o para mal), en los secretos que guardamos y cargamos con nosotros,  y lo que entendemos por amistad.

ecdlm2Como sea, la red de engaños que teje es una verdadera delicia, aunque admito que me ha costado bastante empatizar con el protagonista principal, justamente porque es humano, con sus pocas virtudes y sus muchos defectos, creíble, y como todos, tiene algunas facetas en su carácter, en su personalidad y en su moral, que chocan de frente con el lector, quién curiosamente llega a sentirse mejor persona que él, o  al menos eso quiere creer. Y eso es digno de análisis y toda una MasterClass de cómo debe crearse a un personaje bien definido, con carácter, personalidad y perfectamente desarrollado.

Emoción, suspense e intriga, cualidades  de las que debería presumir cualquier thriller que se precie. Y como vengo diciendo desde un principio, al mismo nivel que cualquier autor extranjero superventas, de esos que te puedes encontrar en grandes librerías, El Corte Inglés, Carrefour o cualquier otro ejemplo de punto de venta a espuertas, convirtiendo el título en aquello que llaman “La Novela del Año´´. Aunque en mi opinión, considero que les pasaría la mano por la cara a más de uno, por su enfoque, nivel y calidad.

 

El Club de los Mejores

Arthur Gunn (Claudio Cerdán)

Ediciones B

ISBN: 978-84-666-5991-8

Páginas: 408 pág.

PVP: 19.00 €

http://www.edicionesb.com/catalogo/autor/arthur-gunn/1376/libro/el-club-de-los-mejores_4121.html